Klee 9781780426983, 1780426984, 9781781605608, 1781605602
Paul Klee naci en 1879 en Mnchenbuchsee, Suiza, y creci en una familia de msicos. En vez de seguir la tradicin musical d
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Página 4: Los maestros de la Bauhaus (de izquierda a derecha): Lyonel Feininger, Wassily Kandinsky Oscar Schlemmer, Georg Muche y Paul Klee en el estudio de Klee en la Bauhaus, Weimar, 1925 Texto: Donald Wigal Diseño: Baseline Co. Ltd. 61A-63A Vo Van Tan Street 4º piso Distrito 3, Ciudad Ho Chi Minh Vietnam
© Confidential Concepts, worldwide, USA © Sirocco, London Image-Bar www.image-bar.com © Paul Klee Estate/Artists Rights Society, New York/VG Bild-Kunst, Bonn
Reservados todos los derechos de publicación y adaptación en todo el mundo. A menos que se especifique lo contrario, los derechos de autor de las obras reproducidas pertenecen a los respectivos fotógrafos, artistas, o herederos. A pesar de las pertinentes investigaciones, no siempre ha sido posible establecer la propiedad de los derechos de autor. En caso de reclamación, por favor póngase en contacto con la editorial. ISBN: 978-1-78042-698-3
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«Aprendemos a ver lo que fluye por debajo. Aprendemos la prehistoria de lo visible. Aprendemos a profundizar y a poner al descubierto, a explicar, a analizar.» — Paul Klee
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Biografía
1879:
Nace Paul Klee el 18 de diciembre cerca de Berna, Suiza.
1886:
Empieza la escuela primaria en Berna.
1898:
Se muda a Munich para estudiar pintura.
1900:
Asiste a la Academia de Munich. Estudia bajo la tutela de Franz von Stuck.
1901:
Viaja a Italia.
1902:
Regresa a Munich.
1905:
Viaja a París, donde ve las obras de los grandes artistas.
1906:
Klee se casa con Lily Stumpf. Expone en Munich.
1907:
Nace el único hijo de la pareja, Felix.
1909-1910: Expone en Berna, Zurich, Wintenthur y Basilea. 1911:
Conoce a Kandinsky, Marc y Macke. Se une a «Der Blaue Reiter» («El jinete azul») y recibe la influencia del Cubismo.
1912:
Visita París de nuevo. Conoce a Delaunay y es influido por la obra de Picasso, Braque, Rousseau y Matisse.
1913:
Se publica la traducción de Klee del ensayo de Delaunay En la luz.
1914:
Viaja a Túnez.
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1916:
Es llamado a filas. Pinta muy poco.
1920:
Gran retrospectiva de su obra en Munich. Se le invita a enseñar en la Bauhaus, que entonces estaba en Weimar.
1922:
Los cuadros de Klee se exponen en Berlín y en Wiesbaden.
1924:
Primera exposición en América.
1926:
Se muda con su familia para enseñar en la Bauhaus en Dessau.
1929:
Sus obras se exponen en París, Dresde y Berlín.
1931:
Dimite de la Bauhaus, da clases en la Academia de Bellas Artes de Düsseldorf.
1933:
La obra de Klee se encuentra entre la llamada «degenerada» por los nazis. Es despedido de la Academia. Regresa a Berna y vive en casa de sus padres.
1934:
Expone en Londres, su primera vez en Inglaterra.
1935:
Exposición retrospectiva de su obra en Berna y Basilea. Cae gravemente enfermo de lo que más tarde le será diagnosticado como esclerodermia. Cambia su estilo, utiliza gruesas líneas negras.
1937:
Diecisiete de las obras de Klee que habían sido confiscadas por los nazis se incluyen en una exposición del «Arte degenerado».
1940:
Gran exposición de su obra en Zurich. Muere el 29 de junio en Muralto (Locarno), Suiza. Se organizan exposiciones conmemorativas en Berna, Nueva York y Basilea. 7
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n una recopilación de sus escritos titulada El ojo pensante, Paul Klee pide a sus lectores que hagan un «pequeño viaje» con él a «la tierra de
la Mejor Comprensión». Estaba hablando de los aspectos técnicos del arte, pero se puede hacer la misma invitación al principio de esta breve reseña del artista. Este libro ofrece un pequeño viaje a través de los hechos más destacados de la fascinante vida de Klee. También ofrece una perspectiva general de su arte,
En la cantera 1913 Acuarela sobre papel sobre cartón 22,3 x 35,2 cm Zentrum Paul Klee, Berna
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deteniéndose brevemente en ciento veinte cuadros representativos que se reproducen en él. (Una lista completa de las 8.926 obras de Klee se puede encontrar en el Catalogue raisonnè Paul Klee.) Paul Klee (1879-1940), suizo de nacimiento, fue uno de
los
artistas
más
inventivos,
ingeniosos
e
imaginativos de todos los tiempos. Fue un maestro de la fantasía, ofreciendo cientos de pequeñas pero impresionantes obras que presentaba constantemente, sutilmente ingeniosas y con profundos significados.
Homenaje a Picasso 1914 Óleo sobre cartón 38 x 30 cm Colección privada
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Su obra raramente se confunde con la de otros, pero a diferencia de muchos artistas que encuentran su lenguaje y lo repiten constantemente - cada uno de sus cuadros tiene una identidad propia. Juega hábilmente con los sentidos del espectador, haciendo un arte ambiguo, casi siempre incomprensible. Artista con gran influencia en la evolución del arte moderno, incluso cuando este tipo de arte fue oficialmente condenado en Alemania, Klee no se suscribe por completo a ninguno de los muchos movimientos de su época.
Ante las puertas de Kairouan 1914 Acuarela sobre papel sobre cartón 20,7 x 31,5 cm Zentrum Paul Klee, Berna
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Klee nació en Münchenbuchsee, cerca de Berna, Suiza, el 18 de diciembre de 1879. Su padre, Hans, era un profesor de música alemán que daba clases en la escuela de profesores de Berna-Hofwyl. Su madre, Ida Marie, recibió educación musical en Stuttgart. Su bisabuelo paterno fue organista en Turingia. El dibujo más famoso de su más tierna infancia es Con la liebre, hecho cuando sólo tenía cinco años. Durante su juventud dibujó «demonios»,
Cúpulas rojas y blancas 1914-1915 Acuarela en vitela japonesa 14,6 x 13,7 cm K 20 Kunstsammlung Nordrhein Westfalen Düsseldorf 14
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de los que sentía que «adquirían una presencia real». Pronto aparecen en sus diarios recuerdos de cómo estas figuras diabólicas le aterrorizaban tanto que corría hacia sus padres en busca de consuelo. Sin embargo, las primeras señales del temperamento artístico del joven Paul Klee no se expresaron mediante las artes visuales, sino por medio de la música. La familia apoyaba los esfuerzos del joven para dominar el violín, que tocó desde los siete años (1886)
Sin título 1914 Acuarela y tinta sobre papel Ingres 17 x 15,8 cm Kupferstichkabinett, Kunstmuseum, Basilea
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hasta que se vio obligado a dejarlo por motivos de salud en 1935. Como el gran Jean-Auguste-Dominique Ingres (1780-1867), tocaba el violín durante una hora antes de cada sesión pictórica. Además, dibujaba todos los días, como Picasso y Matisse. Tocaba el violín en grupos de cámara y en la orquesta municipal, incluso mientras estaba aún en el colegio. Aunque la verdad es que el grupo no estaba muy pulido. El gran violonchelista español, Pau Casals (1876-1973),
Vista de un puerto por la noche 1917 Guache y óleo sobre papel cubierto por tiza y pegamento 21 x 15,5 cm Musée d’Art Moderne et Contemporain Estrasburgo 18
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oyó tocar a la orquesta en enero de 1905. Después se supone que dijo que sería terrible tocar con ella. A pesar de que Klee tenía una excelente experiencia musical, en 1898, a la edad de veinte años, decidió estudiar arte, no música, en la Academia de Munich. De todos modos la música fue esencial para él durante toda su vida. En su diario, Klee a menudo documentaba opiniones sobre los conciertos o las óperas a las que acudía durante sus viajes por Italia, Francia y Alemania.
Sirenas de barcos 1917 Tinta y acuarela sobre papel sobre cartón 24,2 x 15,6 cm Graphische Sammlung, Staatsgalerie Stuttgart 20
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Hacia 1925, mientras estaba en la Bauhaus en Dessau, Klee conoció al compositor Paul Hindemith (1895-1963). Al parecer, el artista se hizo amigo del joven compositor y le gustaba su música de cámara. Por entonces Hindemith había compuesto un concierto para piano y varias canciones, así como más de veinte trabajos mayores para cuerda, incluyendo tres de sus seis obras tituladas Kammermusik (música de cámara). Las pruebas de la permanente influencia de la música en Klee se encuentran a lo largo de su variada obra.
Dittlsam 1918 Tinta y acuarela sobre papel 26,5 x 16,5 cm Musée d’Art Moderne et Contemporain Estrasburgo 22
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Los trabajos que reflejan referencias directas a la música incluyen dibujos en las series «Eidola», como el de una pianista, o trabajos sobre gente tocando timbales. Varios de sus títulos están relacionados con la música, como El violinista heróico o Heróicos golpes de arco (1938) (p. 231). Personajes específicos de sus óperas y dramas favoritos aparecen en numerosas obras de Klee, como en Genios (personajes de un ballet) (1922) (p. 77) o La cantante L. como Fiordiligi (1923). En 1921 Klee pintó Historia hoffmanesca (p. 61),
Versunkene Landschaft (Paisaje envolvente) 1918 Acuarela, guache y tinta sobre papel sobre cartón los bordes superior e inferior ribeteados con papel satinado, 17,6 x 16,3 cm Museum Folkwang, Essen 24
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un cuadro basado en una de las ocho operetas de Jacques Offenbach (1819-1880), Los cuentos de Hoffmann, publicada póstumamente en 1881. En estos y en otros trabajos, Klee parece haber visto lo que escuchaba y escuchar lo que pintaba. Los elementos y el trato familiar con la música (línea, armonía, ritmo, tiempo), así como muchas de sus formas (fuga, polifonía, etc.) pueden encontrarse a lo largo del cuerpo de su obra. A veces, la conexión con la música es evidente ya en el título,
Castillo al atardecer 1918 Acuarela, guache y tinta sobre papel sobre cartón montado en lienzo imprimado con yeso ribeteado con tinta, 18,5 x 27,8 cm Colección Berggruen, Neue Nationalgalerie Staatliche Museen zu Berlin, Berlín 26
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como en Fuga en rojo (1921), Blanco polifónico (1930) (p. 195), Polifonía (1932), y Nueva armonía (1936) (p. 223). Dos de las obras tempranas de Klee son de las más conocidas: Virgen en el árbol y Encuentro de dos hombres, cada uno creyendo que el otro ocupa una posición más elevada, ambas de 1903. Los extraños cuerpos, alargados y demacrados, y el sombreado con puntos usado en los dibujos muestran la búsqueda de un estilo distintivo del joven artista.
Antaño salido del gris de la noche 1918 Acuarela sobre papel sobre cartón 22,6 x 15,8 cm Zentrum Paul Klee, Berna
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Sin embargo, las pequeñas marcas gráficas de estas obras tempranas prefiguran su estilo de madurez. Incluso aquí, Klee utiliza raras figuras caprichosamente, como crónica de la condición humana, casi siempre presente con contenida ironía. En general, la obra de Klee anticipa el Surrealismo, aunque sin referencias freudianas explícitas. Su trabajo retiene un espíritu inocente y dulce, a veces irónico, risible. Sin embargo, Klee también conocía el concepto de los arquetipos desarrollado por su contemporáneo,
Mito floral (o Mito de las flores) 1918 Tiza triturada sobre papel y acuarela sobre lienzo 29 x 15,8 cm Sprengel Museum Hannover Hannover 30
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el renombrado psicoanalista Carl G. Jung (1875-1961). Los artistas individuales (más que los movimientos) se interesaron en Klee. En 1900, en la Academia de Munich, Klee empezó sus estudios con su maestro más influyente, Franz von Stuck (1863-1928), pintor y escultor simbolista alemán. Entre los estudiantes de Stuck se encontraban Josef Albers (1888-1928), fundador del Op-Art, y Wassily Kandinsky (1866-1944), amigo de Klee desde entonces. Una vez terminados sus estudios en la academia, Klee viajó por Italia durante un año.
Bajo una estrella negra 1918 22,2 x 15,9 cm Kunstmuseum, Basilea
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Los primeros mosaicos cristianos, el arte gótico y bizantino de Florencia, así como la fauna y flora del acuario napolitano, le embelesaron. El recuerdo de los mosaicos que vio durante su estancia en Italia volvería a su memoria en su posterior visita a Túnez.
Evocaciones
de
estas
observaciones
aparecerían a lo largo de su obra, como en Flora en las rocas (1940), y en sus muchos trabajos con referencias directas a los peces, desde El acuario de 1925 a Confusión de peces (Muddle Fish) de 1940.
La domadora Irma Rossa 1918 Acuarela y tinta india sobre papel sobre cartón 29,5 x 23 cm Sprengel Museum Hannover Hannover 34
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En 1939, el Museum of Modern Art de Manhattan adquiere una obra de Klee, Alrededor del pez (1926). Klee vivió en Berna entre 1902 y 1906, continuó sus estudios de arte y experimentó para descubrir su estilo propio. A lo largo de su prolífica vida probó constantemente a pintar en superficies originales, incluyendo tela, papel secante, papel de periódico (los usa en varias obras, especialmente durante 1938), e incluso cemento. Parque cerca de Lu (1938) (p. 233) por ejemplo, es un óleo sobre papel de periódico montado sobre arpillera.
Villa R 1919 Óleo sobre madera, 26,5 x 22 cm Öffentliche Kunstsammlung (1936) Kunstmuseum, Basilea
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Realiza varios trabajos de tiza sobre papel en 19391940. Utiliza sus inusuales combinaciones de medios en sus trabajos más conocidos, incluyendo el popular Muerte y fuego (1940) pintado al óleo y pasta de color sobre yute montado sobre otro yute montado sobre un bastidor con un doble marco original de cuerda. Las dimensiones de los marcos que Klee encontraba en sus viajes semi-anuales a los mercados de pulgas determinarían a menudo el formato de su obra. Muchas veces «hacía que el pie se ajustara al zapato»,
Ritmo de los árboles en otoño 1920 Óleo y tinta sobre lienzo imprimado con yeso sobre cartón, marco original, 42 x 49 cm Colección privada
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como dice una máxima tradicional alemana. Las reproducciones a veces incluyen los marcos originales. Varias de éstas, incluso en este libro, muestran estos marcos. (El arquitecto Mies van der Rodhe coleccionó obras de Klee que mostraba en sus inusualmente grandes marcos.) Durante su juventud, Klee también visitó el Gabinete de Grabados de Munich, donde pudo observar las obras de Aubrey Breadsley (1872-1898), William Blake (1757-1827) y Francisco de Goya (1746-1828).
Paisaje de un parque 1920 Acuarela y tinta sobre papel sobre cartón 14,9 x 29 cm Colección privada
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Comenta especialmente el ingenio y los temas excéntricos de Beradsley, el misticismo de Blake y las oscuras reflexiones del último periodo de la obra de Goya. Parece que la obra de Goya, principalmente sus grabados y dibujos a pluma y tinta, y la de James Ensor (1860-1949) son las influencias más obvias en la producción más temprana de Klee. Goya y Ensor comparten convicciones con el Modernismo y el Expresionismo. Goya incluso muestra algunos valores Posimpresionistas, mientras que el artista belga Ensor manifiesta convicciones del Simbolismo y el Primitivismo.
¿Dónde? 1920 Óleo y lapicero sobre cartón 23,5 x 29,5 cm Collezione Città di Locarno Pinacoteca Casa Rusca, Locarno 42
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Estas dos últimas influencias dejarían una huella especial en Klee, y los tres artistas contribuirían enormemente al Modernismo. Klee descubrió por sí mismo el uso de la línea que Ensor desarrolló como artista expresionista, lo que contrastaba con su obra gráfica representativa. Pero incluso los más tempranos trabajos de Klee estaban marcados por sus distintivas peculiaridades de fantasía, sin la amargura ni la obsesiva búsqueda del diablo de Ensor, que se puede ver en su obra maestra La entrada de Cristo en Bruselas (1888).
Tres flores 1920 Óleo sobre cartón imprimado pintado al óleo en el reverso 19,5 x 15 cm Donación LK, Zentrum Paul Klee, Berna 44
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En 1905, durante el tiempo preparatorio de su juventud, Klee visitó París. Allí estudió las obras de Odilon Rendon (1840-1916). Fue en las líneas independientes de Rendon donde Klee encontró la inspiración, no siguiendo las cásicas líneas del Romanticismo de Eugène Delacroix o el Clasicismo de Jean-Baptiste-Camille Corot (1796-1875). Mejor dicho, Rendon se convirtió en un precursor de Marc Chagall (1887-1985) y Joan Miró (1893-1983) así como
Estación de tren L112, 14 km 1920 Acuarela y tinta india sobre papel sobre cartón 12,3 x 21,8 cm Fundación Hermann and Margrit Rupf Kunstmuseum, Berna 46
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de Klee gracias a las características surrealistas y expresionistas de sus obras. Asimismo, en la obra de Joan Miró se puede apreciar el impacto de Klee. A la edad de veintisiete, Klee se casó con la pianista clásica Lily Stumpf, hija de un médico de Munich. La pareja se estableció en esta ciudad, donde el arte de vanguardia estaba floreciendo. Durante los primeros diez años de matrimonio, Lily Klee impartió lecciones de piano para pagar los gastos de la casa. En 1907 nació su hijo, Felix.
Ángel sirviendo un ligero desayuno 1920 Litografía 19,8 x 14,6 cm Sprengel Museum Hannover, Hannover
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En 1909-1910, Klee expuso por primera vez. Mostró cincuenta y seis obras, la mayoría grabados de temas extraños. Más tarde el artista admitió que estos trabajos eran pesimistas e incluso decadentes. Entre 1908 y 1911, Klee vio en Munich las exposiciones de Paul Cézanne (1839-1906), Vincent van Gogh (1853-1890) y Henri Matisse (1869-1954). Aunque Klee no imitaba a los maestros, su obra muestra un entendimiento personal de sus trabajos. Empezó a tener especial interés en el Cubismo,
Plano arquitectónico de un jardín 1920 Acuarela y óleo sobre lienzo sobre cartón 36,5 x 42,9 cm Zentrum Paul Klee, Berna
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cuyas raíces se remontaban a 1901, promovido por Pablo Picasso (1881-1973) y Georges Braque (1882-1963). Ambos estaban en deuda con el uso que Cézanne hacía de varios puntos de vista dentro de un único cuadro. Como puede verse incluso en la pequeña selección de la obra de Klee que aparece en este libro, el Cubismo continuó influyéndole a partir de entonces. En 1911 Klee tiene una exposición individual en Munich. Incluso aunque no estaba bien ubicado en los
Camello en un rítmico paisaje arbolado 1920 Óleo sobre malla cubierta de tiza 48 x 42 cm K 20 Kunstsammlung Nordrhein Westfalen Düsseldorf 52
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pasillos de la Galería Thannhauser, Kandinsky y otros miembros de «Der Blaue Reiter» («El Jinete Azul») se percataron de ella. Klee pronto conoció a otros artistas con filosofías estéticas similares, como Jean (o Hans) Arp (1886-1966). Pero fue con Kandinsky con quien estableció una larga amistad y colaboración. Después de desarrollar su amistad con Kandinsky y su compañero August Macke, Klee se interesó, y más tarde se unió a su grupo expresionista, «Der Blaue Reiter».
Transparente y perspectiva 1921 Acuarela, tinta sobre papel, sobre papel, sobre cartón 23,4 x 25,9 cm Colección privada
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El grupo toma su nombre de una de las obras de la serie de lienzos «Tres caballos rojos» (1911) de Franz Marc (1880-1916). El mismo año de la exposición individual de Klee, Franz Marc presentó sus famosas series de caballos de colores. En estos y otros trabajos, Marc usó colores complementarios puros (rojo-verde, azul-naranja, amarillo-violeta). El nombre del grupo indica que se centraba en el uso del color con fines expresivos. Kandinsky y Marc, y después Klee y su amigo Macke, los verdaderos coloristas del grupo, lo encabezaban.
Coro y paisaje 1921 Guache y lapicero sobre óleo sobre papel sobre cartón 35 x 31 cm Préstamo a largo plazo de una colección privada Zentrum Paul Klee, Berna 56
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También en 1911, Klee crea sus ilustraciones para la edición alemana de Cándido, la novela clásica del autor francés Voltaire (1694-1778). Klee interpreta los personajes de Voltaire como insectos, dándoles posturas y expresiones humanas. Las ilustraciones se asemejan a un niño artista que ha intentado leer el complejo texto, pero imaginando su propia historia. En el mundo de fantasía de Klee lo surreal era la norma, y la forma más terrible mantiene el ingenio y la sensibilidad. Pongamos como ejemplo Luftschloss (1922) (p. 89),
Islas de aves 1921 Acuarela y óleo transferido sobre papel sobre cartón 28 x 43,8 cm Zentrum Paul Klee, Berna
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cuyo título significa «castillo en el aire». En él, el autor construyó una estructura vertical que, de alguna manera, es transparente y ligera. La profundidad está presente, pero la gravedad parece no afectarle. Como los amados mitos y fantasías en general de Klee, su belleza se construye en parte con la libertad de las bases fijas. En 1912 Klee escribió un artículo para el diario Die Alpen acerca del movimiento para reformar el arte. El pasaje que normalmente se cita de este artículo es seguramente una hipérbole:
Historia hoffmanesca 1921 Acuarela sobre papel sobre madera 31,1 x 24,1 cm Colección Berggruen Klee (1984) The Metropolitan Museum of Art, Nueva York 60
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«Las obras de los enfermos mentales deberían ser tomadas más en serio por todas las galerías del mundo.» Sin embargo, cuando compara el arte de los enfermos mentales con el de los niños, añade, «los niños también tienen habilidades artísticas, y hay sabiduría en ellas. Cuanta más ayuda reciben, más instructivos son los ejemplos que nos proporcionan, y deben ser protegidos de la corrupción desde una edad temprana.» En otro sitio, apuntó, «Mira esas pinturas religiosas [hechas por enfermos mentales]:
Flora fantástica 1922 Tinta, lapicero, óleo y acuarela sobre papel, sobre cartón, ribeteado con guache 43,7 x 35 cm Stiftung Moritzburg - Kunstmuseum des Landes Sachsen-Anhalt, Halle (Saale) 62
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tienen una profundidad y una fuerza de expresión que yo no lograré jamás. ¡Hay algo realmente sublime en este arte!». Existen variadas influencias en el arte de Klee, que incluyen el arte espontáneo de los niños, el de los enfermos mentales, el arte primitivo (especialmente la escultura africana), el Surrealismo y el Cubismo. A lo largo de su obra hay pistas o reminiscencias de los adornos y máscaras de culturas primitivas. Aunque de alguna manera siempre mantiene una única voz,
Cuadro conmemorativo de una excursión 1922 Tinta, lapicero, óleo y acuarela en papel cortado y reconstruido sobre cartón, ribeteado con guache 33,7 x 19,1 cm Donación de la baronesa Hanna von Brockdorff Hamburger Kunsthalle, Hamburgo 64
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Klee busca y explora seriamente a otros artistas, pasados y contemporáneos. Los comentarios de la obra de Klee normalmente mencionan la apariencia intencional y obvia de un estilo primitivo en sus dibujos, de aparente simplicidad y de interpretaciones infantiles de muchos trabajos del artista, incluso aunque tenía una formación extensa y excepcional en las bases del dibujo y la pintura. Cuando empezaba su carrera artística apuntó: «Ojalá no tenga nunca que reprocharme dibujar mal por ignorancia.»
Separación, por la noche 1922 Acuarela y lapicero sobre papel sobre cartón borde superior e inferior ribeteado con acuarela y tinta 33,5 x 23,7 cm Donación de LK, Zentrum Paul Klee, Berna 66
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Señaló, «La leyenda según la cual mis obras son pueriles debió de originarse por esas composiciones lineales que trataba de combinar para crear una imagen concreta... con la representación pura de elementos lineales, siempre combinados con las dimensiones más subconscientes de la pintura.» Amaba la brevedad, simplicidad y honestidad emocional del arte infantil. Asimismo, también vio esos valores en el arte primitivo, en el que no había convenciones civilizadas y sí muy poca racionalización.
Exotische Flusslandschaft (Paisaje de un río exótico) 1922 Acuarela y tinta sobre papel sobre cartón ribeteado con acuarela y tinta 31,4 x 15,7/15,2 cm Colección privada 68
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Es posible que alcanzara el dominio del color antes que el control del dibujo. Hasta 1913, el artista se sentía cómodo con la acuarela, como en En la cantera (1913) (p. 9), aunque en ella ya aparece el color «fuera de las líneas» como un grupo de «árboles» a la derecha que parecen estar creciendo más allá del bosque del impresionismo hacia el imaginativo expresionismo. Al año siguiente el artista organizaba formas irregulares y enmarañadas que servían de fondo para detalles y pequeños fragmentos de dibujo en una obra sin título (p. 17).
Equilibrio inestable 1922 Acuarela y lapicero sobre papel sobre cartón ribeteado con acuarela y tinta 31,4 x 15,7/ 15,2 cm. Zentrum Paul Klee, Berna 70
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Varios trabajos desde 1914 revelan madurez en el color, como Ante las puertas de Kairouan (1914) (p. 13). Las bóbedas en el horizonte de sus paisajes con acuarela aparecen también en Cúpulas rojas y blancas (1914-1915) (p. 15). En El don Giovanni bávaro (1919) aparece una luna creciente y la estrella de David. Este último símbolo, que indica la fe judía y que fue especialmente usado durante la persecución nazi que empezaba a manifestarse en el mundo durante esta época,
Pequeño cuadro de abetos 1922 Óleo sobre algodón sobre cartón 31,6 x 20,4 cm Donación de Richard Doetsch-Benziger Kunstmuseum Basel, Basilea 72
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se ve a menudo en las obras de Klee, incluso en trabajos tempranos como Sirenas de barcos (p. 21). En Bajo una estrella negra (p. 33) el símbolo es fundamental en el título y en la obra en sí misma. En ella aparece una persona abrumada en medio de símbolos judíos y cristianos, tratando de alcanzar un precario equilibrio, en un tiempo en el que la profesión de la fe era, más que habitualmente, un asunto de vida o muerte.
Zona afectada 1922 Acuarela y óleo sobre papel sobre cartón 30,7 x 23,1 cm Zentrum Paul Klee, Berna
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El 6 de abril de 1933 Klee escribió a Lily diciéndole que su hijo Felix «va a proporcionar pruebas de su condición cristiana.» Y añadió: «Si me lo piden oficialmente, yo lo haré también. No debo abandonar voluntariamente mi punto de vista personal, que es que un judío y un extranjero no son inferiores a alguien con raíces alemanas, porque de lo contrario me colocaría para siempre en un monumento del ridículo. Preferiría asumir la responsabilidad por mí mismo que representar la figura tragicómica de quien intenta ganarse la simpatía de los que tienen el poder.»
Genios (personajes de un ballet) 1922 Tinta, acuarela y lapicero sobre papel sobre cartón 24 x 16,4/15.9 cm Zentrum Paul Klee, Berna
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(Cf. Felix Klee (ed.): Paul Klee - Briefe an die Familie. Colonia, 1979). Cuando el National Museum de Berlín requirió a Lily Klee pruebas de la ascendencia aria de su marido, ella respondió «P. Klee, por parte de padre, proviene de la mejor de las razas, o sea, campesinos alemanes, por parte de madre, de un antiguo linaje patriarcal de Basilea.» Sin embargo, sus raíces suizas y su posterior regreso a ellas, le guardan de ser clasificado simplemente como un artista alemán. A lo largo de su vida,
Mural del templo de la Nostalgia 1922 Acuarela, tinta impresa sobre lienzo imprimado con yeso, en cartón Bristol 26,7 x 37,5 cm Colección Berggruen Klee (1984) The Metropolitan Museum of Art, Nueva York 78
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Klee mantuvo una aprensión hacia la tecnología moderna y la racionalización que el género humano tenía acerca de su propia civilización. Una de sus obras más famosas, La máquina de gorjear (1922) (p. 83), es un dibujo a pluma y tinta coloreado con suave acuarela. Como los pájaros mecánicos de su aparato imaginario, el artista a menudo expresa pequeñas pero efectivas reacciones a ciertas influencias. Sin embargo, a veces gira su manivela para provocar su propia respuesta.
Idea y estructura de la Bauhaus 1922 Acuarela y tinta india sobre papel sobre cartón Bauhaus Archiv, Museum für Gestaltung, Berlín
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Klee de nuevo combina lo trágico con lo humorístico. Con unas pocas líneas crea un mecanismo que se burla de la confianza puesta en la época de las máquinas. Las manchas negras que se alzan desde los pozos de polución de los residuos industriales podrían ser la causa de los gritos ahogados de la naturaleza. Uno de los pájaros parece estar exhalando el mismo humo contaminado. Esta obra podría ser, en efecto, un excelente póster antihumo y pro-ecologismo.
La máquina de gorjear 1922 Acuarela, tinta y óleo sobre papel sobre cartón 64,1 x 48,3 cm The Museum of Modern Art, Nueva York
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Un trabajo compañero de La máquina de gorjear, del mismo año, es Análisis de varias perversidades (p. 87). Ambos muestran la profética y oportuna preocupación de Klee por el medio ambiente, anterior a 1925. Ese año, el programa de la Staatliche Bauhaus fue rediseñado para poner más énfasis en resolver los problemas urbanos de la Alemania de después de la I Guerra Mundial. Klee participó en el planteamiento del programa junto con Kandinsky y el americano Lyonel Feininger (1871-1956).
Proyecto de un jardín 1922 Acuarela y tinta sobre papel sobre cartón 26,6 x 33,5 cm Zentrum Paul Klee, Berna
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Feininger también expuso con el grupo «Der Blaue Reiter» en 1919. En 1933, los nazis etiquetarían su obra, junto con la de Klee, como «degenerada». En 1912 Klee visitó París por segunda vez. Aquí vio las obras de los futuristas, incluyendo las de Robert Delaunay (1885-1941), quien por entonces era un excubista que había creado una serie de lienzos llamados «Ventanas» (1912). El popular poeta Guillaume Apollinaire nominó el estilo utilizado en esta serie como «Orfismo».
Análisis de varias perversidades 1922 Acuarela y tinta india sobre papel sobre cartón 47 x 31,4 cm Donación de M. Heinz Berggruen (1972) Musée National d’Art Moderne, París 86
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El Orfismo se describe como un cubismo colorido, al que se le da un carácter más abstracto usando colores cercanos o variantes cromáticas de los colores contrastantes. El Orfismo, o al menos las obras de Delaunay y su énfasis en colores intensos, tendrían a partir de entonces una importante influencia en Klee. Algunos críticos dicen que fue una pasión a lo largo de la vida de Klee, incluso en sus últimos y turbulentos años.
Luftschloss (Castillo en el aire) 1922 Óleo y acuarela sobre malla imprimado con yeso sobre cartón 62,6 x 40,7 cm Colección de Hermann and Margrit Rupf Fundación Rupf, Kunstmuseum, Berna 88
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Durante su segundo viaje a París, también visitó las galerías de la vanguardia - Picasso, Braque, Rousseau y Matisse. Sin embargo, aparentemente hizo el viaje principalmente para ver las obras de Delaunay. Durante su estancia, Klee - a la vez lingüista, músico, artista y escritor - tradujo el texto teórico de Delaunay sobre la luz y el color para el diario académico Der Sturm. El tema era uno de los que más interesaban a Klee. La poesía del pintor a menudo capturaba en palabras el estado anímico de la soledad,
Senecio 1922 Óleo sobre malla 40,5 x 38 cm Kunstmuseum, Basilea
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como una Incipiente Serenidad. Pero era más frecuente la inclusión de la esperanza y la luz, incluso en la más profunda oscuridad, como en Noche azul (1937) (p. 227), así como en Máscaras al atardecer y Flores nocturnas (ambas de 1938). Llevar la luz a la oscuridad del mundo es un tema recurrente en la vida y obra de Klee. El año de su nacimiento, 1879, fue el mismo en el que Thomas A. Edison y su equipo inventaron la luz eléctrica en Estados Unidos.
El dios del bosque del norte 1922 Óleo y pluma sobre lienzo sobre cartón 53,5 x 41,4 cm Zentrum Paul Klee, Berna
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Ambos eventos acabarían por iluminar el mundo del arte, que nunca volvería a ser el mismo. Mientras Klee maduraba su estética, la luz siempre permaneció como elemento fundamental. «Estoy ahora probando a interpretar la luz simplemente como extensión de la energía», diría. De la misma manera, le llevaría años de trabajo encontrar la iluminación apropiada. Para la obra de Klee, como para la naturaleza, la luz y el color son elementos esenciales para la vida. Según su diario, durante su viaje al norte de África,
La isla sumergida 1923 Acuarela, guache y tinta sobre papel sobre cartón, bordes superior e inferior ribeteados con papel satinado 46,2 x 65,3 cm Donación de Geneviève y Jean Masurel Musée d’Art Moderne Lille-Métropole,Villeneuve-d’Aascq 94
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Macke le ayudó a encontrar el papel vital del color en su trabajo. Klee dijo «El color y yo somos uno» (Los pasajes del diario son de Felix Klee (ed.): Los diarios de Klee 1898-1918. Berkeley, 1964). Con respecto al reconocimiento y unión de Klee con la naturaleza, un amigo, Henry Kahnweiler, informaba de que una vez encontró al artista apartado y contemplando la naturaleza durante un viaje al Parque Nacional de Suiza. Entonces Klee le dijo: «Acabo de tener una larga conversación con una serpiente.»
Juego asirio 1923 Óleo sobre cartón sobre cartón 37 x 51 cm Préstamo a largo plazo de una colección privada Zentrum Paul Klee, Berna 96
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Las figuras de serpientes aparecen en su obra, a veces apenas apreciables, como la del borde de su temprano grabado El cómico (1904). En 1914 Klee viajó con sus amigos, sus compañeros artistas August Macke y Louis Moilliet, a Túnez, en el norte de África. Macke murió en servicio militar ese mismo año, en la I Guerra Mundial (1914-1918). Él y Franz Marc (1880-1916) son si duda los únicos artistas y amigos cercanos que murieron durante la vida de Klee. Sin embargo, el dolor es un tema recurrente en su obra desde el principio,
Arquitectura pictórica en rojo amarillo y azul 1923 Óleo sobre cartón imprimado en negro marco original pintado 44,3 x 34 cm Zentrum Paul Klee, Berna 98
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como en los extraños grabados de 1909-1910 y especialmente en El duelo (1934). El arte de Túnez impresionó a Klee, pero la luz natural del Mediterráneo occidental le abrumó. En su diario escribió: «El color me ha poseído; ya no tengo que perseguirlo más. El color y yo somos uno. Soy pintor.» Los estudios tempranos de Klee sobre cómo Delaunay se aproximaba al color y la luz podrían haber influenciado su forma de percibir Túnez y, probablemente, toda su obra posterior.
Parterre multicolor 1923 Óleo sobre cartón 33,7 x 25,8 cm Donación de Erna Burgauer Kunsthaus Zürich, Zurich 100
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Una vez hubo regresado a Munich, pintó Hammamet en la mezquita (1914). La obra, creada para
ser
un
área
de
trabajo
cuadrada,
es
probablemente el mejor ejemplo de la influencia de la obra de Delaunay en Klee. Como se puede ver, descuida la profundidad en favor de las áreas de color, que permiten aparecer a la luz y al blanco. Ese año también reflejó su visita a Italia en la acuarela Cúpulas rojas y blancas (1914-1915) (p. 15). En 1916, Klee fue reclutado en infantería, y después se unió a una unidad de las fuerzas aéreas.
Lugar nórdico 1923 Acuarela sobre papel cortado y reconstruido sobre cartón 23,5 x 36,5 cm Donación de Helga y Rolf Marti Fundación Othmar Huber, Kunstmuseum Bern, Berna 102
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Creó pocas obras durante la guerra. Sus trabajos incluyen composiciones de coloridos cuadrados, reminiscencias de los mosaicos italianos que había visto hacía casi quince años. Dijo que ese año su arte «probablemente carece de una humanidad apasionada.» En 1918 produce varias obras que muestran cambios en el estilo y experimentan con los medios, incluyendo Mito floral (o Mito de las flores) (p. 31), Astronautas automatizados y Antaño salido del gris de la noche (p. 29).
Antes de la iluminación 1923 Acuarela y lapicero sobre papel, bordes superior e inferior ribeteados con guache y tinta, bajo la acuarela y la tinta montado en cartón 28 x 31,5 cm Beyeler Foundation, Riehen/Basilea 104
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Antaño salido del gris es la única que muestra cómo el artista presenta un texto dentro de una cuadrícula de color que ilumina el escrito. El poema, en alemán, se escribe encima de la propia obra: Antaño salido del gris de la noche, Entonces fuerte y precioso, Hecho con la fuerza del fuego, Tardes llenas de Dios y encorvadas Ahora, etéreo, se muestra en azul Pasando por encima de los glaciares Hacia las sabias constelaciones.
Unido a las estrellas 1923 Acuarela y lapicero sobre papel sobre cartón ribeteado con acuarela y tinta 32,4/32,8 x 48,3/48,7 cm Préstamo a largo plazo de una colección privada Zentrum Paul Klee, Berna 106
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Esta obra la elaboró unos meses antes de su primera etapa de sus años en la Bauhaus, en los que tenía un inteso interés en desarrollar el expresionismo gráfico. Esa energía se intensificó cuando el fundador del movimiento holandés De Stijl, Theo Van Doesburg (1883-1931), se unió a la Bauhaus. Y especialmente cuando el constructivista László Moholy-Nagy (1895-1946) fue contratado para dar clases en los talleres de tipografía.
Teatro de marionetas 1923 Acuarela sobre papel sobre cartón 52 x 37,6 cm Zentrum Paul Klee, Berna
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En la Bauhaus, Klee diseñó construcciones geométricas en contraste con la caligrafía individualista que había diseñado poco antes. La letra R en Villa R (p. 37), producida el año en el que empezó la Bauhaus (1919), podría anticipar el interés del grupo en la tipografía. Su intenso interés en la arquitectura podría verse en la estructura geométrica de la villa. También muestra el camino ascendente del artista a través de la experiencia, como si anticipara que su participación en el grupo no sería para siempre.
Pareja extravagantemente vestida 1923 Óleo y guache sobre papel sobre cartón 51 x 27,8 cm Galería Jan Krugier, Ginebra
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La conciencia del tiempo se puede observar en los símbolos de la luna y el sol, que a menudo están presentes en los trabajos más personales de Klee. Astronautas
automatizados
se
creó
cuatro
décadas antes de que el primer astronauta, Yuri A. Gagarin, fuera al espacio en 1961. La obra considera la posibilidad de robots en el espacio. Pero el espacio aquí parece referirse al mundo del arte, batallando con cómo representar las dimensiones o la perspectiva. Esto podría ilustrar la rebelión de Klee contra interferir con la expresión del espacio del artista,
Yo-Tú-Tierra-Mundo, ilustración para el ensayo Wege des Naturstudiums (Formas de estudiar la naturaleza) 1923 Tinta sobre papel sobre cartón 33 x 21 cm Zentrum Paul Klee, Berna 112
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convirtiéndolo en un mero ilustrador de reglas y limitaciones geométricas. Se tira al artista de su pedestal de libertad de expresión mediante la introducción de las reglas en su interior (es notable el megáfono puesto directamente en la oreja del artista). Los arcos y columnas del Clasicismo se ven otra vez en Mito floral (p. 31), pero este trabajo parece demostrar lo que el artista puede hacer con el tiempo y el espacio cuando no se le impone ninguna convención.
17 perdido (17 Astray) 1923 Acuarela y tinta india sobre papel sobre cartón 22,3 x 28,6 cm Donación de Richard Doetsch-Benziger, (1960) Kupferstichkabinett, Kunstmuseum, Basilea 114
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Después de la I Guerra Mundial (1914-1918), a principios de la década de 1920, el artista Johannes Itten (1888-1967) invitó a Klee y Kandinsky como «maestros de la forma» a enseñar teoría en la Bauhaus. Por entonces, no sólo las obras de Klee eran conocidas por gente influyente en el mundo del arte, sino que también sus declaraciones teóricas más importantes eran públicas ya que en 1920 escribió su Credo del creador, publicado en Tribüne der Kunst und Zeit.
El ventrílocuo 1923 Acuarela y tinta impresa sobre papel en cartón Bristol 38,7 x 27,9 cm Colección Berggruen Klee 1984 The Metropolitan Museum of Art, Nueva York 116
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En la Bauhaus, Klee daba clases de pintura y tejidos. Fue entonces cuando conformó una síntesis visual de la amplia gama de influencias que había aprovechado, destilándolas en un lenguaje pictórico conciso y preciso que sería su característica. También desarrolló entonces sus propias técnicas y su filosofía del arte. Tomó notas de sus pensamientos que fueron recopilados póstumamente y publicados en el corto libro Cuaderno de bocetos pedagógicos
Imagen del Mar del Norte 1923 Acuarela sobre papel sobre cartón 24,7 x 31,5 cm Zentrum Paul Klee, Berna
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(Pädagogisches Skizzenbuch, 1925). Existen notas de lectura del artista, con diagramas y comentarios adicionales. En ellas intentó presentar, analizar y proponer aplicaciones para los artistas de, lo que considera, son los elementos visuales primarios. No es sorprendente que sus teorías de arte se solaparan en gran medida con las de su amigo Kandinsky. Sus ideas compartidas continuaron incluso después de sus días juntos en la Bauhaus durante la década de 1920.
El equilibrista 1923 Acuarela, lapicero y dibujo de óleo transferido sobre papel sobre cartón de la carpeta «Kunst der Gegenwart» 1/6 dibujos originales 44 x 26,8 cm Zentrum Paul Klee, Berna 120
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Mientras Klee estuvo en la Bauhaus, los estudiantes y los empleados organizaron varias producciones de teatro. El artista Oskar Schlemmer estaba al cargo del taller de teatro, hacía los bocetos y dieñaba el vestuario. No se sabe cómo de involucrado estaba Klee, si lo estaba. Sin embargo, tenía alguna experiencia en diseñar vestuario y escenarios que databa de cuando su hijo Felix, a la edad de nueve años, le presentó un guión de una obra de marionetas.
Extraño jardín 1923 Acuarela sobre lienzo imprimado con yeso sobre cartón Bristol 40 x 28,9 cm Colección Berggruen Klee The Metropolitan Museum of Art, Nueva York 122
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Más adelante, Felix se involucraría profesionalmente en el teatro como director y diseñador. También editaría los dos volúmenes de diarios de su padre, Paul Klee: Briefe an die Familie, 1893-1940. Treinta de las muchas marionetas y disfraces que el artista diseñó han sobrevivido, incluyendo Madame Muerte (1916). Klee creó títeres que fueron usados en las obras, cada año, desde 1922 a 1925. Se ve en El teatro marionetas (p. 109). Los muñecos creados por Klee incluyen Autorretrato, Fantasma eléctrico y Esquimal de pelo blanco.
La formación de las montañas 1924 Acuarela, lapicero y óleo transferido sobre papel sobre cartón 41,9 x 38,1 cm Regalo de Annemarie Grohmann, Graphische Sammlung Staatsgalerie Sttugart, Sttugart 124
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Espíritu de la caja de cerillas se construyó con cajas de cerillas, dándole un toque cómico. En ese momento el uso de «objetos encontrados» (como en el Dadá) fue transformándose con el Surrealismo. La fase de las marionetas en la producción de Klee se corresponde con el periodo de vida activa del Dadaísmo. El muñeco de 1922 no era su primer autorretrato. Lo son también el grabado Cabeza amenazadora (1905) y el cuadro Absorción (1919), así como Borrado de la lista (1933), otro autorretrato poco ortodoxo.
Caracol 1924 Acuarela sobre papel imprimado montado sobre cartón bordes superior e inferior en acuarela, pluma y tinta 19,5 x 28,5 cm Préstamo a largo plazo de una colección privada Museo Cantonale d’Arte, Lugano 126
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Quizá otras obras como Durchhalten! (¡No te rindas!) (1940), dibujo de su último año de vida, son también autorretratos. Entre las obras más populares de las que Klee produjo en 1920 están los paisajes Jardín en Terraza, Camello en un rítmico paisaje arbolado (p. 53), y Plano arquitectónico de un jardín. Cuando se compara con el trabajo de poco después, El niño en el paisaje (1923), es posible ver que el artista continuó experimentando con el género.
Retrato de la Sra. P en el sur 1924 Acuarela y dibujo de óleo transferido sobre papel ribeteado con guache gris sobre aglomerado 37,6 x 27,4 cm Solomon R. Guggenheim Foundation Peggy Guggenheim Collection, Venecia 128
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En 1925 Klee participa en la primera exposición surrealista en París. Ese año tuvo su primera exposición individual, alojada en la Galería VavinRaspail. También ese año produjo un estudio de tonos rojos en La máscara con la banderita (p. 141) que es mucho menos expresiva que el anterior Senecio (1922) (p. 91). Otras obras de ese año incluyen Imagen del pescado (p. 143) y Pez dorado (p. 145). En el primero reflejó el grácil movimiento de varias clases diferentes de peces tropicales y plantas acuáticas,
Naturaleza muerta con objetos 1924 Óleo sobre muselina montado en cartón 35,2/36,3 x 43,8/44,2 cm Zentrum Paul Klee, Berna
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mientras que en el segundo admiró los colores y la tranquilidad de unos pocos peces y muchas plantas extravagantes. También fue por entonces cuando las imágenes de Joan Miró, que también sugerían flora y fauna, se animaron con agudeza y fantasía. Estas innumerables formas como de ameba y de variado colorido, parecen invitar al espectador a jugar y festejar con ellas. Klee comparte una luminosidad parecida, e incluso algunos de los casi idénticos elementos simples, como en El jarrón (1936).
Cerca de Taormina 1924 Acuarela y tinta india sobre papel montado en cartón 15,1 x 23,5 cm Zentrum Paul Klee, Berna
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Pero los mismos elementos, en manos de cada artista adquieren la personalidad de cada uno de ellos. Después de sus años en la Bauhaus, la búsqueda de Klee de un estilo único se aceleró. Sobre este periodo de transición, los historiadores del arte han mencionado que en vez de buscar una realidad trascendental, Klee quería encontrar e iluminar una realidad más profunda, surgida de su imaginación. Sin embargo, para Klee, esta visión personal era la realidad trascentental.
Carnaval en la montaña 1924 Acuarela sobre papel montado en cartón 26,5 x 33,1 cm Zentrum Paul Klee, Berna
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Era dentro de estos fenómenos imaginarios donde finalmente la realidad se convertía para él en un enigma. Dijo: «La relación del arte con la creación es simbólica. El arte es un ejemplo, como lo terrenal es un ejemplo de lo cósmico.» En otro lugar, apuntó, «El arte juega un juego desconocido con las ideas y conceptos, y a pesar de todo se las arregla para expresarlas.» Los pequeños motivos temáticos, como los símbolos de los peces o las figuras geométricas, caracterizan la mayoría de su obra. Sobre todo presenta una
El jardín de los pájaros 1924 Acuarela sobre pintura al temple marrón sobre papel de periódico, bordes inferior y superior ribeteados con guache y lapicero sobre cartón 27 x 39 cm Bayerische Gemäldesammlungen Pinakothek der Moderne, Munich 136
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combinación de diseños abstractos y contenido aparentemente naif, a menudo con composiciones de colores exóticos, y a veces con un extraño humor semejando el infantil. Es normal que los espectadores que se inician en su obra tengan una reacción de emociones contradictorias. La obra de Klee sería consecuentemente modernista, como la mayoría de las obras de Macke y Kandinsky. Este último compartía los principios del Expresionismo, mientras que Macke era también fovista e impresionista,
Jardín en las rocas 1925 Acuarela sobre papel 17,3 x 17 cm Colección privada
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bien diferenciado del Simbolismo y Surrealismo de Kandinsky. Estos tres artistas compartían elementos de todos los movimientos, pero cada uno también desarrolló su estilo característico. Como grupo expresionista, así como individualmente, hicieron una gran contribución a la evolución del arte moderno, particularmente al arte abstracto. En su Diccionario de Arte, Eleanor S. Greenhill anota, «Klee consideraba el acto creativo como el dar a luz, el renacimiento en imágenes que,
La máscara con la banderita 1925 Acuarela sobre papel sobre cartulina 32,6 x 46,5 cm Pinakothek der Moderne, Munich
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largamente enterradas y transformadas, buscan liberarse, en analogía con la creación del universo.» Y explica, «Su método consistía en comenzar una pintura sin ninguna idea preconcebida del tema, dejando a su pluma grabar como si fuera un sismógrafo.» Cita una entrada de un diario de 1918 en la que Klee plantea: «Mi mano es enteramente el instrumento de una esfera lejana.» El acercamiento a la escritura automática se haría popular entre los expresionistas abstractos en la década de 1940. Históricamente se relaciona con
Imagen del pescado 1925 Óleo, acuarela y tinta sobre cartón imprimado con yeso 64 x 43 cm Museum Sammlung Rosengart, Lucerna 142
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la acción pictórica de Pollock, si bien es cierto que sus obras muchas veces son mucho más grandes que las de Klee y significativamente más abstractas. Un testigo visual del método de trabajo de Klee fue Herbert Bayer, que trabajaba en un estudio debajo del de Klee en la Bauhaus en Dessau. Él decía haber visto a Klee trabajar enérgica y simultáneamente en varias obras. El artista estaría tan ocupado con su trabajo que aparentemente no se dio cuenta de la visita de Bayer.
Pez dorado 1925 Óleo y acuarela sobre papel sobre cartón 49 x 69,2 cm Kunsthalle, Hamburgo
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El amor que el artista sentía por los animales se ve en varias de sus obras. Una obra de 1925, Ella ruge, nosotros jugamos (p. 165) captura el lúdico y animado mundo de los perros salvajes. Un uso parecido de este tipo de transparencia cubista se puede ver en Islas de aves (1921) (p. 59). Klee estaba obviamente fascinado por la «vida interior» de sus temas. Se ve cómo representa el pensamiento de un gato acerca de un pájaro en El gato y el pájaro (p. 167) o cómo muestra el amor del corazón de la Señora P (p. 129).
Barrio de Villa Florentina 1926 Óleo sobre lienzo 49,5 x 36,5 cm Centre Pompidou Musée nationale d’Art moderne, París 146
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También en las voces de animales pintadas dentro de El vetrílocuo (p. 117). En El gato y el pájaro, uno de los trabajos más identificables de Klee, la nariz en forma de corazón y la sobresaliente lengua roja alineada con el imperturbable pensamiento del gato, como si se imaginara al pájaro. Como Picasso, Klee ciertamente era una persona de gatos. Sus mascotas felinas pueden reconocerse en muchos de sus trabajos. Rascal era el gato atigrado del artista cuando su hijo Felix tenía nueve años.
Construcción-Impresión 1927 Óleo sobre cartón clavado sobre varillas de madera marco original 58 x 44 cm Zentrum Paul Klee, Berna 148
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Bimbo fue un gran gato blanco que tuvo en sus últimos años y que se puede ver en las fotos desde 1935. Klee estudió apasionadamente la literatura griega clásica, leyendo en la lengua original así como traducciones alemanas. Mencionaba que más de una vez había leído el Edipo Rey de Sófocles y la trilogía Orestíada de Esquilo. Leyó tres ediciones apenas seis meses antes de su muerte. Decía que leía todas las palabras «en la creencia de encontrar lo auténtico entre las líneas,»
Fruta cortada en dos 1927 Óleo y pintura al temple sobre cartón imprimado con óleo negro, marco original 23,2 x 29,1 cm Colección privada 150
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(en su biblioteca personal había cuatro ediciones de la Orestíada). Son clásicos que enseñan, como muchas religiones, que aprender mediante el sufrimiento es el camino hacia la sabiduría. Los motivos trágicos encontrados en los clásicos griegos están también presentes a lo largo de la obra de Klee. Klee conocía, por ejemplo, el mito de Apolo y Diana y su arma, la flecha. La flecha significaba la luz del poder supremo en el arte de Klee, como en el arte helénico. También es un indicio de los rayos solares.
Armonía en la flora nórdica 1927 Óleo sobre cartón imprimado con tiza clavado en contrachapado, marco original 41 x 66/66,5 cm Donación de LK, Zentrum Paul Klee, Berna 152
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Klee incluso la usaba como símbolo fálico relacionado con símbolos de la feminidad, como el corazón. Están presentes a lo largo de toda la obra de Klee, como en Ángel sirviendo un ligero desayuno (1922) (p. 49), Mural del templo de la Nostalgia (1922) (p. 79), Pareja extravagantemente vestida (1923) (p. 111), El teatro de marionetas (1923) (p. 109), Retrato de la Sra. P en el sur (1924) (p. 129), El gato y el pájaro (1928) (p. 167) y La dama demonio (1935).
Barcos saliendo de un puerto 127 Óleo sobre lienzo 50 x 60 cm Préstamo a largo plazo de una colección privada Zentrum Paul Klee, Berna 154
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En algunas de las obras que muestran las flechas, el símblo añade acción, entusiasmo, o alguna emoción positiva mientras que en otros parece ser principalmente un elemento decorativo. En Mural del templo, las flechas parecen carecer de urgencia, más bien podrían indicar direcciones que no tienen un punto final. Las flechas son especialmente importantes durante los años que Klee pasa en la Bauhaus, como en Mural del templo de la Nostalgia, Separación en la tarde, y Escena de la calamidad (todas de 1922).
Retrato de un acróbata 1927 Óleo y collage sobre cartón sobre madera 63,2 x 40 cm The Museum of Modern Art, Nueva York
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En sus escritos recogidos en el Cuaderno de bocetos pedagógicos, anota que las flechas pueden expresar las ideas que fueron concebidas como preguntas. Dijo, «El padre de la flecha es el pensamiento.» A partir de entonces las flechas aparecen a menudo como excepciones inesperadas en el flujo del resto de la obra de Klee, como las flechas singulares de La máscara del miedo (1932) (p. 209), Jardines sureños (1936), o La ciudad devastada (1936). Dos flechas son fundamentales en Eros (1923).
Veleros 1927 Acuarela sobre papel sobre cartón 22,8 x 30,2 cm Zentrum Paul Klee, Berna
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Las flechas en las obras de Klee no se ven a menudo con la cola de plumas, como las armas usadas por los nativos americanos. En Análisis de varias perversidades (1922) (p. 87), se da la imagen más completa, como para distinguirlas de las otras flechas de la obra que simplemente indican dirección y no tienen el significado completo de otros trabajos del mismo año. La flecha completa es también la imagen superior en Diana (1931), pero está asociada a un icono ojo-luna-sol.
Variación, diseño progresivo 1927 Óleo y acuarela sobre lienzo 40,6 x 39,4 cm Colección Berggruen Klee The Metropolitan Museum of Art, Nueva York 160
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De vez en cuando las imágenes que parecen flechas adoptan formas de árboles en los paisajes, como en las obras de 1921 Paisaje cerca de E. (Bavaria), Plano de jardín, y Zona afectada (p. 75). Klee a menudo incorpora números y letras a sus obras, como en Antaño salido del gris de la noche (1917-1918) (p. 29), o la letra R en Villa R (1919) (p. 37). El lenguaje personal y existencial de los símbolos y signos de Klee es complejo, viene del inconsciente, quizá incluso de un inconsciente colectivo y universal,
Estudio 1928 Collage y tiza sobre papel sobre cartón bordes superior e inferior ribeteados con guache y tiza 40,2 x 41 cm Donación de LK, Zentrum Paul Klee, Berna 162
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y por tanto podría formar una amalgama poética de la realidad y la fantasía en su obra. En ese sentido, el uso de las letras y números podría ser etiquetado de surrealista, aunque el Surrealismo, como movimiento, no empezó hasta 1924. Para Klee, los signos no sólo señalaban un significado, como una flecha que indica una dirección específica. Él quería que cada signo se viera por su propia forma. Sus escritos como teórico indican que, para él, el arte era en última instancia un lenguaje de signos; como los gestos del lenguaje corporal que transmiten una idea.
Ella ruge, nosotros jugamos 1928 Óleo sobre lienzo, marco original 43,5 x 56,5 cm Zentrum Paul Klee, Berna
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Pero, así como el lenguaje corporal, algunos signos son universales, como asentir con la cabeza, pero pocos o ninguno tienen sólo ese significado universal. Las obras creadas por Klee mientras estaba en la Bauhaus en Weimar incluyen las de 1924: Retrato de la Sra. P en el sur (p. 129); Bodegón de propiedades; y Cerca de Taormina (p. 133). Cada uno de estos trabajos, especialmente durante las grandes transiciones del artista, parecen provenir de diferentes mentalidades. Retrato tiene la poca seriedad característica de Klee,
El gato y el pájaro 1928 Óleo sobre lienzo sobre madera 38,1 x 53,2 cm Colección de Sidney y Harriet Janis, donado por Suzy Prudden y Joan H. Meijer en memoria de F. H. Hirschland The Museum of Modern Art, Nueva York 166
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mientras que Propiedades prueba las posibilidades de los tonos cromáticos, donde el primer plano podría recordarnos al modernismo metálico y el cubismo sintético de Frank Leger (1881-1955), antes de que adoptase su estilo decorativo. El fondo de Klee en Propiedades refleja el modernismo de los bodegones de Picasso de esa misma década. En 1926 Klee se mudó con su familia a Dessau para dar clases en la Bauhaus. El grupo apelaba, en efecto, al espíritu del movimiento inglés de Artes y Oficios que tuvo lugar durante el siglo XIX.
Ciudad italiana 1928 Tinta y acuarela sobre papel sobre cartón, bordes superior e inferior ribeteados con guache lápices de colores y lapicero 33 x 23,4 cm Préstamo a largo plazo de una colección privada Zentrum Paul Klee, Berna 168
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Como movimiento influyente, la Bauhaus también buscó explotar los materiales artificiales modernos (acero, cemento, cromo, cristal) y las técnicas industriales, especialmente las relacionadas con usos diarios. La Bauhaus incluía una escuela, pero no era un instituto, ni siquiera un sitio de educación oficial. Era más bien un grupo de artistas alemanes activos entre las dos grandes guerras y que estaban interesados en conectar el arte con la artesanía con el fin
La medida de los campos 1929 Acuarela y lapicero sobre papel sobre cartón 30,4 x 45,8 cm Kunstsammlung Nordrhein-Westfalen Düsseldorf 170
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de desarrollar un arte integrado que ayudara a combinar las vidas individuales y colectivas. Al principio se estableció su centro en Weinmar y en 1925 se mudaron a Dessau. Influyó en los artistas, pero más visible y permanentemente en los arquitectos, escultores y artesanos. En Weinmar, la escuela fue la más avanzada de arte en Alemania. El más famoso del grupo es Walter Gropious (1883-1969), un americano de origen alemán que lo fundó y dirigió. Él y el movimiento tuvieron muchos seguidores, incluyendo a Max Beckman (1884-1950).
La colina del castillo 1929 Acuarela sobre lienzo imprimado, marco original 52 x 43,5 cm Donación de Curt and Erna Burgauer Kunsthaus Zürich, Zurich 172
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Sin embargo, Beckman no está en la más extraordinaria foto formal de la facultad de la Bauhaus que muestra a algunos grandes artistas de la historia del arte: Josef Albers, Hinnerk Scheper, George Muche, László, MoholyNagy, Herbert Bayer, Joost Schmidt, Walter Gropius (apropiadamente en el centro del grupo), Marcel Breuer, Wassily Kandinsky, Paul Klee, Lyonel Feininger, Gunta Stolzl (la única mujer de la foto), y Oskar Schlemmer. Todos están serios, de pie, y visten trajes oscuros; la mayoría de los hombres llevan sombrero y pajarita.
Antes de la nieve 1929 Acuarela y tinta sobre papel sobre cartón borde superior e inferior ribeteado con acuarela y tinta 33,5 x 39 cm Préstamo a largo plazo de una colección privada Zentrum Paul Klee, Berna 174
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Es un grupo muy distinguido y sombrío, que no refleja el colorido y a menudo alegre arte que era propio de la mayoría de sus obras. En 1927 Klee recurrió a su último tema marino con Veleros (p. 159), y Barcos saliendo de un puerto (p. 155). Ninguno de ellos tiene una línea de horizonte que permita distinguir el cielo del mar. La luna o el sol se echan de menos en Veleros. En cambio, la flecha en Barcos saliendo de un puerto probablemente no se espera. Menos enigmáticas son las imágenes de barcos en El vapor y los veleros, hacia la tarde (1931).
Disputa 1929 Óleo sobre lienzo, marco original, 67 x 67 cm Zentrum Paul Klee, Berna
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Retrato de un acróbata (1927) (p. 157) captura a un atleta concentrado en el equilibrio y estilo, tanto es así que el atleta se convierte en ese equilibrio. Dos años más tarde, los estudiantes de Kandinsky en la Bauhaus (incluido Eugen Batz en 1929) producirían obras similares que reducirían las formas a sus partes más esenciales y tratarían durante el proceso de capturar la gestalt (unidad indivisible) del sujeto. En invierno de 1928-1929 Klee viajó a Egipto, durante y después de lo cual creó varias obras compartiendo su experiencia con los espectadores,
Fuego en la noche 1929 Óleo sobre cartón 33,8 x 33,3 cm The Museum of Modern Art, Nueva York
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aunque el uso de símbolos que se asemejan a los jeroglíficos egipcios es anterior a esta visita. Más aún, estos signos no parecen significativamente diferentes después del viaje. El interés de Klee por el arte etnográfico aparentemente se relaciona más con el arte espontáneo de los niños que con el simbolismo egipcio. Sin embargo, el viaje pareció acercar al artista a un tipo de orden más lógico, incluso obviamente geométrico. Durante su última década, Klee hará un inventario anual manuscrito de todas las obras creadas ese año.
Monumento en un país fértil 1929 Acuarela y lapicero sobre papel y cartón 45,7 x 30,8 cm Zentrum Paul Klee, Berna
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En 1930, los trabajos de Klee incluyen Ad Marginem, ¿Cuál es su problema?, Blanco polifónico (p. 195) y Tabla de colores (en gris mayor) (p. 193). Estas obras podrían recordar a los espectadores a Albers y su serie Homenaje a un cuadrado de dos décadas atrás, excepto porque Klee no se obsesiona con las sutiles combinaciones de color. A principos de la década de 1930 Klee experimenta con «divisiones cromáticas» del color, usando muchos puntos de color. A diferencia de la teoría basada en
Flecha en el jardín 1929 Óleo y témpera sobre lienzo de lino 70 x 50,2 cm Donación de Louise y Michel Leiris (1984) Centre Pompidou Musée nationale d’Art moderne, París 182
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el puntillismo o el divisionismo de pequeños puntos de color de Seurat, Klee suele utilizar grandes puntos en ordenadas filas de colores. Pero a este tiempo entre 1931-1932, su periodo en Düsseldorf, a veces se le llama su «fase puntillista». La familia Klee viajó a Sicilia durante septiembre y octubre de 1931 y regresaron a Berlín para la exposición «Paul Klee: Nuevas pinturas y acuarelas» que tiene lugar en noviembre de ese año en la Galería Alfred Flechtheim.
Hoja iluminada 1929 Acuarela y tinta sobre papel sobre cartón 30,9 x 23 cm Zentrum Paul Klee, Berna
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Klee vio una exposición retrospectiva de Picasso en Zurich en 1932, pero éste no fue su primer contacto con el maestro. Había pintado su Homenaje a Picasso (1914) dieciocho años antes. El Partido Nacional Socialista asumió el gobierno alemán en la primavera de 1933. Su periódico, Die Rote Erde, se refirió sarcásticamente al «gran Klee. Famoso profesor en la Bauhaus en Dessau. Pinta de una manera cada vez más loca, finge y desconcierta, sus estudiantes le miran ojipláticos y con la boca abierta,
Ciudad utilizada como un velo 1930 Acuarela sobre papel 49 x 37 cm Donación de Emilio Albisetti Kunstmuseum, Berna 186
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un arte inédito hace su aparición en el país del Rin.» El Stadtisches Kunstsammlungen de Chemnitz le incluyó en su exposición titulada «Arte que no viene del alma». Él continuó dando clases en Düsseldorf hasta 1933, cuando los Nazis le destituyeron, apelando a que su arte era «degenerado». Le confiscaron de su casa tres cestas llenas de archivadores. El ascenso al poder de Hitler en 1933 condujo a algunos miembros de la Bauhaus a Inglaterra o Estados Unidos.
Ponderación atrevida 1930 Acuarela y tinta sobre papel sobre cartón 31 x 24,5/23,5 cm Zentrum Paul Klee, Berna
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Unos días después de que sus carpetas fueran confiscadas, Klee abandonó Alemania y se fue al exilio, regresando a Berna, donde trató de restituir su nacionalidad suiza. Sin embargo, cuando le solicitaron su Curriculum Vitae, él accedió a regañadientes, refiriéndose a él en su borrador privado como «Maldito, estúpido, Curriculum Vitae». En Berna, Klee y su familia vivían con su padre y una hermana soltera en la casa de sus padres. Quizá Klee tenía en mente el deseo de comenzar una nueva vida en Berna cuando, en 1934, pintó El Creador (p. 215).
Marionetas (Multicolor sobre un fondo negro) 1930 Óleo sobre cartón, marco original 32 x 30,5 cm Donación de Curt y Erna Burgauer Kunsthaus Zürich, Zurich 190
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En él, el tema-título está en el aire, como en la noción de Miguel Ángel de Dios Padre en el medio del techo de la Capilla Sixtina. Pero no hay muchas más similitudes entre el Creador de Klee y el de Miguel Ángel. La obra maestra del siglo XVI se centra en el regalo de la vida a una entidad exterior, el primer humano, por un Dios de magnífica majestad. Por el contrario, la imagen de Klee parece más interesada en la creación de la vida animal por una alegre fuerza íntimamente unida al acto de creación.
Tabla de colores (en gris mayor) 1930 Pastel sobre papel sobre cartón 37,7 x 30,4 cm Zentrum Paul Klee, Berna
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Sin embargo, las manos y pies de apariencia humana que emanan de dentro del campo de energía podrían ser los del primer humano, más que (o quizá así como) los de la fuerza creadora. De cualquier manera, El Creador podría estar metafísicamente relacionado con otra popular obra de Klee del mismo año, Blühendes. Este último título podría significar «florecimiento» o «floración», lo que da a los pequeños y luminosos rectángulos de colores de la obra una dinámica sugerida por la lenta apertura de los pétalos de las flores de los otros rectángulos más grandes y oscuros.
Blanco polifónico 1930 Acuarela y tinta india sobre papel sobre cartón 33,3 x 24,5 cm Zentrum Paul Klee, Berna
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En ambas obras, El Creador y Blühendes, el tema podría ser la luz y la vida. También en 1934, expone por primera vez en Inglaterra, en la Mayor Gallery de Londres. Comienza su reconocimiento en el plano internacional. Sin embargo en 1935 contrae bronquitis, que se complica en neumonía bilateral. Ese otoño también le diagnosticaron rubeola y le confinaron a estar en cama todo el invierno. Su salud empeoró rápidamente después de esto. En 1938 sería diagnosticado de neurosis vasomotora.
La misma línea curva conduce a formas variables 1931 Tinta y acuarela sobre papel sobre cartón 61,1 x 48,8 cm Zentrum Paul Klee, Berna
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diagnosticaron
póstumamente
una
esclerodermia progresiva. Pero, aparentemente, nunca mencionó sus diagnósticos en su correspondencia. En 1935 tuvo una exposición retrospectiva en Berna y Basilea y produjo al menos 148 obras nuevas, incluyendo Paisaje de dos frutas II e Indiscrección. Podría no ser obvio el lazo entre su trabajo ese año y su enfermedad, pero dos de sus obras fueron Hombre marcado y La dama demonio. Sin embargo, la aristocrática dama, con sus labios en forma de corazón y sus larguiluchas piernas, aparece enigmática,
Jardín del castillo 1931 Óleo sobre lienzo 67,2 x 54,9 cm Colección Sidney and Harriet Janis The Museum of Modern Art, Nueva York 198
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no como el terrible mensajero de la muerte. De la misma manera, La máscara del miedo del año anterior no es aterradora, pero quizá la obra, como la máscara, esconden una ansiedad que no vemos. En La dama demonio hay una insinuación de un corazón a la derecha, superponiéndose con el tradicional símbolo del corazón a la izquierda, quizá reflejando la lucha entre lo real y lo fantástico. El sombrero de la dama parece un pájaro, como también sus delgadas piernas se asemejan a las de uno.
Em-acht 1932 Óleo sobre lienzo con algodón en las esquinas 50 x 64 cm Donación de LK, Zentrum Paul Klee, Berna
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Durante los últimos años de su vida, las dimensiones de las obras de Klee se agrandaron aún más. (Como Revuelta del viaducto (1937) y Puerto Rico (1938)) Además, la energía infantil y la alegría de sus trabajos previos se redujo, mientras que sus títulos empezaban a reflejar introspección e incluso algo de sarcasmo y pesimismo. Gruesas líneas negras empezaron a dominar su obra. El uso de los colores alegres de sus primeras pinturas se redujo mucho. La melancolía se incrementó y su trabajo se convirtió en expresiones personales y laboriosas de su desilusión.
Pflanzen - Analytisches (Verduras - Analítica) 1932 Acuarela sobre lienzo, imprimado con yeso, sobre cartón 53 x 19 cm Regalo de Richard Deutsch, 1960, Basilea Öffentliche Kunstsammlung, Kunstmuseum, Basilea 202
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Este es el humor que se captura en la conocida Muerte y fuego (1940), una obra que ejemplifica el estado de ánimo de sus últimos años de vida. Comparándola, por ejemplo, con el lúdico Pez mágico (1925), veríamos el dramático cambio de la manera de ver el mundo del artista a lo largo de los años. El uso del negro para representar la energía contrasta directamente con la noción clásica del claroscuro o la manera de pintar que produce la ilusión de luz y sombra en una forma tridimensional.
Fortificación 1932 Acuarela sobre papel sobre cartón 23,9 x 27,2 cm Zentrum Paul Klee, Berna
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En 1936 Klee sólo produjo veinticinco obras, incluyendo Jardines sureños. En el centro geométrico de la obra hay un punto negro y medio círculo de luz, como si luz y oscuridad se desafiaran en el corazón de su epifanía personal en Túnez ese mismo año. Estas formas geométricas centrales a veces se nombran como un pequeño sol negro y una gran media luna. Las imágenes del sol y la luna en el resto de su obra son coloridas, con formas y posiciones relacionadas entre ellas. La noticia de la mala salud de Klee se extendió por todo el mundo del arte. En noviembre de 1937 Braque
Tumba tallada en la roca 1932 Pluma y tiza sobre papel imprimado con tiza, sobre cartón 31,5/32 x 47,7 cm Préstamo a largo plazo de una colección privada Zentrum Paul Klee, Berna 206
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(de cincuenta y cinco años) viajó a Berna a visitarle (por entonces Klee tenía cincuenta y ocho años). Le visitó dos veces más en 1939, cada vez durante varias horas. Max Ernst (1891-1976) también le visitó en el verano de 1935. Kandinsky lo hizo por última vez en 1937. Picasso, que odiaba viajar, también le visitó en 1937. No es sorprendente que los obstinados artistas aparentemente tuvieran algunos desencuentros durante la visita. Ese mismo año Picasso hace un llamamiento a su amistad en su obra maestra, Guernica.
La máscara del miedo 1932 Óleo sobre lienzo 100,4 x 57,1 cm The Museum of Modern Arts, Nueva York
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La flecha, ese símbolo tan querido por Klee, se ve en el fondo, escondido entre las patas del caballo. Se piensa que es un homenaje a Klee. Después de la visita de Picasso, Klee pintó Escepticismo con respecto al toro (1938), aparentemente una referencia a su desacuerdo con Picasso, que mostraba un fuerte toro español al lado de una pequeña cara torturada, seguramente representándose a sí mismo. En 1937 la Putzel Gallery, en Los Ángeles, presentó treinta y nueve obras de Klee bajo el título «Obras recientes de Paul Klee». El fundador de la galería,
Fertilidad bien ordenada (anverso de Hoja pintada) 1933 Acuarela sobre papel sobre cartón 19,7 x 26 cm Colección privada 210
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Howard Putzel, era consejero de adquisiciones de Peggy Guggenheim y se convirtió en seguidor de Jackson
Pollock,
de
quien
también
organizó
exposiciones. Los expresionistas abstractos conocían muy bien la obra de Klee. También en 1937 produjo al menos 264 obras, incluyendo algunos de sus trabajos más conocidos. Creó más obras de tema marino de lo que era normal en él, incluyendo El Rin en Duisburg, Revuelta del viaducto, Jardín del placer por el mar, Barcos en la inundación, Poste, Veleros (p. 159) y La leyenda del Nilo (p. 229).
Máscara rota 1934 Carboncillo y acuarela (salpicaduras) sobre papel sobre cartón 16,7 x 20/20,3 cm Donación de LK, Zentrum Paul Klee, Berna 212
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En Una canoa cruzando el país a pie parece reírse de su propio conocimiento del mundo. Klee produce 489 obras en 1938, entre las que se incluyen Fruta azul cerúleo (p. 237), El violinista heróico o Heróicos golpes de arco (p. 231), Parque cerca de Lu (p. 233) y Señor H. Mel. Continuó con los motivos marítimos con Puerto Rico y El amor del marinero. Existen trabajos aislados de temas náuticos en las más tempranas piezas de Klee como Sirenas de barcos (1917) (p. 21) y Vista del mar desde en Norte, Baltrum (1923).
El Creador 1934 Óleo sobre lienzo, marco original 42 x 53,5 cm Zentrum Paul Klee, Berna
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Esta marina podría anticipar el trabajo de artistas abstractos como Richard Diebenkorn (1922-1993) en sus series de Parque Océano de los años 70. Cuando estalló la II Guerra Mundial a final del otoño de 1939, Klee se volvió más pesimista y desilusionado, como también hizo Miró. No habría más obras lúdicas y coloridas para ninguno de estos artistas amantes de la paz. Al comienzo de la guerra, Klee permaneció durante dos meses en Faoung, en el lago Murten.
Señales en el campo 1935 Acuarela sobre papel sobre cartón 48,7 x 34,2 cm Préstamo a largo plazo de una colección privada Zentrum Paul Klee, Berna 216
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Aquí creó, al menos, 150 de los 1.253 trabajos producidos durante un arrebato de creatividad sin precedentes y fue su año más productivo con diferencia, incluso aunque su salud continuaba empeorando. Él apuntó que su «productividad se aceleraba en variedad y en un tempo muy acelerado.» Refiriéndose a sus obras como su prole, añadió, «No puedo continuar totalmente con estos niños míos. Ellos huyen de mí.» Y en otra parte añadió, «Nunca he dibujado tanto y nunca tan intensamente.»
La dama demonio 1935 Óleo y acuarela sobre arpillera imprimada sobre cartón marco original 150 x 100 cm Zentrum Paul Klee, Berna 218
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Paradójicamente, su enfermedad y la conciencia de que la muerte se acercaba le dio energía para realmente
transformar
su
arte.
Su
admirable
transformación final no es como lo que Matisse o Picasso alcanzarían en sus últimas fases creativas. Monet también continuó trabajando intensamente hasta el final de sus días, incluso con una energía increíble, pero también estaba desarrollando ya un nuevo estilo, como Matisse hizo en sus últimos meses de vida.
Plantar según las reglas 1935 Acuarela, parcialmente pulverizada sobre papel sobre cartón 25,8 x 36,9 cm Colección de Hermann y Margrit Rupf Fundación Rupf, Kunstmuseum, Berna 220
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En varias obras de los últimos meses trata el tema de los ángeles. Ya en 1920 produjo el enigmático lienzo Ángel sirviendo un ligero desayuno (p. 49) en el que la figura central efectivamente tiene alas, pero es un ángel transparente que expone un cariñoso corazón humano y altos tacones. El afortunado destinatario del amor del ángel es el mismo Klee, esto se indica con el nombre escrito debajo de la bandeja que lleva el ángel. En 1939 su periodo de ángeles parece mucho más auténticamente espiritual. Pintó Ángel, Todavía mujer,
Nueva armonía 1936 Óleo sobre lienzo 93,6 x 66,3 cm The Solomon R. Guggeneheim Museum Nueva York 222
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La roca del ángel, Como un ángel, Ángeles combativos, Mis(S) Angel y Ángel pobre. Ese año también se observa un interés similar en Espíritu del fuego y Hosanna. Aquí se pueden ver otros dos trabajos de ese increíble año. La preciosa maceta y Pomona, pasada (p. 235). El título de Pomona puede ser traducido como «Pomona, a punto de estar demasiado madura». Con esto en mente podríamos imaginar ver una mujer embarazada en el cuadro. Una interpretación subjetiva similar se podría hacer de La preciosa maceta,
El puerto y los veleros 1937 Óleo sobre lienzo 80 x 60,5 cm Regalo de M. y Mme. André Lefèvre, Centre Pompidou Musée nationale d’Art moderne, París 224
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donde se ve un simple tiesto azul que contrasta con la moderna tecnología que tiene a su alrededor. Quizá rechaza todos los procedimientos establecidos y se refiere a ello en Plantar según las reglas (1935) (p. 221). Aquí el espectador también puede ver energía, lo organizado (las líneas) y lo orgánico (el color), fluyendo a través del sol, la luna y el mundo vegetal - todo esto envuelto por un horizonte cósmico que lo abraza. En en sexagésimo cumpleaños de Klee, a finales de 1939, muchos periódicos suizos le felicitaron y elogiaron como a un respetado precursor del arte moderno.
Noche azul 1937 Guache sobre arpillera 50,5 x 76,4 cm Öffentliche Kunstsammlung Basel Kunstmuseum, Basilea 226
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Incluso se refirieron a él como a un artista suizo, a pesar de su nacionalidad alemana. Al día siguiente el departamento de policía de la Confederación Suiza le concedió permiso para la nacionalización. Sin embargo, la ciudad de Berna suspendió la consideración de su solicitud pocos días después de su muerte. Pero el Zentrum Paul Klee, abierto en Berna hace unos años, hospeda 4.000 de sus trabajos más importantes así como abundante material biográfico.
La leyenda del Nilo 1937 Pastel sobre algodón sobre arpillera 69 x 61 cm Colección de Hermann y Magrit Rupf Fundación Rupf, Kunstmuseum, Berna 228
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Klee sentía una gran afinidad con la muerte. Escribió: Estoy armado, no estoy aquí, Estoy en el fondo, estoy muy lejos... Brillo entre los muertos Su actitud mística probablemente se explica por su fascinación por las civilizaciones del pasado, que alimentaron el tema memento mori de su obra. En sus últimos años, casi se obsesionó con su investigación de ideogramas, jeroglíficos, signos y las marcas en las paredes de las cuevas prehistóricas.
Heróicos golpes de arco 1938 Pintura en pasta sobre papel de periódico sobre óleo 73 x 53 cm Regalo de Nelson A. Rockefeller The Museum of Modern Art, Nueva York 230
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Como un ideograma es el área que se asemeja a una calavera en Muerte y fuego (1943), pintado en sus últimas semanas de vida. El área blanca central, con forma de una inclinada letra D, incluye dos círculos que sugieren las cuencas de los ojos. De una de las cuencas sale una línea vertical que corre entre los círculos y que podría ser la cavidad nasal. Otras dos líneas se colocan para sugerir el área de la boca, completando el ideograma global de la calavera. Algunos críticos han propuesto que los círculos y líneas de la zona blanca miradas desde un lado y retrocediendo,
Parque cerca de Lu 1938 Óleo y pintura en pasta sobre papel sobre arpillera marco original 100 x 70 cm Zentrum Paul Klee, Berna 232
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deletrean la palabra alemana para muerte: tod. Sin embargo, observando el contexto de otros trabajos de los últimos años de Klee, este tipo de ojo circular puede por el contrario sugerir un ojo vivo, como en Expresión de una cara I (1939). Una rara combinación de ojos y cuencas podría parecer dar algo de vida a la diosa de la luna en La luna de los bárbaros (1939). Los extraños colores de la obra y la impresión de primitivismo le confieren un carácter espiritual, como los poderes mágicos atribuídos a los totems.
Pomona, pasada 1938 Óleo sobre papel sobre arpillera, marco original 68 x 52 cm Zentrum Paul Klee, Berna
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Este tipo de trabajo ha llevado a los críticos a referirse a Klee como un «mago de las imágenes». Desde enero de 1940 hasta mayo del mismo año, produce al menos 366 obras, incluyendo las series «Eidola» de dibujos aparentemente simples. Estos incluyen inteligentes e intuitivas observaciones de una actriz, un general, un filósofo, un pianista, un cosechador, bailarines folclóricos y, en un estilo parecido, una mujer con un traje tradicional. Obras más desarrolladas observan a un cerrajero, un maniquí y un hombre tocando timbales, así como Los poderes de los tambores.
Fruta azul cerúleo 1938 Pintura con almidón sobre papel sobre cartón 35,4 x 26,6 cm Zentrum Paul Klee, Berna
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Pero, junto con estos sujetos definibles, también elabora ¿De dónde? ¿Dónde? ¿A dónde? y Arriba y abajo. Klee muere el 29 de junio de 1940 por una parada cardiaca. Fue incinerado y enterrado en el cementerio Schlosshalden de Berna. En varios periódicos suizos aparecieron obituarios. Uno concluía: «Su muerte roba al arte moderno a quien ha sido, junto con Picasso, uno de sus mayores representantes... La actividad del artista en medio de nosotros durante años era un símbolo, una garantía de la existencia del gran Arte, incluso en nuestros tiempos.» (Basel National-Zeitung)
Ojo rojo 1939 Acuarela sobre papel imprimado sobre cartón Zentrum Paul Klee, Berna
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Ese mismo año, el Zurich Kunsthaus acogió una gran exposición de 213 obras de Klee. Fue la primera de las muchas exposiciones de sus obras que mostraron una vida enérgica y prolífica llena de inventiva e innovadora creatividad. Como las obras de Cézanne y Monet, las de Klee habían sido ampliamente aceptadas mientras estaba vivo, después de ser consideradas controvertidas durante cierto tiempo. Klee fue presentado en Estados Unidos por la Société Anonyme, creada por Katherine Dreier, una rica artista y coleccionista, aconsejada por Duchamp (1887-1968)
La bella jardinera 1939 Óleo y témpera sobre arpillera, marco original 95 x 70 cm Zentrum Paul Klee, Berna
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y Man Ray (1890-1976). Esta sociedad expuso arte abstracto y de vanguardia durante la década de 1930. Hoy en día hay obras de Klee en más de veinte museos y galerías estadounidenses. Muchos de los trabajos de su última década se incluyeron en la exposición «Realización de las últimas obras» (agosto-noviembre, 2003) en la Fundación Beyeler, Riehen, Basilea. Hubo otra exposición «Paul Klee: Muerte y fuego» (del 23 de noviembre de 2003 al 15 de febrero de 2004) en el Sprengel Museum de Hannover. El libro editado en 2003 que acompañó a estas exposiciones, Paul Klee.
Ninfa en el huerto 1939 Acuarela, guache y lapicero litográfico negro sobre arpillera imprimada con yeso, sobre cartón 34 x 52,5 cm Zentrum Paul Klee, Berna 242
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Tod und Feüer: Die Erfullung Im Spätwerk (2003), tiene una detallada información bibliográfica. Su cronología autorizada es la que se sigue en este libro. Klee demostró, mediante una vida edificante y artísticamente productiva, que el artista en el mundo moderno puede descubrir por sí mismo, y después comunicar a otros, su visión del mundo y así traer la Belleza y la Verdad, a sí mismo y a los demás. Él escribió: “Solemos representar las cosas visibles de la tierra... ahora vamos a revelar la realidad de las cosas visibles y,
Payaso suizo 1940 Acuarela, pastel al óleo y sanguina sobre papel sobre cartón 29,7 x 20,3 cm Colección privada
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de este modo, expresar que la realidad visible es únicamente un fenómeno aislado que de manera latente se ve superado en número por otras realidades. Las cosas se cargan de un significado más amplio, a menudo en aparente contradicción con la experiencia racional pasada... Al final, un universo formal se creará a partir de elementos puramente abstractos, de forma totalmente independiente a sus configuraciones como proyectos, seres o cosas abstractas como letras y números.»
Sin título (Naturaleza muerta) 1940 Óleo sobre lienzo 100 x 80,5 cm Colección privada, Suiza
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Índice
¿Dónde? 17 perdido (17 Astray)
43 115
A Análisis de varias perversidades
87
Ángel sirviendo un ligero desayuno
49
Antaño salido del gris de la noche
29
Ante las puertas de Kairouan
13
Antes de la iluminación
105
Antes de la nieve
175
Armonía en la flora nórdica
153
Arquitectura pictórica en rojo, amarillo y azul
99
B Bajo una estrella negra Barcos saliendo de un puerto 248
33 155
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Barrio de Villa Florentina
147
La bella jardinera
241
Blanco polifónico
195
C Camello en un rítmico paisaje arbolado
53
Caracol
127
Carnaval en la montaña
135
Castillo al atardecer
27
Cerca de Taormina
133
Ciudad italiana
169
Ciudad utilizada como un velo
187
La colina del castillo
173
Construcción-Impresión
149
Coro y paisaje El Creador
57 215 249
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Cuadro conmemorativo de una excursión
65
Cúpulas rojas y blancas
15
D La dama demonio El dios del bosque del norte
219 93
Disputa
177
Dittlsam
23
La domadora Irma Rossa
35
E Em-acht En la cantera Equilibrio inestable El equilibrista Estación de tren L112, 14 km Estudio Exotische Flusslandschaft (Paisaje de un río exótico) Extraño jardín
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201 9 71 121 47 163 69 123
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F Fertilidad bien ordenada
211
Flecha en el jardín
183
Flora fantástica
63
La formación de las montañas
125
Fortificación
205
Fruta azul cerúleo
237
Fruta cortada en dos
151
Fuego en la noche
179
G El gato y el pájaro Genios (personajes de un ballet)
167 77
H Heróicos golpes de arco Historia hoffmanesca Hoja iluminada Homenaje a Picasso
231 61 185 11
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I Idea y estructura de la Bauhaus
81
Imagen del Mar del Norte
119
Imagen del pescado
143
La isla sumergida
95
Islas de aves
59
J El jardín de los pájaros
137
Jardín del castillo
199
Jardín en las rocas
139
Juego asirio
97
L Ella ruge, nosotros jugamos
165
La leyenda del Nilo
229
Luftschloss (Castillo en el aire) Lugar nórdico
89 103
M La máquina de gorjear La máscara con la banderita 252
83 141
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La máscara del miedo
209
La medida de los campos
171
La misma línea curva conduce a formas variables
197
Mito floral (o Mito de las flores) Monumento en un país fértil Mural del templo de la Nostalgia
31 181 79
N Naturaleza muerta con objetos
131
Ninfa en el huerto
243
Noche azul
227
Nueva armonía
223
O, P Ojo rojo Paisaje de un parque
239 41
Pareja extravagantemente vestida
111
Parque cerca de Lu
233
Parterre multicolor
101
Payaso suizo
245 253
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Pequeño cuadro de abetos
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73
Pez dorado
145
Pflanzen - Analytisches (Verduras - Analítica)
203
Plano arquitectónico de un jardín
51
Plantar según las reglas
221
Pomona, pasada
235
Ponderación atrevida
189
Proyecto de un jardín
85
El puerto y los veleros
225
R Retrato de la Sra. P en el sur
129
Retrato de un acróbata
157
Ritmo de los árboles en otoño
39
S Señales en el campo
217
Senecio
90
Separación, por la noche
67
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Sin título
17
Sirenas de barcos
21
T Tabla de colores (en gris mayor)
193
Teatro de marionetas
109
Transparente y perspectiva
55
Tres flores
45
Tumba tallada en la roca
207
U, V Unido a las estrellas
107
Variación, diseño progresivo
161
Veleros
159
El ventrílocuo
117
Versunkene Landschaft (Paisaje envolvente)
25
Villa R
37
Vista de un puerto por la noche
19
Y, Z Yo-Tú-Tierra-Mundo Zona afectada
113 75
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