Style First [160 Seiten, ca. 200 Farbabbildungen ed.] 9783034609852

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Imagine this is a Magazine Style First / Mieke Gerritzen / mudac (Lausanne) / Birkhäuser (Basel • Boston • Berlin)

It’s time to liberate the visual from all claims and expectations. It’s time to give up the battle for intellectual property. Copy-paste, insert and recycle, re-invent images.

` Innovation platform

STYLE FIRST CONTENTS 009 011 021 022 023 029 030 033 035 041 043 045 048 053 059 060 070 072 073 079 080 006

ENGLISH

Style First The Future of Style — A Dialogue

Mieke Gerritzen and



Chantal Prod’Hom

The vicious circle of fundamentalisms Henk Oosterling De Stijl, also known as neoplasticism



The ABC of Style production

Geert Lovink

Why wear Issey Miyake? Uta Brandes Style as sphere Henk Oosterling The Contagion of Style Ned Rossiter Stylelessness Hendrik-Jan Grievink The ultimate Stylishness Test



Michael Erlhoff

Style’s Cruelty

Peter Lunenfeld

Mobile Phone as Gesamtkunstwerk Lev Manovich Visual Power Koert van Mensvoort Style for All

Style First

deutsch



Stil – wie weiter damit? — Ein Dialog

Mieke Gerritzen und



Chantal Prod´Hom

Der Teufelskreis der Fundamentalismen Henk Oosterling de stijl Das ABC der StilProduktion

Geert Lovink

Warum Issey Miyake tragen? Uta Brandes Stil als Sphäre Henk Oosterling

Stil steckt an Ned Rossiter StilLosigkeit Hendrik-Jan Grievink Der ultimative Test: Sind Sie stylish?

Michael Erlhoff

Stil als grausames Phänomen

Peter Lunenfeld

Das Mobiltelefon als Gesamtkunstwerk Lev Manovich Visuelle Macht: Die Bilderblase Koert van Mensvoort Stil für alle



Style First



FRANÇAIS

L’avenir du style — Un Dialogue

Mieke Gerritzen et



Chantal Prod’Hom

Le cercle vicieux des fondamentalismes Henk Oosterling Le mouvement artistique De Stijl L’ABC de la production de style

Geert Lovink

Pourquoi porter du Issey Miyake? Uta Brandes Le style: une sphère Henk Oosterling Le style, une contagion…

Ned Rossiter

Sans le style Hendrik-Jan Grievink Le style et vous

Michael Erlhoff

La cruauté du style

Peter Lunenfeld

082 085 091 092 094 098 106 111 112 122 124 125 131 132 135 139 143 144

comment les téléphones portables sont devenus des oeuvres d‘art Lev Manovich La force du visuel

Koert van Mensvoort

Fake for real / ALL MEDIA credits / notes / biographies

146 148 156 158 007

e l y t S t s r i F

engels änglischi engleski anglais inglesa inglés ingiltere

ENGLISH

STYLE IS

You’ll never walk alone...

A PRODUCT!

with Issey Miyake.

style travels

innovation = design

goodbye ideas

$tyle’s

LG Chocolate

pictures!

THE WEST

IT’S SO YOU!

Style as Sphere

stylishness

AND THE REST

If you score :

Cruelty

hello style!

real

becomes a Gesamtkunstwerk

009

Here we find perhaps the most exciting moment of style generation.

Style is not an aftereffect

010

geert lovink

The Future of Style

1. Style

A Dialogue :

First

®

Mieke Gerrit zen and Chantal Prod’Hom

Chantal Prod’Hom

Let’s start with the title, Style First. It sounds quite controversial to me, since style can be seen as coming last, now that everything has been given, produced, already decided and created. You probably see it differently, but the superficial meaning of the word ‘style’ (maybe more in French than in English or Dutch) can be limited to a kind of extra layer on a final product, a sort of ‘final touch’, a decoration, a nice-looking veneer, an added value of looks, perfection and hype. In this sense, a style will probably follow the ups and downs of fashion and risk being ‘out of style’ soon, just by virtue of time passing. What is your feeling about this?

a style will probably follow the ups and downs of fashion

Mieke Gerritzen

Style may look like a ‘final touch’ at the end of a creative process, but actually I think that in our post-digital age, ‘style’ will be conceptually set at the beginning of the process. Style these days is about the production of a social atmosphere. That atmosphere can be aesthetic, commercial, cultural, or identical, or it can be an emotion or an experience, or it can generate a desire. ‘Style’ is an advance strategy; aesthetic value is given afterwards.

011

Here we find perhaps the most exciting moment of style generation.

we create too much of a universal style

Chantal Prod’Hom

There are perhaps two possible ‘moments’ or options for defining or identifying a ‘style’. Before you even start working, there can be a real decision to build a style per se – a strategy to develop a set of formal, ethical principles to create a ‘global’ dimension for the production of objects which will be strong enough to ‘design’ our lifestyle in a specific way. The second option comes afterwards, when everything is already given and we are used to living with these objects around us. It’s the way we look at them, perceive them and use them that can be seen as a style: an added value which is aesthetic, subjective and closely connected to the viewer’s and user’s perception.

STYLE IS A PRODUCT! Mieke Gerritzen

The term ‘style’ as we know it is used mostly in the fashion industry or with reference to an artist after a lifetime of work. Since western industry moved to Asia, our economic situation has become dependent on creativity. Creativity is all we have left.1 Therefore the meaning of style is changing from a concept into a product. The creative industry’s main product is style. When style becomes a product, the production of style becomes standardized. The mechanisms and systems for producing style are what we call software. Software can offer us a platform for creating customized decisions and choices, and these will be the basis of the many styles in our environment in the future. Style production is a matter of setting parameters and rules. The quality of style is dependent on the software designers who create these rules and parameters. So far, not many great designers have worked on software development to create platforms for people. This means that a lot of style-creating software is produced by monopolist companies. Style is therefore being put together by technicians instead of designers, and the result is that we are creating too much of a universal style.

012

I see the systems and strategies behind style

Mieke Gerritzen

Current differences in style are limited to a database of standard possibilities that generate shape and value. Democracy in shaping things and producing creativity is in an early stage. Designers need to be more involved in software development so they can direct the aesthetic and conceptual quality. In almost every cultural discipline, we see changes occurring. We have so-called user-generated content; this means people are actively involved in content production via online blogs2, vlogs3 and more. This is how people work together and shape their ideas and visions. “Everyone is a designer.”4 People like to design things themselves. And they all want to do it online. IKEA already has a successful tool for creating your own kitchen online. Choose, Render, Print and Buy! Their selling concept is based on the platform idea. Their slogan is “Design Your Own Life.” But of course the possibilities of the platform are limited by the goods they sell. The future of the design industry lies not in designing products but in designing tools people can use to create their own designs. These tools will be the style books of the 21st century. What if the architect Rem Koolhaas and the fashion designers Viktor & Rolf started developing tools? We need more anarchy and creative vision in software development in order to create differences in style. The standardization of creativity is not the end of creativity.

When style becomes a product, the production of style becomes standardized

Democracy in shaping things and producing creativity is in an early stage

The standardization of creativity is not the end of creativity (notes on page 159) 013

Here we find perhaps the most exciting moment of style generation.

chantal prod’hom

You pushed the limits of what style can be when you asked Chinese painters to actually paint replicas of some of your [graphic] works. I’m fascinated by this play between different approaches, techniques, traditions, realities of production, and therefore styles. The result of this challenging project between Amsterdam and China is a new product – different, but in a way also totally standardized by the set of tools used by the Chinese painters. Can you tell us more about this project?

China is going to change our cultural and historical awareness 014

China treats our cultural and economic values differently

Mieke Gerritzen

At the moment, China is reproducing everything created in the West, without worrying about copyright. In a way, I like that. I like the way they treat our cultural and economic values differently. Chinese painting factories are big business. They mostly paint replicas of works by famous Dutch heroes like van Gogh and Rembrandt. Chinese people make a living doing this. And now they are also painting Dutch design, which has a long tradition as well. ‘Dutch Design’ is for tourists. New Dutch design in the 21st century is about multiculturalism. There are more foreign designers studying, living and working in our country than there are Dutch ones. My work maybe refers to traditional Dutch design, but it’s all about globalization. China is going to change our cultural and historical awareness.

2.Style For Individuals Chantal Prod’Hom

How did you realize you were interested in the subject of style? And – since I think you have a style of your own – how was it shaped, and how would you describe it?

Mieke Gerritzen

The network of organizations, friends and companies I’ve worked with in the past are part of what created my visual style. My style has been shaped over time by influences from the environment and the cultural climate I was in. I didn’t realise my work was recognisable until other people said so. And when I realised my work had become recognizable, I became interested in the phenomenon of recognition. Other people describe my style as a bold, colorful typographic one, although I’ve never used many different typefaces and I’m not a typographer. Actually, I’m not very interested in typography, except in its broader sense, as a universally understood language. Digitisation opened up typography to new generations of visual language. Typography’s range of applications has become more eclectic – it appears on web pages, mobile phones and urban screens, and in film and video games. People’s recognition of signs is growing every day. The new use of typography is an interesting way to illustrate the fact that icons such as portraits of George Bush and Madonna are legible signs, just as words made up of letters and familiar logos are. The language of identity now determines our visual culture. We can read images, and look at language. “The ubiquity of type has led typographers to coin the phrase ‘Type is everywhere’” (Wikipedia).

We can read images and look at language

Chantal Prod’Hom

I agree. The power – a word you always trigger and play with! – of images interferes with the power of words. Images have this dimension of universal understanding: everybody knows what we’re talking about, even if the ‘meaning’ of a portrait of Bush or Madonna can be either respectful and admiring or critical and subversive. Your style is what answers that question – what you’ve done before, what context you work in, who you’re connected with, which words or other images you link to these images. How did your work evolve once you became aware of this?

The power

of images interferes with the

power of words Mieke Gerritzen

The most interesting part of my career started after my work became recognizable. The style created an atmosphere of commerce (supermarket aesthetics) and left-wing politics (activism) – two opposing spheres. I developed a fascination with economic growth. I’m extremely interested in standards, in bureaucratic systems and universal aesthetics, and in how

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Here we find perhaps the most exciting moment of style generation.

Lifestyle may be more important than we think… Mieke Gerritzen

the world is trying to merge into one style. These interests drove me to be the designer I am right now: an organiser, visualiser, initiator, manager, editor, networker, creator and more. I create my own assignments, and my books are autonomous projects. My work and my private life are totally blended. Maybe I’m the ultimate example of someone with a ‘lifestyle’. Lifestyle may be more important than we think… it has to do with politics, religion, economics and culture.

Chantal Prod’Hom

Your remarks underscore the questionable goals of globalization. One style as utopia: what a terrorist attitude! Personal ‘lifestyle’ is probably one efficient way to subvert the power game of this identity battle. I strongly believe that it’s a question of survival. Do you agree?

One style as utopia: what a terrorist attitude! 016

Lifestyle is a reflection of society, a result of political decisions and creative and commercial solutions. Mieke Gerritzen

You’re right, but I don’t think ‘survival’ is the right word. I don’t see it as a battle – more as an opportunity for new creative thinking. Our society is unstoppably capitalist, and I’m wondering what kinds of new reflections go along with that. What interests me is when things get out of control and culture and society are almost destroyed. This forces us to come up with new ideas and solutions and also leads to new opportunities for design. For example, an industrial system that “takes, makes and wastes”5 can become a creator of goods and services and generate ecological, social and economic value. And the ever-widening gap between the poor and the rich is exploding in megacities in South America, and forcing architects to come up with new solutions for social housing and facilities for poor neighbourhoods (the Caracas Case project6 ). Lifestyle is a reflection of society, a result of political decisions and creative and commercial solutions. You have mass lifestyle and you have personal lifestyle, and personal lifestyle is about individual reflection. (Everyone is a philosopher.)

Chantal Prod’Hom

Shall we try to talk about our personal ‘styles’? I guess that for me, it’s the way I work. The way I look at things and people, the way I react, interact, collaborate, show, communicate, discuss, write and talk. These are all verbs defining different actions, and then... the perception of all these actions depends on the other people and the way they receive and perceive them. I think you need this dialectic. In fact, right now in our dialogue, maybe we’re building up a style together by exchanging our thoughts and comments about style!

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Here we find perhaps the most exciting moment of style generation.

m u e s u m e h T r e g n o l o n is an illusion , y t i l a e r f o but reality itself has become a museum tracy metz 018

3. Style and Institutions Chantal Prod’Hom

Thinking about your first solo show in a museum, I just found a great quote in one of your books: “The museum is no longer an illusion of reality, but reality itself has become a museum.”7 Can you comment on that? Mieke Gerritzen

To me, the museum as an institution is a strange place. Sometimes it’s not clear to me what the actual purpose of the museum is. Now that we have the Internet and creative expression is taking place in the virtual world, things are getting unclear. The museum is a physical space, and it expects physical forms of expression. The museum is an institution defined in the past. I think they should redefine their existence. How do they collect recent work? How are they building up-to-date collections? What is their relationship to the new creative generation of artists, designers, bloggers and producers? Styles, trends, values, objects and designs are part of a very rapidly changing society. Do you think, for example, that your museum has its own style? Chantal Prod’Hom

Well, I’m happy to respond to your strong comments about museums, and yes, I have to admit, your statements raise some basic questions about the role of this kind of institution. When I took the director’s position at the opening of mudac in 2000, we changed (along with our change in location) the name of the museum from Musée des arts décoratifs de la Ville de Lausanne to Musée de design et d’arts appliqués contemporains – mudac. The name was much too long, and the acronym mudac gradually became the name; nobody even knows what it stands for any more. I really like this open identity, since I’ve always thought that a museum is defined by what you can see and discover in its rooms, by its exhibition programme. It gives us a great deal of freedom, and in almost seven years and more than 50 exhibitions, we have created a kind of style of our own: open, unpredictable, dedicated to contemporary expression whatever the field, and concerned with social issues and meaning, not just form. This style is also unique, since we present contemporary works but are housed in an 18th-century building, in front of a Gothic cathedral, the most famous and visited building in the city. So, I consider this specific ‘mudac style’ to be a work in progress: it builds itself up show by show, event by event. I’ve heard visitors say they like the museum because they discover unusual works, artists, designers, strange points of view, statements, even if they don’t know exactly what they will see when they enter. Therefore, the existence of this specific museum depends totally on what we (subjectively!) think is worth showing, as we look at and respond to what we see around us, in society and, of course, in the creative world. On the other hand, I do believe that the physical relationship a visitor can have standing in front of a real work is still meaningful and that museums still have a major role to play in society, as an active complement to the virtual world, as a style per se.

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Here we find perhaps the most exciting moment of style generation.

style on globalization Media MythManMarket h t y M a i d e M t e k r a ManM n a M h t y M a i d e M t Marke t e k r a M n a M h t y M Media

The Different Faces of Fundamentalism by Henk Oosterling

The vicious circle of fundamentalisms At least four fundamentalisms nowadays encircle the globe:

religious fundamentalism enlightenment fundamentalism market fundamentalism techno fundamentalism The fundamentalist’s mindset thrives on dichotomies that polarize the globe:

THE WEST

AND THE REST

The first attack on sense and sensibility 021

Here we find perhaps the most exciting moment of style generation.

De Stijl, also known as neoplasticism, was a Dutch art movement founded in 1917. Proponents of De Stijl sought to express a new utopian ideal of spiritual harmony and order. They advocated pure abstraction and universality through reduction to the essentials of form and color — they simplified visual compositions to the vertical and horizontal directions and used only primary colors, black and white. (Wikipedia)

De Stijl

is still considered

one of the most important Dutch contributions to art.

Ironically,

while its proponents aimed

to create an international style, De Stijl is often seen as characteristically Dutch. 022

we know that we must constantly overcome the association of style with exclusivity

The ABC of Style Production Do we have to dig that deep?

By Geert Lovink

IT’S SO YOU! Style is primarily a matter of instinct. (Bill Blass)

Le style une voix qui insiste

(Marie Darrieussecq)

Are You Deregulated?

Here we find perhaps the most exciting moment of style generation.

style is not controlled by global elites

geert lovink institute for network cultures 024

Style is what you produce. It is not an aftereffect or a layer the creator adds in the final stages of making a work. Style is a method, not a discipline, and presents itself as a contender with art and design.

Style is not a discipline How can we ever find an individual signature in this copy culture?

Once a romantic notion, style has liberated itself from good taste and transformed into an economic factor.

Nonetheless, we know that we must constantly overcome the association of style with exclusivity. We have to reconcile ourselves to the bare fact that style is idiot-proof. Unlike art and design, style is not controlled by global elites; it’s out there in the urban marketplace, on the streets, in bars and clubs, in magazines and on the Internet. We’re no longer in the luxuri-

The fashionistas

are getting nervous Do we have to dig that deep? Or should we surf the surfaces instead, presuming that we will, sooner or later, stumble on our style? Should we lie back and trust to fate? Skilling up our techniques will not be sufficient.

ous position of being able to contemplate the question “Qu’est-ce que le style?” Instead, we are all on a desperate search for distinction. How can we ever find an individual signature in this copy culture? We must have one! Is it possible to capture style in a process of constant change? Why can’t we simply look up the rules for artistic production and apply them?

In the era after the vanished author, we register an increased pressure on cultural producers to create Unique Selling Points.

style has become an identity in the crudest, most repressive way In the attention economy, style is no longer a manière d’être, a way of being we must externalize. Self-expression is not enough. We must do proper research. Style has become an identity in the crudest, most repressive way: it makes us identifiable to authorities and their machines. In this sense, it

has distanced itself from what was once considered the Self. Le style n’est pas l’homme même. Neither true nor false, style presents itself as the result of choice. It is pure self-mediation: select the category, then the recycled product.

Le style n’est pas l’homme même.

style presents itself as the result of choice 025

Here we find perhaps the most exciting moment of style generation.

(Keep in mind)



that

a style is not a style

geert lovink institute for network cultures 026

Needless to say, style lacks robust, ambient, conceptual up to the level of invisible and back substance, even if some still to the status of an information-rich image. After the implosion of strive for the union of form and style in society, what remains is an abstract, general category. content. Style is fundamentally out of balance and feeds off frictional energy. Beauty and glamour have to send out shock signals, or else there will only be boredom. Keep in mind that style is not a style. Forms can be

Beauty and glamour have to send out shock signals

Style is an organizing principle The most we can say is that style is an organizing principle. Style is a universal method, but one that often lies dormant. In retrospect, style has missed out on a thousand chances to cross-fertilize. Its potential can therefore never be

Style is a universal method

overrated. The fear of a liaison dangereuse between politics and aesthetics has proven to be a historical singularity. In today’s society of spectacle, politics of every color has access to every form of expression.

Style supersedes culture

Style FIRST

Style comes from the no-brows Style supersedes culture. As a gesture of superiority, it even overrides the banal rivalry between high and low. Style comes from the nobrows. It is neither retro-bourgeois nor subcultural. Awkwardness and elegance are no longer in contradiction. After the democratization of grandeur, the elite has little left to distinguish itself (not even money).

we are told not to attach ourselves 027

Here we find perhaps the most exciting moment of style generation.

organized networks

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ned rossiter

Style is all about relation

Why wear Issey Miyake? It’s definitely got a style, and can be considered stylish

BUT: Issey Miyake is light. Issey Miyake is pleats, please. Issey Miyake is a piece of cloth and an epoch. You can play handball or football in Issey Miyake. You can slam masses of Issey Miyake in a suitcase or a few pieces in a tiny handbag. You never have to iron Issey Miyake. You mustn’t iron Issey Miyake. You can put Issey Miyake in the washing machine. Issey Miyake is never out of fashion. Issey Miyake is never in fashion. Issey Miyake doesn’t age. Issey Miyake combines the latest high-tech with softness. Issey Miyake represents modern Japaneseness. WRITTEN BY UTA BRANDES

You’ll never walk alone...with Issey Miyake.

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Here we find perhaps the most exciting moment of style generation.

Style by Henk Oosterling as Sphere style unfolds as a sphere, a globe − a ball of being Piercing bark, bones and bodies to territorialize; chiselling stone pillars to keep track of the stock; knitting woollen threads into fabric; inking up papyrus and skins to initiate; etching on wax to register taxes; cutting and carving stones; engraving; drawing; painting; drumming; dancing; singing; acting; writing – in short, in inscribing the earth, man minds his matter. As the tip of the Roman stilus once signified a world on tabulae, marking out directions by drawing repetitive lines on a waxed surface, style today is still a cutting-edge gesture. In martial arts, man’s most powerful tool – the stilus – can become a weapon as well. When style is manipulated like a dagger, thrown like a spear, shot like an arrow, it becomes a projectile, speeding up in one direction. Style then becomes a self-destructive trajectory, solely detecting targets, trying to make a hit. 030

But whether it is a tool or a weapon, it is an instrumental gesture: a medium to be used for a purpose. Is it possible to understand style as a gesture that neither discloses a pre-existing world in revealing hidden meanings nor strives to reach a target? What is a style if its only secret is the profound superficiality of its expressive performance? Is it then a pointless endeavour, devoid of all critical value? Style becomes critical once it makes sense. Repetition of a unique gesture suddenly makes a difference. It generates consistency by pointing in different directions. By repeating a gesture over and over again, style suggests a territory and a belonging. This territory, however, is not a stretch of land neatly demarcated by borders. A territory is a bundle of vectors that cover the distance between the punctuated centre and the multidirectional periphery. Style

shows that belonging is, first and always, relational. By suggesting critical distance, style becomes the centre of a territory. The point of style is taken when its punctuated performance – its tact – is shared and reinforced by its participants. Through their performative contact, in their contactility, style no longer signifies: it has become a world in itself. Though style’s gesture is essentially punctual, through repetition it reveals different trajectories in all directions. In order to be meaningful, these vectoral trajectories must reflect upon themselves.

So they reflect on themselves and on each other, knitting networks that gradually form an intricate relational texture consisting of threads, nodes and voids. Once style as a grand all-embracing gesture reflects upon itself as informed texture, it becomes a discourse. Extending and intensifying the reflective quality of a gesture in all directions – up, down, left, right, in, out, above and below – style’s punctuality eventually becomes fully centred. In this three-dimensional expansion, style unfolds as a sphere, a globe, a ball of being.

style becomes the centre of a territory When style is manipulated like a dagger, thrown like a spear, shot like an arrow, it becomes a projectile, speeding up in one direction.

By repeating a gesture over and over again, style suggests a territory and a belonging.

Style becomes critical once it makes sense 031

Here we find perhaps the most exciting moment of style generation.

032

ned rossiter

Can there be an economy of style? organized networks

The contagion of style r By Ned Rossite

Did you catch it? That wonderful virus of style? Don’t look for any handbook or how-to-guide. There is none. Invent your own! No point in hiding away – you’ll find nothing there except your mirror image. Narcissism needs an audience. There’s a trick to all this. Remember: the best place to catch a cold is on the airplane. It’s all about relation. And so is style. Can there be an economy of style? Sure, if you’re some wacko who believes the latest creative economy directives dished out by the policy wonks and cultural commissars desperate for investment pensions. But let’s think of counter-economies, modes of infection and distribution that enable collective transmissions of style. We’re talking about modalities of life here. And who, really, wants to find themselves gridlocked on termination street? Style, then, is one of many kernels of ‘difference which makes a difference’ (Bateson). Remember childhood? The time of high style, to be sure. I don’t know about you, but for me style was always something kids a bit older than me possessed. By association, style travels. This is regeneration. I’m next to you, hanging out, and filter your style (aesthesis as sensation) through relation. And turn it into something else.

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Here we find perhaps the most exciting moment of style generation.

Copying is the technique of invention. Mimicry is not about fidelity, it’s a process of individuation. Just as a virus adapts to its host, so style is reproduced in singular ways. No proprietary control here. As much as culture is up for sale these days, the best check-out chicks will still say: ‘here, have it for free’. They know that culture only excludes if you’re the idiot who asks ‘how much?’ So is there such a thing as non-style? Well, read a policy document on the Creative Industries. This is a version of copying without creation. And that means: no contagion. It doesn’t matter that fashions are recycled. It’s the register that counts. Not the cash register, but the palpability of sensation. And what about uncertain style? This is style in its embryonic phase. Yet can it even be called style? The primary element of relationality is operative with uncertain style: it has to be sensed, after all. But the expression of the relation is still to become concrete in a way that makes one style distinct from another. Here we find perhaps the most exciting moment of style generation. This is the time of experiencing experimentation. Communication without ends coupled with action predicated on outcomes. An antagonism subsists within the meeting between experience and experiment. I consider this tension as ‘the political’ of style. Here is the basis of a political theory of style that is still to be written.

034

Stylelessness

®

WE ARE COPIES OF COPIES

by Hendrik-Jan Grievink

BE AN ORIGINAL

Modernism

Things were not always this way.

for the

Masses

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Here we find perhaps the most exciting moment of style generation.

The Fast Show was a comedy series shown on the BBC in the second half of the 1990s. The tailors from hell were regular characters in this underrated series. These two gasping salesmen invariably drove their clients out the door with insufferable fashionista-speak that gradually deteriorated into offensive sexual innuendo, uttered in exceedingly eloquent English, to the viewer’s enjoyment. In one episode, they once again thoroughly offend a woman, who proceeds to fetch the manager. “This man insulted me!” the woman shouts. “Was it done with any style, Madam?” he replies.

BE AN

ORIGINAL Style and lack of style. The two can be very close together, and the sketch expresses this beautifully. You either have style or you don’t, the thinking usually goes. Style can be learnt or acquired only to a limited extent. A style copied from others is generally not seen as truly stylish. We wouldn’t appreciate it if our close friends meticulously duplicated our interiors or copied our wardrobes. Imagine coming round to someone’s house for dinner and being led through the brandnew interior with a beaming smile and told, “See, it’s exactly like your place!” Yet this is actually what goes on every day. It is truly an illusion to think we are unique in the things we buy or the clothes we wear. There is plenty of copying going on. Of course, no one reproduces his or her best friend’s wardrobe garment for garment, but we do copy social codes and messages.

036

The idea of a human being as a tabula rasa, someone who enters the world as a blank page, is outdated. Styles make us think we are connected to each other, or different from each other. We use our ways of decorating our houses, the food we eat, the clothes we wear and the things we read to create a place for ourselves in society. As the well-known saying has it, most people are born originals but die copies. Without rehashing the whole nature/nurture debate here, this is, of course, nonsense. The idea of a human being as a tabula rasa, someone who enters the world as a blank page, is outdated. Our genetic material alone already burdens us with defects: we make a false start at birth. We are copies of copies, and we die as copies. But is that such a bad thing? By accepting the fact, we can escape the idea of human beings as original creatures. We are creative, but we aren’t all that original. And that’s OK.

Styles make us think we are connected to each other, or different from each other.

Modernism for the Masses But then what is creation? In the world of art and design, it’s generally accepted that you have to be original. A designer’s originality is expressed in his or her personal style, made visible in the form of unique objects. Things were not always this way. According to the Bauhaus model – a defining one for the development of design in the 20th century – a designer was a sort of craftsman who didn’t so much add something to a product as take something away. Just as Michelangelo talked about freeing the angel from the marble, a designer reduced an object until it was brought back to its most elementary, functional form. Technological progress enabled the mass production and distribution of products. This signified the triumph of modernism, which sought to improve people’s lives by exposing them to beautiful but well-designed objects. For the first time in human history, a philosophy became visible in the form of mass-producible physical objects. This is the big difference between art and design: In art, images are produced to challenge eternity by conservation. In design, images are produced to deny eternity by being constantly reproduced.

Goodbye ideas

hello

style! 037

Here we find perhaps the most exciting moment of style generation.

We rip, steal, burn, cut and paste reproduction is the essence of successful design

Hendrik-jan grievink 038

The end of the story of modernism is well known. All that marvellous Gispen furniture, all those Olivetti typewriters and Wim Crouwel company logos, failed to make the world a better place. At most, they made it a more beautiful place for some, but that is not what I want to talk about here. What modernist design did do was create a new type of consumer. This consumer is not satisfied with a machine that simply does what it is supposed to; he wants machines and objects he can use to distinguish himself. Symbolic production is the primary added value of contemporary design. Since symbolic production is nothing without style, style is everything. But if style is everything and everything is about style, what is the significance of design?

It’s All iPod: The Economy of Style In contemporary design culture, designers are expected to provide icons the public can identify with. Recognisability is the magic word: everything is going the way of the iPod. Internationally, the creative industry is being massively hyped, and young designers are increasingly tempted to chase big bucks. And this isn’t just happening in the field of commercial design. To an increasing degree, the same mechanism is operating in the more avant-garde sector. To make yourself visible, you must choose a style, preferably as soon as possible after graduation. Designers position themselves in relation to each other. Goodbye ideas; hello style. An undiscovered niche in the international style economy can mean a goldmine. Conversely, not having a recognisable style often spells banishment, voluntary or otherwise, to the deserts of design dementia. Your work will not be reproduced. And reproduction is the essence of successful design.

Herein lurks a great danger. What is happening to design as a critical catalyst in the public sphere? What will happen to big ideas, grand designs, if we are summarily judged on our style choices? Design must break free from its style straitjacket and recapture its status as a way of looking at the world. I advocate a radical stylelessness. I don’t mean that we no longer need to think about aesthetic issues, or that taste shouldn’t matter, but for God’s sake, let us break free of our positions as self-appointed Ambassadors of the New. The whole world is image-infested. We rip, steal, burn, cut and paste, producing and reproducing for the glory of the Idea. The only question that counts is “Was it done with any style?”

everything

is going the way of the

iPod 039

Here we find perhaps the most exciting moment of style generation.

How can we ever find an individual signature in this copy culture?

geert lovink instITUTE FOR Network cultures 040

The Ultimate Stylishness Test Just answer spontaneously, then calculate your score at the end (upside down). Choose only one answer per question.

You have read: a) Harry Potter b) The Tempest c) Faust II d) Finnegans Wake You most often eat: a) mashed potatoes b) French fries c) boiled potatoes d) pommes gratin You drink: a) pinot noir b) shiraz c) merlot d) pinotage

If you score:

You love: a) pets b) people c) plants d) products You listen to: a) Erik Satie b) Charles Ives c) John Cage d) Arnold Schoenberg compare yourself to: a) fire b) earth c) air d) water

by Michael Erlhoff

you’re you’re you’re you’re

pretty bourgeois. uncool. cool. stylish.

Scoring

Scoring

c=3 d=10 c=7 d=0 c=9 d=10 c=10 d=5 c=2 d=4

fewer than 40 points between 41 and 60 points 61 to 79 points 80 points or more

You holiday in: a) Mallorca b) Miami c) Binz d) Knokke

a=0 b=5 a=10 b=7 a=0 b=6 a=2 b=0 a=10 b=6

You prefer: a) Havana cigar smokers b) nonsmokers c) cigarette smokers d) anti-smokers

06 07 08 09 10

You know the work of: a) Philippe Starck b) Ettore Sottsass c) Luigi Colani d) Dieter Rams

1. 2. 3. 4. 5.

01 02 03 04 05

You: a) drive a car b) ride a motorbike c) ride a bicycle d) take trains and taxis

041

6. 7. 8. 9. 10.

a=1 b=10 c=0 d=8 a=0 b=0 c=10 d=6 a=0 b=10 c=2 d=1 a=10 b=10 c=10 d=10 a=3 b=0 c=7 d=10

Here we find perhaps the most exciting moment of style generation.

style . . . no matter how it circulates, is taken by the public at large to be something that some have and most do not.

lifestyle capitalism by PETER LUNENFELD 042

In this age of just-in-time production, desktop object printing, open-source culture, worldwide webs, and ever more intermeshed systems for the creation, promotion and consumption of design, the question becomes how fully we want to embrace style as an ultimate good.

$ tyle’s Cruelty By PETER Lunenfeld

In the first years of the 21st century, an abundance of style is the chief visible manifestation of design’s triumph. Human vanity being what it is, this sounds good to those of us who work in and around design. We tend to ignore the fact that when style – as opposed to function or organisation or invention, or any of the other attributes of design – reigns triumphant, we operate in an environment subtly defined by cruelty. For style, no matter how it circulates, is taken by the public at large to be something that some have and most do not. Style is a delimiting device, a mode by which to determine la mode. Though we occasionally speak of “timeless” style, most style is both temporally and spatially bounded, and its relentless churn is both a cause and effect of lifestyle capitalism’s desiring machines. This is not to say that all of style’s cruelty can be laid at capital’s door. Money can and often does buy style, but the street bubbles up smartly as well. Whether innate, hard won, or purchased off the rack, the possession of style establishes hierarchies as surely as the acquisition of any other kind of power. Yet style as an unquantifiable gestalt has a greater

Style is a delimiting device precariousness than monetary, political, or even physical power. This instability begets insecurities that manifest as cruelty. From the taunts of the schoolyard to the exclusionary velvet rope at the entrance to a dance club or the venom discreetly deployed at high-society dinners, the stylish require victims. The stylish are cruel rather than violent because style is as much a psychological condition as it is a physical presence. Of course, style can bring beauty into the world, and for those who create style as a way to overcome, at least momentarily, their own powerlessness, it can be liberating. But in this age of just-intime production, desktop object printing, open-source culture, worldwide webs, and ever more intermeshed systems for the creation, promotion and consumption of design, the question becomes how fully we want to embrace style as an ultimate good. Perhaps DIY can be our salvation. The productive ethos of the do-it-yourselfer could mitigate against the groupthink of style’s cruelties. Changing our preconceptions might lead us towards a future in which we use style to create provocative modes of inclusion rather than exclusion. 043

Here we find perhaps the most exciting moment of style generation.

When people speak about innovation today, they mean design. Lev manovich 044

Mobile phone as Gesamtkunstwerk nics How Style came to Consumer Electro

Apple’s iPods, Sony’s laptops, Samsung’s phones. Today, consumer electronics manufacturers compete on style and not just on features. Major mobile phone manufacturers already co-brand their products with well-known fashion labels (for instance, the LG Prada phone, introduced in early 2007). While today this usually involves simple modifications of product surfaces, I think that within a few years we will see fashion going ‘inside the products’ – changing the interfaces from their Disney-like, cartoonish look (which started with Apple’s Aqua interface released with OS X) to make them truly sophisticated, sensual, and ‘adult.’ In the words of the editorial in Business Week online (July 2005): “When people talked about innovation in the ’90s, they invariably meant technology. When people

light

soft

mint

talk

by L ev Manovich

speak about innovation today, it is more than likely they mean design.” How did style come to consumer electronics? In their 1989 book, Experience Economy: Work Is Theatre and Every Business a Stage, Joseph Pine and James H. Gilmore argued that the consumer economy was entering a new stage where the key to successful business was delivering experiences. This stage followed the previous economic stages centred on the goods themselves and later on services. The authors state: “Those businesses that relegate themselves to the diminishing world of goods and services will be rendered irrelevant. To avoid this fate, you must learn to stage a rich, compelling experience.” So how do you make using a product into an experience? Pine and Gilmore

Shot

PICT

cyber wiFI dark shot

bio

biz

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Here we find perhaps the most exciting moment of style generation.

point out that “perhaps the most straightforward approach to making goods more experiential is to add elements that enhance the customer’s sensory interaction with them.” The aestheticisation of hardware design and the user interfaces of consumer electronics products that took place in the 2000s perfectly fits the analysis first presented in Experience Economy. Interaction with personal information devices was turned into a designed experience. In fact, we can say that the three stages in the development of user interfaces – command-line interfaces, the GUI of the 1980s–90s, and the new sensual and entertaining interfaces of post-OS X era (after 2001) – can be correlated to the three historical stages of the consumer economy as a whole: goods, services and experiences. Command-line interfaces ‘deliver the goods’, that is, they focus on pure functionality and utility. GUI adds ‘service’ to interfaces. And at

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the next stage, interfaces become ‘experiences’. The concept of the ‘experience economy’ also explains how the physical interaction with technological objects (as opposed to their physical forms and screen interfaces) was also turned into the stage of delivering a rich sensory, and often seductive, experience. By the middle of the 2000s, the simple acts of opening a mobile phone or pressing its buttons were turned into micro-plays: short narratives complete with visual, tactile and spatial effects. Thus, powering on a phone such as LG Chocolate (LG VX-8600, released in 2005) becomes a real Gesamtkunstwerk – directly engaging the three senses of sight, sound and touch, and evoking the fourth sense of taste through the phone name (chocolate) and colour. Not only does the phone play animation and make sounds during the opening sequence, it even vibrates in the finale.

caprese

coffee

tomato

orange

mint

strawberry

organic

junk

cream

interfaces become experiences

the new sensual and entertaining interfaces powering on a phone such as

LG Chocolate becomes a real Gesamtkunstwerk

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Here we find perhaps the most exciting moment of style generation.

More and more often, it is an image that is the deciding factor in important questions.

VISUAL POWER by Koert van mensvoort 048

Exceptional architecture often wins prizes before the building is finished

VISUAL POWER: The

PICT SOCIETY

Picture Bubble By koert van mensvoort

PICTURES! The more visible, the more real it is.

PICTURES! i’m trying to picture it

We are visual creatures, living amid image layers

Here we find perhaps the most exciting moment of style generation.

An interviewer once asked Pablo Picasso why he didn’t paint people as they truly were. Picasso asked him what he meant. The man produced a photograph and said, “This is my wife.” Picasso replied in astonishment, “But your wife is very small and flat, isn’t she?”

Each of us is confronted with more images every day than a person living in the Middle Ages would have seen in their whole life. If you open a 100-yearold newspaper you will be amazed by the amount of text and the total lack of pictures. How different things are today: the second you’re born, covered in placenta, not yet dressed or showered, your parents are already there with the digital camera, ready to take your picture. And of course the whole family and the rest of the world will see it. Images occupy an increasingly important place in our communication and transmission of information. More and more often, it is an image that is the deciding factor in important questions. Provocative logos, styles and icons are supposed to make

We humans, after all, are extremely visual animals us think we are connected to each other, or different from each other. When I was a child, I thought the people I saw on TV were really inside it. I wondered where they went when I turned the TV off. Somewhere inside me, I still have the feeling that it hurts the TV when I switch it off. Interactivity between people has become an interactivity of screens. We are visual creatures, living amid image layers. Every schoolchild has to decide whether he or she is a skater, a jock, a preppie, or whatever. Going to school naked is not an option.

Interactivity between people has become an interactivity of screens. 050

When I was a child, I thought the people I saw on TV were really inside it. But no matter which trousers you decide to wear, they are inescapably a social communication medium. Your trousers will be read as a statement, which your classmates will use to stereotype you. I remember the strange feeling of recognition I had when I was in Paris for the first time and saw the Eiffel Tower. There it was, for real! I felt as if I was meeting a long-lost cousin. Of course, you take a snapshot to show you’ve been there: ‘Me and the Eiffel Tower’. Thousands of people take this same picture every year. Every architect dreams of designing such an icon. Exceptional architecture often wins prizes before the building is finished. Its iconic quality is recognised on the basis of computer models. Modern life amid visual media ensures everyone and everything wants most of all to be visible (Winkel, 2006). The more visible something is, the more real it is, the more genuine (Oosterling, 2003). You would expect that this surfeit of images would drown us. It is now difficult to deny that a certain visual rot is present, and yet our insatiable hunger for more persists. We humans, after all, are extremely visual animals. From cave paintings to computers, the visual image has helped the

human race to describe, classify, order, analyse and, finally, achieve an increasing understanding of the world around us (Bright, 2000). Does anyone still remember the days when a computer was a complex machine that could only be operated by a highly trained expert using obscure commands? Only when the graphical user interface was introduced did computers become everyday appliances; suddenly anyone could use them. All over the world, people from various cultures use the same icons, folders, buttons and trash cans. The PC’s success is owed less to the cute pictures than to the metaphor that makes the machine so accessible: the computer desktop as a version of the old-fashioned kind. This brings us to an important difference between pictures and pictures (it is indeed awkward that we use the same word for two different things). On the one hand, there are pictures we see with our eyes. On the other, there are mental pictures we have in our heads – pictures as in “I’m trying to picture it.” We are increasingly coming to realise that ‘thinking’ is fundamentally connected to sensory experience. In the 051

Here we find perhaps the most exciting moment of style generation.

we are continuously searching for images and experiences that will show us new ways of seeing things. book Metaphors We Live By, the researchers Lakoff and Johnson argue that human thought works in a fundamentally metaphorical way (Lakoff & Johnson, 1980). Metaphors allow us to use physical and social experiences to understand countless other subjects. The world we live in has become so abstract, we are continuously searching for images and experiences that will show us ways of seeing things. So politicians speak in clear soundbites. Athletic shoe companies don’t sell shoes, they sell image. Thoracic surgeons wander around in patients’ lungs like rangers walking through the forest, courtesy of head-mounted virtual-reality displays. As we have seen, pictures do not just represent reality, they determine it too; they are often realer than real. The extraordinary thing about visual culture is not the number of pictures being produced but our deep need to visualise everything that could possibly be significant. Visualizations are an indispensable part of our meaning-making cycle.

Without visualization, there is no reality. 052

Style-making

Style for All!

Your Choice is Your Style!

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Es ist an der Zeit, das Visuelle von allen Ansprüchen und Erwartungen zu befreien. Es ist an der Zeit, den Kampf um das geistige Eigentum aufzugeben. Kopiere Bilder, füge sie ein, recycle sie und erfinde sie neu.

` Innovation platform

Style First Deutsch

059

Stil



wie weiter damit? Ein Dialog

Mieke Gerritzen und Chantal Prod´Hom

Chantal Prod´Hom: Fangen wir mit dem Titel an: Style First. Das klingt für mich einigermaßen widersprüchlich, denn man kann doch Stil als etwas ansehen, das zuletzt kommt, nachdem alles gegeben, vorgetragen, längst beschlossen und gemacht ist. Sie sehen das wahrscheinlich anders, aber die oberflächliche Bedeutung des Wortes “Stil” lässt sich doch (im Französischen vielleicht mehr als im Deutschen) einkreisen als eine Art zusätzlicher Schicht auf dem fertigen Produkt, als so etwas wie der “letzte Schliff” – ein dekorativer Überzug, ein schöner Lack, ein Mehrwert an Aussehen, Vollkommenheit und “Hype”. So verstanden, wird ein Stil wahrscheinlich dem Auf und Ab der Mode folgen und damit riskieren, bald wieder “aus der Mode” zu sein, ganz einfach weil die Zeit weitergeht. Was meinen Sie?

Ein stil wird wahrscheinlich dem auf und ab der Mode folgen.

060

Mieke Gerritzen: Heutzutage hat Stil etwas mit der Schaffung einer sozialen Atmosphäre zu tun. Diese Atmosphäre kann ästhetischer, kommerzieller, kultureller oder identitärer Natur sein, sie kann auch eine Emotion oder eine Erfahrung sein, oder sie kann einen Wunsch aufkommen lassen. Stil mag zwar aussehen wie der “letzte Schliff” am Ende eines kreativen Prozesses, ich denke aber doch, dass “Stil” in unserem postdigitalen Zeitalter als Konzept an den Beginn des Prozesses zu setzen ist. “Stil” ist eine vorwärtsgerichtete Strategie; der ästhetische Wert wird erst hinterher zugesprochen.

Chantal Prod´Hom: Es gibt vielleicht zwei “Momente” oder Optionen, um einen “Stil” zu definieren oder zu identifizieren. Noch vor Beginn der Arbeit kann die konkrete Entscheidung getroffen werden, einen Stil per se aufzubauen, also eine Gesamtheit formaler, ethischer Prinzipien zu entwickeln und damit eine “globale” Dimension für die Produktion von Objekten festzulegen, die hinreichend ausgeprägt ist, um unserem Lebensstil ein bestimmtes “Design” zu geben. Die zweite Option bietet sich hinterher, wenn alles bereits geschehen ist und wir uns an das Leben mit diesen Objekten um uns herum gewöhnt haben: Es ist die Art, wie wir sie betrachten, wahrnehmen und verwenden, die man als einen Stil ansehen kann – ein Mehrwert, der ästhetischer und subjektiver Natur ist sowie eng mit der Wahrnehmung des Betrachters und Nutzers verbunden.

“Stil” ist eine vorwärtsgerichtete Strategie; der ästhetische Wert wird erst hinterher zugesprochen. 051

061

Mieke Gerritzen: Der Begriff “Stil”, wie wir ihn kennen, wird zumeist in der Modeindustrie oder mit Bezug auf die lebenslange Schaffenszeit eines Künstlers gebraucht. Nachdem die Industrie der westlichen Länder nach Asien übergesiedelt ist, hängt unsere wirtschaftliche Situation von unserer Kreativität ab. Kreativität ist alles, was uns geblieben ist.1 Das heißt, der “Stil” macht einen Bedeutungswandel durch: das Konzept wandelt sich zum Produkt. Stil ist das wichtigste Produkt der kreativen Industrie. Wenn Stil zu einem Produkt wird, dann zieht das die Standardisierung der Produktion von Stil nach sich. Die Mechanismen und Systeme der Stilproduktion sind das, was wir als

Software bezeichnen. Software kann uns die Plattform bieten, von der aus wir auf den Kunden zugeschnittene Entscheidungen und Wahlmöglichkeiten entwickeln, und diese sind dann die Basis für die vielen zukünftigen Stile in unserer Umgebung. Stilproduktion hat mit der Aufstellung von

Regeln und Parametern zu tun. Die Qualität eines Stils hängt von den Software-Designern ab, die diese Regeln und Parameter erschaffen. Bisher haben sich noch nicht viele bekannte Designer mit der Entwicklung von Software und damit von Plattformen für die Belange der Menschen befasst. Das heißt, dass die stil-schaffende Software in einem erheblichen Umfang von monopolistischen Firmen produziert wird. Stil wird folglich von Technikern und nicht von Designern geschaffen mit der Folge, dass wir einen zu universellen Stil hervorbringen. Ich sehe die Systeme und Strategien im Hintergrund. Die Unterschiede im Stil beschränken sich heute auf eine Datenbank von Standardmöglichkeiten, die ihrerseits Form

und Nutzen erzeugen. Die Demokratie befindet sich, was die Gestaltung von Dingen und die Entwicklung von Kreativität angeht, noch in einem frühen Stadium. Die Designer müssen sich mehr um die Softwareentwicklung kümmern, um die ästhetische und konzeptuelle Qualität kontrollieren zu können. Wir sehen, dass Veränderungen in fast allen kulturellen Disziplinen im Gang sind. Wir haben den sogenannten nutzergenerierten Inhalt, das heißt, die Leute sind über Blogs2, Vlogs3 und andere Möglichkeiten aktiv in die inhaltliche Produktion eingebunden. So arbeiten sie zusammen und gestalten ihre Ideen und Visionen. “Everyone is a designer!”4 Die Menschen haben Freude daran, Dinge selbst zu gestalten. Und alle wollen das online tun. IKEA hat ein effizientes Tool, mit dem man sich seine Küche online

zusammenstellen kann: Wählen, Dastellen, Drucken, Kaufen! Dieses Verkaufskonzept beruht auf der Plattform-Idee, und der zugehörige Slogan lautet “Gestalte dein Leben selbst.” Aber natürlich sind die Möglichkeiten der Plattform durch das Warenangebot limitiert. Die Zukunft der Design-Industrie liegt nicht in der Produktgestaltung, sondern in der Gestaltung von Tools, die die Leute nutzen können, um sich ihr eigenes Design zu erschaffen. Diese Tools werden die Einrichtungsberater des 21. Jahrhunderts sein. Was wäre, wenn der Architekt Rem Koolhaas und die Modedesigner Viktor & Rolf anfingen, Tools zu entwickeln? Wir brauchen mehr Anarchie und kreative Visionen in der Software-Entwicklung, um Unterschiede im Stil zu ermöglichen. Die Standardisierung von Kreativität ist nicht das Ende der Kreativität.

(alle Verweise sind auf Seite 159 zu finden) 063

China geht anders um mit unseren kulturellen und ökonomischen Werten. 064

Chantal Prod´Hom: Sie haben chinesische Maler gebeten, Repliken Ihrer eigenen [grafischen] Arbeiten zu malen, und damit die Grenzen dessen, was Stil sein kann, hinausgeschoben. Ich bin fasziniert von diesem Spiel zwischen unterschiedlichen Methoden, Techniken, Traditionen, Produktionsrealitäten und folglich Stilen. Das Ergebnis dieses außerordentlich spannenden Projekts zwischen Amsterdam und China ist ein neues Produkt – anders, aber dennoch extrem standardisiert durch die Tools, mit denen die chinesischen Maler arbeiteten. Können Sie uns Näheres dazu sagen? Mieke Gerritzen: China ist ja im Augenblick dabei, alles zu reproduzieren, was im Westen geschaffen worden ist, ohne sich groß um das Copyright zu kümmern. Irgendwie mag ich das. Es gefällt mir, dass sie anders mit unseren kulturellen und ökonomischen Werten umgehen. Die chinesischen Malfabriken sind ein Riesengeschäft: Die Leute malen in der Regel Repliken von Bildern berühmter holländischer Maler wie van Gogh und Rembrandt. Sie verdienen sich damit ihren Lebensunterhalt. Und jetzt malen sie eben auch holländisches Design, das auch eine lange Tradition hat. “Holländisches Design” ist für die Touristen. Das neue holländische Design des 21. Jahrhunderts ist multikulturell ausgerichtet. In unserem Land studieren, leben und arbeiten mehr ausländische Designer als holländische. Meine Arbeit mag einen Bezug zum traditionellen holländischen Design haben, aber sie dreht sich insgesamt um die Globalisierung. China wird unser kulturelles und historisches Bewusstsein verändern.

Ich sehe die Systeme und Strategien im Hintergrund. 065

2. Stil für Individuen

Chantal Prod´Hom: Wie kam es, dass Sie sich für das Thema Stil interessieren? Und – da ich meine, dass Sie einen ganz eigenen Stil haben – wie ist er entstanden, und wie würden Sie ihn beschreiben?

066

Mieke Gerritzen: Das Netzwerk aus Organisationen, Freunden und Firmen, mit dem ich bisher gearbeitet habe, hat Anteil an der Entstehung meines Stils. Mein Stil hat sich mit der Zeit durch Einflüsse aus dem Umfeld und durch das kulturelle Klima gebildet, in dem ich gelebt habe. Ich wusste nicht, dass meine Arbeiten erkennbar sind, bevor man es mir sagte. Und als ich dann sah, dass mein Werk erkennbar geworden war, hat mich das Phänomen des Erkennens interessiert. Manche beschreiben meinen Stil als einen kühnen und farbigen typografischen Stil, obwohl ich nie viele verschiedene Schriften verwendet habe und auch nicht Typografin bei. Eigentlich bin ich gar nicht sehr an Typografie interessiert, es sei denn in einem weiter gefassten Sinn als universell verständliche Sprache. Die Digitalisierung hat die Typografie für neue Generationen einer visuellen Sprache erschlossen. Der Anwendungsbereich von Typografie ist eklektischer geworden – sie erscheint auf Webseiten, Mobiltelefonen und großformatigen öffentlichen Bildschirmen, im Film und in Videospielen. Die Menschen erkennen Zeichen von Tag zu Tag besser. Die neue Verwendung von Typografie macht auf interessante Weise anschaulich, dass Icons wie etwa Portraits von George Bush oder Madonna ebenso wie aus Buchstaben zusammengesetzte Worte oder bekannte Logos lesbare Zeichen sind. Es ist die Sprache der Identität, die heute unsere visuelle Kultur bestimmt. Wir können Bilder lesen und Sprache ansehen. “Die Ubiquität von Schrift hat die Typografen zu der Formulierung ’Schrift ist überall’ veranlasst.” (Wikipedia)

Chantal Prod´Hom: Dem stimme ich zu. Die Macht – ein Wort, das Sie dauernd verwenden und mit dem Sie häufig spielen! – der Bilder interferiert mit der Macht der Worte. Bilder haben diese Dimension der universellen Verständlichkeit: jeder weiß, worüber wir sprechen, auch wenn das Portrait von Bush oder Madonna respektvoll und bewundernd oder aber kritisch und subversiv “gemeint” sein kann. Es ist der Stil, der die Fragen beantwortet – was jemand zuvor getan hat, in welchem Kontext er arbeitet, mit wem er in Verbindung steht, welche Worte oder anderen Bilder er mit diesen Bildern verknüpft. Wie hat sich Ihre Arbeit weiterentwickelt, nachdem Sie das erkannt hatten? Mieke Gerritzen: Der interessanteste Teil meiner Laufbahn begann, nachdem meine Arbeit erkennbar geworden war. Der Stil schuf eine Atmosphäre von Kommerz (Supermarkt-Ästhetik) und linker Politik (Aktivismus) – zwei entgegengesetzte Sphären. Ich habe eine Faszination für das Wirtschaftswachstum entwickelt. Ich bin ganz außerordentlich interessiert an Standards, an bürokratischen Systemen, an universeller Ästhetik und daran, wie die Welt versucht, in einem einzigen Stil aufzugehen. Diese Interessen haben mich zu

der Designerin gemacht, die ich heute bin: Organisatorin, Visualisiererin, Managerin, Editorin, Networkerin, Urheberin und mehr. Ich weise mir meine Aufgaben selbst zu, und meine Bücher sind autonome Projekte. Meine Arbeit und mein Privatleben sind vollkommen miteinander verschmolzen. Vielleicht bin ich das ultimative Beispiel eines Menschen mit einem “Lebensstil”. Der Lebensstil kann wichtiger sein als wir glauben – er hat mit Politik, Religion, Wirtschaft und Kultur zu tun. Chantal Prod´Hom: Was Sie eben gesagt haben, unterstreicht die fragwürdigen Ziele der Globalisierung. Ein einziger Stil als Utopie: was für eine terroristische Vorstellung! Der persönliche “Lebensstil” ist wahrscheinlich eine mögliche und geeignete Form, das Machtspiel dieser Identitätsschlacht zu untergraben. Ich bin fest davon überzeugt, dass er eine Sache des Überlebens ist. Stimmen Sie mir zu? Mieke Gerritzen: Sie haben Recht, aber ich glaube nicht, dass “Überleben” das richtige Wort ist. Ich sehe es nicht als Schlacht – eher als eine Chance für ein neues kreatives Denken. Unsere Gesellschaft ist unbeirrbar kapitalistisch, und ich frage mich, welche neuen Überlegungen damit einhergehen. Was mich interes-

siert: Wann werden die Dinge außer Kontrolle geraten und Kultur und Gesellschaft an den Rand der Zerstörung bringen? Das zwingt uns doch, neue Ideen und Lösungen zu entwickeln, und es eröffnet auch neue Chancen für das Design. Ein industrielles System zum Beispiel, das “nimmt, macht und makuliert”5, kann zum Schöpfer von Waren und Dienstleistungen werden sowie ökologische, soziale und ökonomische Werte entstehen lassen. Die immer größer werdende Kluft zwischen den Armen und den Reichen wächst explosionsartig in den Megastädten Südamerikas und zwingt die Architekten, neue Lösungen für das soziale Wohnen und die Gemeinschaftseinrichtungen in den Armenvierteln zu entwickeln (Stichwort Caracas Case6). Lebensstil ist ein Spiegelbild der Gesellschaft, ein Resultat politischer Entscheidungen und kreativer wie kommerzieller Lösungen. Es gibt den Lebensstil der Massen, und es gibt den persönlichen Lebensstil; der persönliche Lebensstil hat mit dem individuellen Selbstbild zu tun. (Wir sind eben alle Philosophen).

Der Lebensstil kann wichtiger sein als wir glauben Lebensstil ist ein Spiegelbild der Gesellschaft, ein Resultat politischer Entscheidungen und kreativer wie kommerzieller Lösungen.

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3. Stil und Institutionen

“Das Museum ist nicht länger eine Illusion der Realität, sondern die Realität selbst ist zum Museum geworden.” TRACY METZ

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Chantal Prod´Hom: Sollen wir versuchen, über unsere persönlichen “Stile” zu sprechen? Mir scheint, dass das meine Arbeitsweise ist. Meine Art, die Dinge und die Leute zu sehen, meine Art zu reagieren, zu interagieren, zu kooperieren, zu zeigen, zu kommunizieren, zu diskutieren, zu schreiben und zu reden. Alle diese Verben bezeichnen unterschiedliche Handlungen... ja, und die Wahrnehmung aller dieser Handlungen hängt von den anderen Menschen und davon ab, wie sie sie aufnehmen und sehen. Ich glaube, wir brauchen diese Dialektik. Tatsächlich könnte es sein, dass wir eben jetzt, bei diesem Gespräch, miteinander einen Stil aufbauen, indem wir unsere Gedanken und Kommentare über Stil austauschen! Chantal Prod´Hom: Ich habe gerade ein interessantes Zitat in einem Ihrer Bücher gefunden mit Bezug auf Ihre erste Einzelausstellung in einem Museum: “Das Museum ist nicht länger eine Illusion der Realität, sondern die Realität selbst ist zum Museum geworden.”7 Können Sie das kommentieren?

Mieke Gerritzen: Das Museum als Institution ist für mich ein merkwürdiger Ort. Manchmal ist mir nicht klar, was eigentlich der Zweck eines Museums ist. In einer Zeit, in der wir das Internet haben und in der die kreative Äußerung in der virtuellen Welt stattfindet, verunklären sich die Dinge. Das Museum ist ein physischer Raum und erwartet physische Formen der Äußerung. Es ist eine Institution, die in der Vergangenheit definiert wurde. Ich meine, die Museen müssten ihre Existenz neu definieren. Wie sammeln die Museen neue Arbeiten? Wie stellen sie zeitgemäße Kollektionen zusammen? Wie sieht ihr Verhältnis zur neuen schöpferischen Generation der Künstler, Designer, Blogger und Producer aus? Stile, Trends, Werte, Objekte und Designs sind Teil einer in sehr raschem Wandel begriffenen Gesellschaft. Glauben Sie zum Beispiel, dass Ihr Museum seinen eigenen Stil hat?

Chantal Prod´Hom: Ich bin froh, auf Ihre sehr dezidierten Bemerkungen über Museen antworten zu können, und, ja, ich muss zugeben, dass Ihre Feststellungen Anlass zu grundlegenden Fragen bezüglich der Rolle solcher Institutionen geben. Als ich mit der Eröffnung des mudac im Jahr 2000 den Posten der Direktorin übernahm, änderten wir (zugleich mit der Adresse) auch den Namen des Museums: aus dem Musée des arts décoratifs de la Ville de Lausanne wurde das Musée de design et d´arts appliqués contemporains – mudac. Diese Bezeichnung war viel zu lang, und so wurde schließlich das Akronym mudac zum Namen des Museums; heute weiß niemand mehr, wofür es steht. Tatsächlich mag ich diese offene Identität, denn ich habe immer gedacht, dass ein Museum durch das definiert ist, was man in seinen Räumen sehen und entdecken kann, durch sein Ausstellungsprogramm. Es lässt uns eine beträchtliche Freiheit, und wir haben uns in fast sieben Jahren und in mehr als 50 Ausstellungen eine Art eigenen Stil geschaffen: offen, unvorhersehbar, der aktuellen Äußerung gewidmet – um welches Thema es auch immer geht – und nicht nur mit Form, sondern auch mit sozialen Sachverhalten und Bedeutungen

befasst. Dieser Stil ist auch einmalig, denn wir präsentieren zeitgenössische Werke, sind aber in einem Gebäude des 18. Jahrhunderts untergebracht, gegenüber einer gotischen Kathedrale, dem berühmtesten und meistbesuchten Monument der Stadt. Ich betrachte diesen spezifischen “mudacStil” als ein “work in progress”, das sich von einer Ausstellung zur anderen, von einem Event zum anderen aufbaut. Ich habe Besucher sagen hören, dass sie das Museum mögen, weil sie hier ungewöhnliche Werke, Künstler, Designer, merkwürdige Ansichten und Äußerungen entdecken, selbst wenn sie beim Hereinkommen nicht genau wissen, was sie zu sehen bekommen werden. Das heißt also, die Existenz dieses speziellen Museums hängt ganz und gar davon ab, was wir, die wir die Dinge um uns herum, in der Gesellschaft und natürlich in der kreativen Szene betrachten und “bedenken”, letztlich – subjektiv! – für zeigenswert halten. Andererseits bin ich überzeugt, dass auch die physische Beziehung eines Besuchers zu dem realen Werk, vor dem er steht, wichtig ist und dass die Museen als aktive Ergänzung der virtuellen Welt, als ein Stil per se, weiterhin eine wichtige Aufgabe in der Gesellschaft zu erfüllen haben.

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Der Teufelskreis der Fundamentalismen Henk Oosterling Mindestens vier Fundamentalismen umzingeln heute den Globus: der religiöse Fundamentalismus, der Aufklärungsfundamentalismus, der Marktfundamentalismus und der Technofundamentalismus. Indem sie sich auf der diskursiven Ebene erkennbar wechselseitig ausschließen, haben sie einen Teufelskreis in Gang gesetzt, der den Globus umspannt und langsam die Atmosphäre erstickt.

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Mythen/Menschen/Markt/Medien

der Westen und der Rest

Die erste Attacke auf Verstand und Gefühl! 071

De Stijl. Mit De Stijl wird eine niederländische Gruppe von Malern, Architekten und Designern bezeichnet, die sich 1917 in Leiden gründete und um eine Zeitschrift gleichen Namens gruppierte. Die Vorstellungen der Künstler, die De Stijl gründeten, standen unter dem Einfluss des Kubismus und der kunsttheoretischen Publikationen Wassily Kandinskys. Ihr Anliegen war es, sich vollständig von den Darstellungsgrundsätzen der traditionellen Kunst abzuwenden und eine neue, völlig abstrakte Formensprache zu erarbeiten, die auf der Variation von wenigen elementaren Prinzipien der bildnerischen Gestaltung (waagerecht/senkrecht, groß/klein, hell/dunkel und den Grundfarben) beruhte. Ideen- und kunstgeschichtlich besteht eine enge Beziehung zum deutschen Bauhaus. 072

“Holländisches Design” ist für Touristen.

CCTV BEIJING

Das ABC

der StilProduktion Wenn Stil zu einem Produkt wird, dann zieht das die Standardisierung der Produktion von Stil nach sich.

Geert Lovink 073

Stil ist eine Methode, nicht eine Disziplin Stil ist ein organisierendes Prinzip In der Ära nach dem verschwundenen Urheber registrieren wir einen zunehmenden Druck auf die Kulturproduzenten, Alleinstellungsmerkmale zu schaffen.

074

Schönheit und Glamour müssen Schocksignale aussenden

Ehemals eine romantische Vorstellung, hat der Stil sich vom Begriff des guten Geschmacks gelöst und in einen ökonomischen Faktor verwandelt.

Stil präsentiert sich als das Resultat einer Wahl.

Die Fashionistas werden schon nervös 075

“Das bist ja so genau du.” - “Stil ist vor allem eine Frage des Instinkts.” (Bill Blass) - “Le style, une voix qui insiste.” (Marie Darrieussecq) – “Bist du dereguliert?”

Stil tritt an die Stelle der Kultur.

Stil kommt von den No-Brows.

076

Stil ist, was du produzierst. Er ist weder eine Nachwirkung noch etwa eine Schicht, die der Urheber in den letzten Phasen der Erschaffung eines Werkes aufträgt. Stil ist eine Methode, nicht eine Disziplin, und er präsentiert sich als Konkurrent von Kunst und Design. Ehemals eine romantische Vorstellung, hat der Stil sich vom Begriff des guten Geschmacks gelöst und in einen ökonomischen Faktor verwandelt. Nichtdestoweniger wissen wir, dass wir uns immer wieder gegen die Assoziation von Stil mit Exklusivität sperren müssen. Wir müssen uns mit der schlichten Tatsache versöhnen, dass Stil idiotensicher ist. Anders als Kunst und Design untersteht Stil nicht der Kontrolle globaler Eliten; er ist “da draußen”: auf dem Markt, auf den Straßen, in Bars und Clubs, in Zeitschriften und im Internet. Wir sind nicht mehr in der privilegierten Position, uns Gedanken über die Frage “Qu´est-ce que le style?” machen zu können. Stattdessen sind wir alle ganz dringend darauf aus, uns zu unterscheiden. Wie können wir in dieser Kultur der Kopien zu einer individuellen Signatur finden? Wir müssen doch eine haben! Lässt sich Stil in einem Prozess des ständigen Wandels überhaupt greifen und halten? Warum können wir nicht einfach die Regeln künstlerischer Produktion nachschlagen und anwenden? Die Fashionistas werden schon nervös. Müssen wir wirklich so tief graben? Oder sollen wir lieber an der Oberfläche surfen, in der Annahme, dass wir früher oder später schon auf unseren Stil stoßen werden? Sollen wir uns zurücklehnen und auf das Schicksal vertrauen? Unsere Techniken hochzuskillen wird nicht genügen. In der Ära nach dem verschwundenen Urheber registrieren wir einen zunehmenden Druck auf die Kulturproduzenten, Alleinstellungsmerkmale zu schaffen. In der Aufmerksamkeits-Ökonomie ist Stil nicht länger eine manière d´être, eine Art zu sein, die wir der Außenwelt zeigen müssen. Selbstausdruck ist nicht genug. Wir müssen eine regelrechte Suche betreiben. Stil ist mittlerweile zu einer Identität geworden,

und das auf die krudeste und repressivste Weise: Er macht uns für die Behörden und ihre Apparate identifizierbar. In diesem Sinne hat er sich von dem, was früher einmal als das Selbst angesehen wurde, entfernt. Le style n´est pas l´homme même. Weder wahr noch falsch, präsentiert Stil sich als das Resultat einer Wahl. Er ist die reine Selbst-Mediation: zuerst die Kategorie wählen, dann das wiederaufbereitete Produkt. Unnötig zu sagen, dass Stil keine Substanz hat, auch wenn es immer noch Leute gibt, die sich für die Idee der Einheit von Form und Inhalt stark machen. Stil ist ganz und gar aus dem Gleichgewicht und lebt von Reibungsenergie. Schönheit und Glamour müssen Schocksignale aussenden, andernfalls bleibt nichts als Langeweile. Wichtig zu wissen: Stil ist nicht etwa ein Stil. Formen können robust, ambient oder konzeptuell sein bis hin zum Unsichtbaren und wieder zurück zum Status eines informationsreichen Bildes. Nach der Implosion von Stil in der Gesellschaft ist das, was übrig bleibt, eine abstrakte, allgemeine Kategorie. Äußerstenfalls können wir sagen, dass Stil ein organisierendes Prinzip ist. Stil ist eine universale Methode, aber eine, die häufig schlummert Stil hat, wenn wir zurückblicken, tausend Gelegenheiten zur Fremdbefruchtung ungenutzt verstreichen lassen. Sein Potenzial kann daher niemals zu hoch veranschlagt werden. Die Furcht vor einer liaison dangereuse zwischen Politik und Ästhetik hat sich als historische Eigentümlichkeit erwiesen. In unserer heutigen Spektakelgesellschaft hat Politik jeder Couleur Zugang zu jeder Form von Äußerung. Stil tritt an die Stelle der Kultur. Als Geste der Überlegenheit überrennt er sogar die banale Rivalität zwischen Hoch und Niedrig: Stil kommt von den No-Brows. Er ist weder retro-bourgeois noch subkulturell. Ungeschicklichkeit und Eleganz stehen nicht länger im Widerspruch zueinander. Nach der Demokratisierung der Grandezza bleibt der Elite kaum noch etwas, wodurch sie sich unterscheiden könnte (nicht einmal Geld). Leben ist Lifestyle. Im Zeitalter der Ästhetik rät man uns davon ab, uns irgendwo anzuschließen.

Stil untersteht nicht der Kontrolle globaler Eliten

Wichtig zu wissen: Stil ist nicht etwa ein Stil.

Wie können wir in dieser Kultur der Kopien zu einer individuellen Signatur finden?

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Die Standardisierung von Kreativität ist nicht das Ende der Kreativität. Kreativität ist alles, was uns geblieben ist. Stil ist das wichtigste Produkt der kreativen Industrie. 078

Warum Issey Miyake tragen? Uta Brandes

Issey Miyake hat eindeutig Stil und kann als “stylish” angesehen werden. Aber: Issey Miyake ist leicht. Issey Miyake ist “Pleats please”. Issey Miyake ist ein Stück Stoff und eine Epoche. In Issey Miyake-Modellen kannst du Handball oder Fussball spielen. Du kannst riesige Mengen von Issey Miyake-Klamotten in einen Handkoffer packen oder ein paar Stücke in eine winzige Handtasche stopfen. Du brauchst Issey Miyake nie zu bügeln. Du darfst Issey Miyake nicht bügeln. Du kannst Issey Miyake in die Waschmaschine stecken. Issey Miyake kommt nie aus der Mode. Issey Miyake ist niemals modisch. Issey Miyake altert nicht. Issey Miyake kombiniert neuestes Hightech mit Weichheit. Issey Miyake steht für das moderne Japanische. “You´ll never walk alone…” mit Issey Miyake.

079

Stil als Sphäre Henk Oosterling Der Mensch hat Dinge und Körper markiert, um ihnen eine Identität zu verleihen; er hat seinen Bestand an Vorräten in Stein gemeißelt; er hat Wollfäden zum Gestrick verarbeitet, Papyrus und Häute in Farbe getränkt; er hat Steuerbeträge in Wachs geritzt; er hat Steine geschliffen und bearbeitet, er hat Kupfer- und Stahlstiche angefertigt, er hat gezeichnet, gemalt, getrommelt, getanzt, gesungen, gespielt, geschrieben – kurzum, der Mensch kümmert sich um seine Angelegenheiten, indem er der Erde seine Zeichen einschreibt. So wie das spitze Ende des römischen stilus einst eine Welt auf der tabula darstellte, Richtungen durch das Ziehen repetitiver Linien auf einer wächsernen Oberfläche markierend, so ist Stil heute noch immer eine Geste an der Schnittkante. In den sogenannten Kampfkünsten kann das wirksamste Werkzeug des Menschen – der stilus – auch zur Waffe werden. Stil – gehandhabt wie ein Dolch, geschleudert wie ein Speer, abgeschossen wie ein Pfeil – wird zum Geschoss, das sich in eine Richtung aufmacht. Dann wird Stil zur selbstzerstörerischen Geschossbahn, spürt ausschließlich Ziele auf, versucht gut anzukommen. Aber ob er nun Werkzeug oder Waffe ist, Stil ist eine instrumentale Geste: ein Medium, das sich zu einem Zweck einsetzen lässt. Ist es möglich, Stil als eine 080

Stil wird das Zentrum eines Territoriums.

Geste zu verstehen, die weder eine präexistente Welt aufdeckt, indem sie verborgene Bedeutungen enthüllt, noch darauf aus ist, ein Ziel zu erreichen? Was ist ein Stil, wenn sein einziges Geheimnis die ausgesprochene Oberflächlichkeit seiner Äußerung ist? Ist er dann ein sinnloses Unternehmen, bar allen kritischen Potenzials? Stil wird kritisch, sobald er einen Sinn ergibt. Die Wiederholung einer einmaligen Geste bewirkt insofern unversehens einen Unterschied. Sie erschafft Konsistenz, indem sie in verschiedene Richtungen weist. Durch das ständige Wiederholen der Geste suggeriert Stil ein Territorium und eine Zugehörigkeit. Dieses Territorium ist allerdings kein klar umgrenzter Landstrich. Es ist ein Bündel von Vektoren, die die Entfernung zwischen dem interpunktierten Zentrum und der viele Richtungen eröffnenden Peripherie abdecken. Stil zeigt, dass Zugehörigkeit zuerst und immer Beziehung meint. Indem er kritische Distanz empfiehlt, wird Stil zum Zentrum eines Territoriums. Das Anliegen von Stil ist erfüllt, wenn sein interpunktiertes Spiel – sein Takt — von den Beteiligten übernommen und verstärkt wird. Durch den performativen Kontakt verliert Stil seine kennzeichnende Aufgabe: Er wird zu einer Welt an sich. Auch wenn seine Geste ihrem Wesen nach punktuell ist, lässt sie in der Wiederholung unterschiedliche, in alle Richtungen gehende Geschossbahnen erkennen. Um einen Sinn zu ergeben, müssen diese vektoriellen Geschossbahnen auf sich selbst reflektieren. Sie reflektieren auf sich selbst und auf einander, bilden Netzwerke, aus denen allmählich ein dichtes Beziehungsgefüge aus Fäden, Knoten und Leerstellen entsteht. Wenn Stil als große, alles einschließende Geste auf sich selbst als Gestalt gewordene Textur zurückreflektiert, wird er zum Diskurs. Durch Ausdehnen und Intensivieren der reflektiven Qualität einer Geste in alle Richtungen – nach oben, nach unten, nach links, nach rechts, nach innen, nach außen, in die Höhe und in die Tiefe – rückt das Punkthafte des Stils am Ende völlig ins Zentrum. In dieser dreidimensionalen Ausweitung entfaltet sich Stil als Sphäre, als Globus, als Ball des Seins.

Durch das ständige Wiederholen der Geste suggeriert Stil ein Territorium und eine Zugehörigkeit. Stil wird kritisch, sobald er einen Sinn ergibt.

Stil entfaltet sich als Sphäre, als Globus, als Ball des Seins.

081

Stil steckt an Ned Rossiter

Stil wandert Kann es eine Ökonomie des Stils geben?

Kopieren ist die Technik des Erfindens.

Es geht immer um Beziehung.

der Ausdruck der Beziehung muss sich immer noch in einer Weise konkretisieren, durch die der eine Stil sich vom anderen unterscheidet.

Hat er dich gepackt? Stil – dieser wunderbare Virus? Such nicht nach irgendeinem Handbuch oder Rezept. Es gibt keines. Mach dir dein eigenes. Verstecken bringt nichts – außer deinem eigenen Spiegelbild wirst du nichts finden. Narzissmus braucht Publikum. So funktioniert das. Vergiss nicht: Der beste Ort, um sich eine Erkältung zu holen, ist im Flieger. Es geht immer um Beziehung. Beim Stil eben auch. Kann es eine Ökonomie des Stils geben? Klar, wenn du blöd genug bist, an die

neuesten kreativwirtschaftlichen Anweisungen von MachbarkeitsSpinnern und Kulturkommissaren zu glauben, die dringend Investitionen sehen wollen. Aber lass uns doch mal an GegenÖkonomien denken, an Formen von Ansteckung und Verbreitung, die ein kollektives Weitergeben von Stil möglich machen. Wir sprechen hier über Lebensformen. Und wer hat denn wirklich Lust, sich im Stau auf der EndstationStrasse wiederzufinden? Stil ist nämlich letzten Endes einer der Unterschiede, die nach Gregory

Bateson “einen Unterschied machen”. Du erinnerst dich doch an deine Kindheit? Eine Zeit des HochStils, ganz klar. Ich weiß nicht, wie es bei dir war, aber für mich war Stil immer etwas, das Kinder hatten, die etwas älter waren als ich. Und übrigens: Stil wandert. Das ist Regeneration. Ich sitze neben dir, hänge ab und filtere deinen Stil (Ästhesie als Sensation) durch die Beziehung. Und verwandle ihn in etwas anderes. Kopieren ist die Technik des Erfindens. Mimikry hat es nicht

Hier haben wir vielleicht den aufregendsten Moment der StilProduktion. mit Treue; sie ist ein Prozess der Individuation. So wie ein Virus sich an seinen Wirt anpasst, wird Stil auf singuläre Weise reproduziert. Keine Besitzkontrolle hier. Auch wenn Kultur heute noch so sehr zum Verkauf steht, die besten Kassenbienen werden immer noch sagen: “Hier, du kriegst es umsonst.” Sie wissen, Kultur schließt nur aus, wenn du so blöd bist und fragst: “Was kostet es?” Gibt es also so etwas wie NichtStil? Na ja, lies mal ein Papier zum methodischen Vorgehen der Kreativindustrie. Das ist eine

Version des Kopierens ohne Kreieren. Und das bedeutet: keine Ansteckung. Es macht nichts, dass Moden recycelt werden. Was zählt, ist das Registriertwerden. Nicht die Registrierkasse, sondern die Offensichtlichkeit des Eindrucks. Und was ist mit unsicherem Stil? Das ist Stil im Embryonalstadium. Aber kann man das überhaupt Stil nennen? Hier ist das primäre Element von Beziehung am Werk: der unsichere Stil muss immerhin wahrgenommen werden. Aber der Ausdruck der Beziehung muss sich immer noch in einer

Weise konkretisieren, durch die der eine Stil sich vom anderen unterscheidet. Hier haben wir vielleicht den aufregendsten Moment der Stil-Produktion. Die Zeit des bewussten Experimentierens. Unaufhörliche Kommunikation, gekoppelt mit Aktion, basierend auf Ergebnissen. Ein Antagonismus bleibt im Zusammentreffen von Erfahrung und Experiment bestehen. In meinen Augen ist es der politische Aspekt von Stil. Hier könnte eine politische Theorie des Stils ansetzen, die erst noch geschrieben werden muss. 083

Ein von anderen abgeschauter Stil gilt in der Regel nicht als wirklich “stylish”. Stile sollen uns glauben machen, dass wir einer dem anderen verbunden sind oder dass einer sich vom anderen unterscheidet.

wir kopieren sehr wohl soziale Codes und Botschaften.

Sei ein Original die Vorstellung vom Menschen als Tabula rasa, als Wesen, das die Welt als unbeschriebenes Blatt betritt, ist überholt.

StilLosigkeit Hendrik-Jan Grievink

Alles ist iPod

085

The Fast Show war eine Comedy-Serie, die in der zweiten Hälfte der 1990er-Jahre von der BBC ausgestrahlt wurde. Die höllischen Schneider gehörten zum Stammpersonal dieser unterschätzten Serie. Die beiden keuchenden Verkäufer schafften es unweigerlich, die Kundschaft mit ihrem unerträglichen FashionistaGeschwätz zu vertreiben. Das Geschwätz verkam allmählich zu offensiven sexuellen Anspielungen, die zum Vergnügen der Zuschauer in einem zunehmend eloquenten Englisch geäußert wurden. In einer Episode, in der sie erneut eine Frau durch und durch beleidigen, holt diese schließlich den Manager. “Dieser Mann hat mich beleidigt!”, schreit sie. “Und hatte es denn irgendwie Stil, Madam?”, fragt der Manager. Sei ein Original Stil und Stillosigkeit. Die beiden können sehr nahe beieinander liegen. Der Sketch bringt das schön zum Ausdruck. Entweder man hat Stil, oder man hat ihn nicht, so die verbreitete Meinung. Stil lässt sich nur in einem begrenzten Umfang erlernen oder erwerben. Ein von anderen abgeschauter Stil gilt in der Regel nicht als wirklich “stylish”. Wir würden es keineswegs schätzen, wenn unsere guten Freunde unsere Wohnräume peinlich genau nachahmten oder unsere Garderobe kopierten. Stellen Sie sich vor, Sie sind bei jemandem zum Abendessen eingeladen, werden durch die brandneu eingerichtete Wohnung geführt, und der 086

Gastgeber sagt mit einem strahlenden Lächeln: “Sehen Sie, es ist ganz genau so wie bei Ihnen zuhause!” Tatsächlich spielt sich eben dies Tag für Tag ab. Es ist wirklich eine Illusion zu glauben, wir seien einmalig in Bezug auf die Dinge, die wir kaufen, oder auf die Kleidung, die wir tragen. Es wird eine Menge nachgeahmt. Natürlich wird niemand die Garderobe der besten Freundin oder des besten Freundes Stück für Stück reproduzieren, wir kopieren aber sehr wohl soziale Codes und Botschaften. Stile “sollen uns glauben machen, dass wir einer dem anderen verbunden sind oder dass einer sich vom anderen unterscheidet.” Wir nutzen die Art der Dekoration, die wir unseren Häusern verpassen, die Nahrung, die wir zu uns nehmen, die Kleider, die wir tragen, und die Dinge, die wir lesen, um uns unseren Platz in der Gesellschaft zu schaffen. Wie eine bekannte Redensart sagt: Die meisten Menschen werden als Originale geboren, aber sie sterben als Kopien. Wir wollen hier nicht die ganze NaturKultur-Debatte wiederholen – das ist natürlich Unsinn. Aber die Vorstellung vom Menschen als Tabula rasa, als Wesen, das die Welt als unbeschriebenes Blatt betritt, ist überholt. Allein unser genetisches Material befrachtet uns bereits mit Defekten: Wir legen schon mit unserer Geburt einen falschen Start hin. Wir sind Kopien von Kopien, und wir sterben als Kopien. Aber ist das so schlimm? Wenn wir

diese Tatsache akzeptieren, können wir uns von der Idee des Menschen als einer “originellen”, ursprünglichen Kreatur befreien. Wir sind kreativ, aber wir sind nicht alle so ursprünglich. Und das ist in Ordnung. Die Moderne für die Massen Was ist dann aber Kreation? In der Welt der Künste und des Designs herrscht generelles Einverständnis darüber, dass man “originell” sein müsse. Die Originalität eines Designers drückt sich in seinem persönlichen Stil aus, der wiederum in der Form einmaliger Objekte sichtbar wird. Dieses Verständnis galt allerdings nicht immer. Nach dem Modell des Bauhauses – einem Modell, das kennzeichnend war für die Entwicklung des Designs im 20. Jahrhundert – war ein Designer eine Art Kunsthandwerker, der den Dingen nicht so sehr etwas hinzufügte als vielmehr etwas wegnahm. So wie Michelangelo meinte, der Engel müsse aus dem Marmor befreit werden, so reduzierte der Entwerfer oder Gestalter ein Objekt auf seine elementarste funktionale Form. Der technische Fortschritt ermöglichte die Massenproduktion und die massenhafte Verbreitung von Produkten. Das markierte den Triumph der Moderne, die ja das Leben verbessern wollte, indem sie die Menschen mit schönen und schön gestalteten Objekten konfrontierte. Damit wurde zum ersten Mal in der Geschichte der Menschheit eine Denkweise in der Form

Wir zerreissen, rauben, verbrennen, zerschneiden und kleben, wir produzieren und reproduzieren zum Ruhm der IDEE.

Wir sind Kopien von Kopien Wir sind kreativ, aber wir sind nicht alle so ursprünglich.

087

Reproduktion ist die Essenz erfolgreichen Designs.

Tschüss, Ideen—

Hallo Stil!

Die ganze Welt ist von Bildern verseucht.

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massenhaft produzierbarer materieller Gegenstände sichtbar. Das ist der große Unterschied zwischen Kunst und Design: “In der Kunst werden Bilder produziert, um die Ewigkeit durch deren Bewahren herauszufordern. Im Design werden Bilder produziert, um die Ewigkeit durch deren ständige Reproduktion zu leugnen.” Das Ende der Geschichte der Moderne ist bekannt. All die wunderbaren Gispen-Möbel, all die Olivetti-Schreibmaschinen und Wim-Crouwel-Firmenlogos schafften es nicht, die Welt zu einem besseren Ort machen. Allenfalls gelang es ihnen, sie für einige wenige zu einem schöneren Ort zu machen, aber darüber möchte ich hier nicht sprechen. Was dem Design in der Epoche der Moderne wirklich gelang ist das Hervorbringen eines neuen Typs Verbraucher. Dieser Verbraucher ist nicht zufrieden mit einer Maschine, die einfach nur tut, was sie tun soll; er will Maschinen und Objekte, die ihm dazu dienen, sich von anderen abzuheben. Symbolische Produktion ist der primäre Mehrwert heutigen Designs. Da symbolische Produktion ohne Stil nichts ist, ist Stil alles. Aber wenn Stil alles ist und alles eine Frage des Stils ist, was ist dann die Bedeutung von Design? Alles ist iPod: Die Stil-Ökonomie In unserer heutigen DesignKultur wird von Designern erwartet, dass sie Icons liefern, mit denen das Publikum sich identifizieren kann. Erkennbarkeit ist das magische

Wort: Alles geht den Weg des iPod. International erlebt die Kreativindustrie einen massiven Rummel; junge Designer sind zunehmend versucht, dem großen Geld hinterherzujagen. Und das passiert nicht allein auf dem Feld des kommerziellen Designs. Der gleiche Mechanismus kommt zunehmend auch auf dem eher avantgardistischen Sektor in Gang. Um sich sichtbar zu machen, muss man sich für einen Stil entscheiden, vorzugsweise so bald wie möglich nach Studienabschluss. Designer positionieren sich in Relation zueinander. Tschüss, Ideen – Hallo, Stil. Eine unentdeckte Nische in der internationalen Stil-Ökonomie kann eine Goldmine bedeuten. Wenn jemand umgekehrt keinen erkennbaren Stil hat, dann bedeutet das häufig die Verbannung – freiwillig oder nicht – in die Wüste der Design-Demenz: Sein Werk wird nicht reproduziert. Und Reproduktion ist die Essenz erfolgreichen Designs.

über ästhetische Fragen nachdenken sollten oder dass Geschmack keine Rolle mehr spielen sollte, aber lasst uns doch um Gottes willen aus unserer Position als selbsternannte Botschafter des Neuen ausbrechen. Die ganze Welt ist von Bildern verseucht. Wir zerreißen, rauben, verbrennen, zerschneiden und kleben, wir produzieren und reproduzieren zum Ruhm der IDEE. Was zählt, ist allein die Frage: “Hat es denn irgendwie Stil?”

Darin lauert eine große Gefahr. Was geschieht mit dem Design als kritischem Katalysator in der Öffentlichkeit? Was wird das Schicksal großer Ideen, großartiger Gestaltungen sein, wenn wir summarisch nach unserer Entscheidung für diesen oder jenen Stil beurteilt werden? Das Design muss sich aus der Zwangsjacke des Stils befreien und seinen Status als eine Art der Betrachtung der Welt zurückgewinnen. Ich plädiere für eine radikale StilLosigkeit. Damit will ich nicht sagen, dass wir nicht mehr 089

STIL IST EIN PRODUKT

090

Der ultimative Test: Sind Sie stylish? Michael Erlhoff

Antworten Sie spontan, und zählen Sie am Ende Ihre Punkte zusammen. Pro Frage ist nur eine Antwort zulässig.

1. Sie

2. Sie bevorzugen

a) b) c) d)

a) b) c) d)

fahren ein Auto fahren ein Motorrad benutzen ein Fahrrad fahren mit dem Zug oder mit dem Taxi.

Zigarrenraucher Nichtraucher Zigarettenraucher Antiraucher.

3. Sie haben gelesen

4. Sie essen häufig

a) b) c) d)

a) b) c) d)

Harry Potter The Tempest (Shakespeares “Sturm”) Faust II Finnegan´s Wake.

Kartoffelbrei Pommes frites gekochte Kartoffeln Kartoffelgratin.

5. Sie trinken

6. Sie kennen die Produkte von

a) b) c) d)

a) b) c) d)

Pinot noir Shiraz Merlot Pinotage.

Philippe Starck Ettore Sottsass Luigi Colani Dieter Rams.

7. Sie verbringen Ihren Urlaub

8. Sie lieben

a) b) c) d)

a) b) c) d)

auf Mallorca in Miami in Binz in Knokke.

Haustiere Menschen Pflanzen Produkte.

9. Sie hören die Musik von

10. Sie vergleichen sich mit

a) b) c) d)

a) b) c) d)

Erik Satie Charles Ives John Cage Arnold Schönberg.

Feuer Erde Luft Wasser.

Auswertung: Weniger als 40 Punkte: Sie sind ein ziemlich bürgerlicher Typ. 41 bis 60 Punkte: Sie sind uncool. / 61 bis 79 Punkte: Sie sind cool. / 80 Punkte und mehr: Sie sind stylish. BewertunG 091

1. a=0, b=5, c=3, d=10 3. a=0, b=6, c=9, d=10 5. a=10, b=6, c=2, d=4 7. a=0, b=0, c=2, d=1 9. a=10, b=10, c=10, d=10

2. a=10, b=7, c=7, d=10 4. a=2, b= 0, c =10, d=5 6. a=1, b=10, c=0, d=8 8. a=0, b=10, c=2, d=1 10. a=3, b=0, c=7, d=10

Stil als grausames Phänomen

Peter Lunenfeld

Denn Stil, egal wie er zirkuliert, wird von der grossen Menge als etwas verstanden, das gewisse Leute haben und die meisten nicht haben.

092

Am Beginn des 21. Jahrhunderts manifestiert sich der Triumph des Designs am deutlichsten im reichen Vorhandensein von Stil. Angesichts der Eitelkeit der Menschen ist das eine gute Nachricht für alle, die im und rund um das Design arbeiten. Dabei ignorieren wir gerne, dass wir in einer unterschwellig von Grausamkeit definierten Umgebung operieren, wenn der Stil – im Gegensatz zu Funktion, Organisation, Erfindung oder irgendeinem andern Attribut von Design – triumphiert. Denn Stil, egal wie er zirkuliert, wird von der großen Menge als etwas verstanden, das gewisse Leute haben und die meisten nicht haben. Stil ist ein abgrenzendes Phänomen, ein Modus, durch den sich la mode bestimmen lässt. Auch wenn wir gelegentlich vom “zeitlosen” Stil sprechen, ist Stil meist sowohl zeitlich als auch räumlich gebunden, und sein gnadenloses Rotieren ist genauso Ursache wie auch Wirkung der Wunschmaschinen des Lifestyle-Kapitalismus. Das soll nicht heißen, dass wir die Grausamkeit des Phänomens allein dem Kapital anlasten können. Geld kann Stil kaufen und tut das häufig, aber auch die Straße zeigt eine schicke Aufgeblasenheit. Ob angeboren, mit Mühe erlernt oder von der Stange gekauft, der Besitz von Stil etabliert Hierarchien ebenso sicher wie der Erwerb irgendeiner anderen Form von Macht. Allerdings ist Stil als nicht zu quantifizierende Gestalt labiler als monetäre, politische oder auch physische Macht.

Diese Labilität erzeugt Unsicherheit, die sich als Grausamkeit manifestiert. Von den verächtlichen Bemerkungen auf dem Schulhof über das samtene Absperrseil am Eingang zu einem Tanzclub bis zu den diskret verpackten Gehässigkeiten bei DinnerVeranstaltungen der High Society – die elegante Welt braucht ihre Opfer. Die “feinen Leute” sind eher grausam als gewalttätig, denn Stil ist ebenso sehr ein psychischer Zustand wie eine physische Präsenz. Stil kann zweifellos Schönheit in unsere Welt bringen, und für diejenigen, die Stil als ein Mittel zur – zumindest momentanen – Überwindung ihrer eigenen Machtlosigkeit kreieren, kann er befreiend sein. Aber in unserem Zeitalter der Just-in-time-Produktion, des Desktop-Publishing, der Open-Source-Kultur, der World Wide Webs und der immer stärker vernetzten Systeme der Erschaffung, Promotion und Konsumierung von Design stellt sich doch die Frage, ob wir Stil wirklich als ein ultimatives Gut betrachten wollen. Vielleicht kann das Do-it-yourself unsere Rettung sein: Das produktive Ethos der Selbstmacher könnte die verbreitete Überzeugung von der Grausamkeit des Phänomens Stil abschwächen. Wenn wir unsere eingefahrenen Vorstellungen ändern, könnte uns das in eine Zukunft führen, in der wir Stil dazu nutzen, provokative Formen der Einbeziehung anstelle des Ausschlusses zu erschaffen.

in unserem Zeitalter der Just-in-timeProduktion, des Desktop-Publishing, der Open-SourceKultur, der World Wide Webs und der immer stärker vernetzten Systeme der Erschaffung, Promotion und Konsumierung von Design stellt sich doch die Frage, ob wir Stil wirklich als ein ultimatives Gut betrachten wollen.

Stil ist ein abgrenzendes Phänomen

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Das Mobiltelefon als Gesamtkunstwerk oder:

Wie ist Stil in die Verbraucherelektronik gekommen?

Lev Manovich

Schnittstellen werden Erlebnisse.

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Die iPods der Firma Apple, die Laptops von Sony, die Telefone von Samsung... Der Wettbewerb unter den Herstellern von Verbraucherelektronik findet heute auf dem Feld des Stils statt und nicht nur auf dem der Features. Die großen Hersteller von Mobiltelefonen co-branden ihre Produkte bereits mit bekannten Mode-Labels (ein Beispiel ist das Anfang 2007 eingeführte LG Prada-Phone). Heute ist das in der Regel mit geringfügigen Veränderungen der Produktoberfläche verbunden; meiner Ansicht nach werden wir aber schon in wenigen Jahren sehen, dass die Mode in das “Innenleben des Produkts” vordringt – womit die Schnittstellen von ihrem Disneyund Cartoon-Look (wie er mit der mit OS X freigegebenen Aqua-Schnittstelle von Apple aufkam) abrücken und ein wirklich durchdachtes, sensuelles und “erwachsenes” Stadium erreichen dürften. Im Editorial von Business Week Online vom Juli 2005 hieß es: “Wenn in den 1990er-Jahren von Innovation die Rede war, dann bezog sich das ganz klar auf die Technologie. Wenn die Leute heute über Innovation sprechen, meinen sie eher das Design.” Wie ist Stil in die Verbraucherelektronik gekommen? In ihrem 1989 veröffentlichten Buch “Experience Economy: Work Is Theatre & Every Business a Stage” sprechen Joseph Pine und James H. Gilmore von einem neuen Stadium der Verbraucherökonomie, in dem der Schlüssel zur erfolgreichen Geschäftstätigkeit in der Erlebnisinszenierung liegt, während die vorausgegangenen

Stadien sich zunächst noch auf die Produkte selbst und später auf Dienstleistungen konzentriert hatten. In diesem Zusammenhang stellen die Autoren fest: “Geschäftszweige, die sich selbst in die schwindende Welt der Waren und Dienstleistungen verweisen, werden irgendwann irrelevant. Um diesem Schicksal zu entgehen, muss man lernen, ein umfassendes und überzeugendes Erlebnis zu inszenieren.” Und wie macht man aus der Verwendung eines Produkts ein Erlebnis? Für Pine und Gilmore führt der direkteste Weg zur Steigerung des Erlebnispotenzials eines Produkts über die Hinzufügung eines Elements, das der sensorischen Interaktion des Kunden mit diesem Produkt neue Möglichkeiten eröffnet. Die noch im 20. Jahrhundert erfolgte Ästhetisierung von Hardware-Design und Benutzerschnittstellen der Produkte der Verbraucherelektronik entspricht der Analyse in “Experience Economy.” Die Interaktion mit den elektronischen Kleingeräten wandelte sich zum persönlichen Erlebnis. Tatsächlich können wir sagen, dass die drei Stadien der Entwicklung von Benutzer-Schnittstellen – der Befehlszeilenschnittstellen, der GUI-Schnittstellen der 1980erund 1990er-Jahre und der neuen sensuellen und Entertainmentorientierten Schnittstellen der Ära nach OS X – sich den drei historischen Stadien der Verbraucherökonomie insgesamt – dem Stadium der Waren, dem Stadium der Dienstleistungen, dem Stadium der Erlebnisinszenierung

– zuordnen lassen. Die Befehlszeilenschnittstellen “liefern die Waren”, das heißt sie fokussieren allein auf Funktionalität und Nutzen. Die GUI – die grafischen Benutzeroberflächen – fügen den Schnittstellen “Dienstleistungen” hinzu, und im darauffolgenden Stadium werden die Schnittstellen zu “Erlebnissen”. Das Konzept der “Erlebnisökonomie” erklärt auch, dass und wie die physische Interaktion mit diesen elektronischen Kleingeräten (anders als deren äußere Formen und Bildschirmschnittstellen) ebenfalls in das Stadium der Inszenierung eines umfassenden sensorischen und häufig verführerischen Erlebens überführt wurde. Um die Mitte des ersten Jahrzehnts des 21. Jahrhunderts wandelten sich die einfachen Verrichtungen – das Aufklappen eines Mobiltelefons oder das Bedienen seiner Tasten – zu Mikro-Spielen, das heißt zu kurzen, mit visuellen, taktilen und räumlichen Effekten angereicherten narrativen Sequenzen. Und so wird das Bedienen eines Telefons wie des LG Chocolate (LG VX-8600; 2005 eingeführt) zu einem regelrechten Gesamtkunstwerk, das drei Sinne – den Sehsinn, den Hörsinn und den Tastsinn – unmittelbar in Dienst nimmt und einen vierten – den Geschmackssinn – über den Namen des Telefons (chocolate) und seine Farbe aufruft. Das Telefon liefert nicht nur – in der Startphase – Animation und Sound, sondern in der Endphase auch Vibration. 095

das Bedienen eines Telefons wie des LG Chocolate (LG VX-8600; 2005 eingeführt) wird zu einem regelrechten Gesamtkunstwerk. 096

die neuen sensuellen und Entertainmentorientierten Schnittstellen

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Visuelle Macht: Die Bilderblase Koert van Mensvoort 098

Als Kind glaubte ich, dass die Leute, die ich im Fernsehen sah, wirklich da drin in dem Kasten sässen.

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Ein Interviewer fragte Pablo Picasso einmal, warum er Menschen nicht so male, wie sie wirklich aussehen. Picasso wollte wissen, was er damit meine. Der Mann zog ein Foto aus der Tasche und sagte: “Das ist meine Frau.” Picasso erwiderte erstaunt: “Aber Ihre Frau ist sehr klein und flach, nicht wahr?” Wir alle sind heute Tag für Tag mit mehr Bildern konfrontiert als ein Mensch im Mittelalter in seinem ganzen Leben zu sehen bekam. Wenn

man eine hundert Jahre alte Zeitung aufschlägt, wundert man sich über die Menge an Text und das komplette Fehlen von Bildern. Wie anders sind die Dinge heute: In der Sekunde der Geburt ihres Kindes, das noch von der Käseschmiere bedeckt, nackt und nicht gewaschen ist, sind die Eltern bereits mit der Digitalkamera zu Gang, um ein Bild von ihm zu machen. Und selbstverständlich wollen die ganze Familie und der Rest der Welt

es sehen. Bilder nehmen einen immer wichtigeren Platz in der Kommunikation und Vermittlung von Informationen ein. Immer häufiger wird ein Bild in wichtigen Fragen zum entscheidenden Faktor. Provokative Logos, Stile und Icons sollen uns glauben machen, dass wir einer dem anderen verbunden sind oder dass einer sich vom

anderen unterscheidet. Als Kind glaubte ich, dass die Leute, die ich im Fernsehen sah, wirklich da drin in dem Kasten säßen. Ich fragte mich, wo sie wohl hingingen, wenn ich das Gerät ausschaltete. Irgendwo in meinem Innern habe ich noch immer das Gefühl, dass es dem Fernsehapparat wehtut, ausgeschaltet zu werden. Die

Interaktivität zwischen den Menschen ist zu einer Interaktivität der Bildschirme geworden. Wir sind visuelle Kreaturen, die zwischen Bildschichten leben. Jedes Schulkind muss sich entscheiden, ob es ein Skater, ein Sportprotz, ein Snob oder was immer sein will. Sich nackt auf den Schulweg zu machen ist keine Option.

Aber egal für welche Hose du dich entscheidest, sie ist unweigerlich ein Medium sozialer Kommunikation. Deine Hose wird als Aussage gelesen, die deine Klassenkameraden dazu nützen, dich in eine Schablone

Je sichtbarer etwas ist, desto realer ist es.

Bilder nehmen einen immer wichtigeren Platz in der Kommunikation und vermittlung von Informationen ein. Immer häufiger wird ein Bild in wichtigen Fragen zum entscheidenden Faktor. 101

102 SKYSCREEN (www.nextnature.net/research/?p=1180)

Die Interaktivität zwischen den Menschen ist zu einer Interaktivität der Bildschirme geworden. Wir sind visuelle Kreaturen, die zwischen Bildschichten leben.

Wir haben gesehen, dass Bilder die Realität nicht nur repräsentieren, sondern sie auch bestimmen; sie sind oft realer als real. zu pressen. Ich erinnere mich an das merkwürdige Gefühl des Wiedererkennens, das ich bei meinem ersten Besuch in Paris beim Anblick des Eiffelturmes hatte. Da stand er, ganz und gar wirklich! Es war, als ob ich einen Cousin wieder getroffen hätte, den ich lange nicht gesehen hatte. Natürlich macht man ein Foto, um zu zeigen, dass man dort war: “Ich und der Eiffelturm.” Tausende machen jedes Jahr das gleiche Foto. Jeder Architekt träumt davon, eine solche Ikone zu entwerfen. Außergewöhnliche Architektur wird häufig mit Preisen bedacht, noch bevor das Gebäude überhaupt fertiggestellt ist. Seine ikonische Qualität wird anhand von Computermodellen erkennbar. “Das moderne Leben inmitten visueller Medien sorgt dafür, dass jeder Mensch und jedes Ding keinen größeren Wunsch hat als sichtbar zu sein (Winkel, 2006). Je sichtbarer etwas ist, desto realer ist es, desto authentischer (Oosterling, 2003). Man könnte meinen, dass diese Überfülle von Bildern uns ertrinken lässt. Es ist inzwischen schwierig zu leugnen, dass wir von einer Art visuellem Unrat umgeben sind, und doch bleibt unser Hunger nach mehr ungestillt. Wir Menschen sind schließlich extrem visuelle Wesen. Von den Höhlenmalereien bis zum Computer – das sichtbare Bild hat es uns ermöglicht, die Welt

um uns herum zu beschreiben, zu klassifizieren, zu ordnen, zu analysieren und schließlich immer besser zu verstehen (Bright, 2000). Erinnert sich irgend jemand noch an die Zeiten, da ein Computer ein komplizierter Apparat war, der nur unter Zuhilfenahme obskurer Befehle von hoch spezialisierten Experten bedient werden konnte? Erst mit der Einführung der grafischen Benutzeroberflächen wurden Computer wirklich zu alltäglichen Geräten; plötzlich konnte sie jeder benutzen. Auf der ganzen Welt arbeiten Menschen aus den verschiedensten Kulturen mit den gleichen Icons, Ordnern, Buttons und Papierkörben. Der Erfolg des PC verdankt sich weniger den netten Bildern als vielmehr der Metapher, welche die Maschine so “zugänglich” macht: Das Desktop als Version des altmodischen Schreibtischs. Das führt uns zu einem gewichtigen Unterschied zwischen Bildern und Bildern (es ist in der Tat lästig, dass wir das gleiche Wort für zwei verschiedene Dinge verwenden): Einerseits gibt es Bilder, die wir mit unseren Augen sehen. Andererseits gibt es mentale Bilder, die wir im Kopf haben – Bilder wie in “Ich versuche, mir ein Bild davon zu machen.” Zunehmend kommt uns zum Bewusstsein, dass “Denken” ganz

wesentlich mit dem sensorischen Erleben zusammenhängt. In ihrem Buch “Metaphors We Live By” führen die Forscher Lakoff und Johnson aus, dass das menschliche Denken in einer fundamental metaphorischen Weise vor sich geht (Lakoff & Johnson, 1980). Metaphern ermöglichen es uns, physische und soziale Erfahrungen zum Verständnis unzähliger anderer Themen heranzuziehen. Die Welt, in der wir leben, ist so abstrakt geworden, dass wir ständig auf der Suche nach Bildern und Erfahrungen sind, die uns zeigen, wie wir die Dinge zu sehen haben. Politiker sprechen in eindeutigen Soundbites. Sportschuhhersteller verkaufen nicht Schuhe, sondern Image. Thoraxchirurgen streifen dank der an ihrem Kopf befestigten Displays, die ihnen eine virtuelle Realität zeigen, durch die Lungen ihrer Patienten wie Ranger durch die Wälder. Wir haben gesehen, dass Bilder die Realität nicht nur repräsentieren, sondern sie auch bestimmen; sie sind oft realer als real. Das Außergewöhnliche an der visuellen Kultur ist nicht die Zahl der Bilder, die wir produzieren, sondern unser großes Bedürfnis, alles zu visualisieren, was möglicherweise wichtig sein könnte. Visualisierungen sind ein unerlässlicher Teil unseres Bedeutung schaffenden Systems.

Ohne Visualisierung keine Realität.

Wir Menschen sind schliesslich extrem visuelle wesen. 105

Il est temps de libérer le visuel de toutes les revendications et les attentes qui pèsent sur lui. Il est temps de renoncer à se battre pour la propriété intellectuelle. Copiez-collez, insérez et recyclez, réinventez les images.

` Innovation platform

FRANCAIS Französisch francès French Frencisce Faransikan Fransk franzés francuski Fransızca francese FRANCAIS Französisch francès French Style First Style First Style First Style First Style First Styl Frencisce Faransikan Fransk franzés francuski Fransızca francese FRANCAIS Französisch francès French Frencisce Faransikan Fransk franzés First Style First Style First Style First Style First Style Firs francuski Fransızca francese FRANCAIS Französisch francès French Frencisce Faransikan Fransk franzés francuski Fransızca francese FRANCAIS Style First Style First Style First Style First Style First Styl Französisch francès French Frencisce Faransikan Fransk franzés francuski Fransızca francese FRANCAIS Französisch francès French Frencisce First Style First Style First Style First Style First Style Firs Faransikan Fransk franzés francuski Fransızca francese FRANCAIS Französisch francès French Frencisce Faransikan Fransk franzés francuski Style First Style First Style First Style First 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S I A Ç N A FR

L’avenir

du style

Dialogue entre Mieke Gerritzen et Chantal Prod’Hom

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Style First Chantal Prod’Hom: J’aimerais commencer par le titre, Style First. Il me paraît provocateur, dans la mesure où on peut considérer que le style vient en dernier, une fois que tout a été exprimé, produit, décidé et créé. Vous ressentez probablement cette notion différemment, mais dans son acception courante, le mot « style » (peut-être plus en français qu’en anglais ou en hollandais) peut se limiter à une sorte de couche supplémentaire posée en dernier, comme une « touche finale », une décoration, un vernis, apportant une valeur ajoutée en termes de forme, de perfection et d’attrait publicitaire. Perçu dans ce sens, un style va probablement suivre les tendances de la mode et risque d’être rapidement « démodé », uniquement en raison du temps qui passe. Quel est votre sentiment à cet égard?

Mieke Gerritzen: De nos jours, le style équivaut à produire une atmosphère sociale. Elle peut être esthétique, commerciale, culturelle ou identitaire, traduire une émotion ou une expérience, ou encore générer un désir. Le style peut sembler être la « touche finale » mettant un terme au processus de création, mais en réalité, je pense qu’à notre époque post-numérique, il va se retrouver, conceptuellement parlant, au début de ce processus. Le style est une stratégie avancée, la valeur esthétique vient après.

Le style est une stratégie avancée, la valeur esthétique vient après. 112

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Le principal produit de l’industrie créative est désormais le style. 1

dans le futur. Pour produire du style, il faut poser des jalons et des règles et la qualité du style dépend des designers de logiciels qui les créent. Jusqu’à maintenant, peu de grands designers se sont consacrés au développement de logiciels pour créer des plateformes de création de style, si bien que la plupart sont produits par des sociétés monopolistiques. Résultat: le style est conçu par des techniciens et non par des designers, et le style que nous créons est trop universel. Pour ma part, je vois les systèmes et les stratégies derrière le style: les différences actuelles sont limitées à une base de données de possibilités standard qui génère tout à la fois la forme et la valeur. La démocratie en est à ses balbutiements en ce qui concerne le façonnement des objets et la production de la créativité. Les designers doivent davantage s’investir dans le développement de logiciels, afin de pouvoir donner une orientation à la qualité esthétique et conceptuelle. Des changements sont en train de se produire dans presque toutes les disciplines culturelles. Prenez par exemple ce qu’on appelle les « contenus générés par les utilisateurs » sur Internet: les gens sont activement impliqués dans la production de contenu, que ce soit par les

blogs2, les vidéoblogs3 ou d’autres produits en ligne. C’est désormais par ce média qu’ils travaillent ensemble et se forgent leurs idées et leurs visions. « Chacun de nous est un designer »4. Les gens aiment bien concevoir des choses eux-mêmes, et ils veulent le faire en ligne. IKEA a déjà un outil qui remporte un grand succès pour créer sa propre cuisine. Choisir, visualiser, imprimer et acheter, le tout en virtuel! Leur stratégie de vente est basée sur l’idée de la plateforme avec, pour slogan, « Design Your Own Life » (« Designez votre propre vie »), mais les possibilités de la plateforme sont bien sûr limitées par les produits qu’ils vendent. L’avenir de l’industrie du design ne réside pas dans le fait de concevoir des produits, mais des outils que les gens puissent utiliser pour créer leurs propres designs. Ils seront les livres de style du 21e siècle. Ce serait bien que l’architecte Rem Koolhaas et les designers de mode Viktor&Rolf, par exemple, se mettent eux aussi à développer des outils, car nous avons besoin de davantage d’anarchie et de vision créative dans le développement des logiciels pour créer des différences de style. La standardisation de la créativité n’en implique pas sa mort.

le style que nous créons est trop universel.

ÅÅÅÅÅÅÅÅÅÅÅÅÅÅÅÅÅÅÅÅÅÅÅÅÅÅÅÅÅÅÅÅÅÅÅÅÅÅÅ

Choisir, Visualiser, @ Imprimer et Acheter, @ Le tout en virtuel! @ @

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Le « design hollandais » est pour les touristes.

ÅÅÅ la production de ÅÅÅ Å style se standardise, Å

grâce aux mécanismes Ået systèmes que sontÅ ÅÅÅÅÅÅ les logiciels ÅÅÅÅÅÅ Chantal Prod’Hom: Vous avez repoussé les limites de ce que peut être le style lorsque vous avez demandé à des peintres chinois de reproduire certaines de vos œuvres [graphiques]. Je trouve fascinant ce jeu entre plusieurs approches, techniques, traditions et réalités de production, qui sont en fait autant de styles. Ce projet audacieux entre Amsterdam et la Chine donne naissance à un produit nouveau – différent, mais d’une certaine manière totalement standardisé par les outils utilisés par les peintres chinois. Pouvez-vous nous en dire plus sur ce projet?

Mieke Gerritzen: En ce moment, la Chine reproduit tout ce qui se fait en Occident, sans se soucier des droits d’auteur. En un sens, j’aime bien ça. J’aime leur manière de traiter nos valeurs culturelles et économiques de façon différente. Les usines de peinture chinoises marchent très bien. Elles reproduisent essentiellement des œuvres de peintres hollandais célèbres comme Van Gogh et Rembrandt. Les Chinois qui font cela en vivent. Ils se sont également mis aux répliques de produits de design hollandais, qui a lui aussi une longue tradition. Le « design hollandais » est pour les touristes. Le design hollandais du 21e siècle est multiculturel. Il y a en effet davantage de designers étrangers que hollandais qui étudient, vivent et travaillent dans notre pays. Mon travail est peutêtre associé au design hollandais traditionnel, mais il est entièrement consacré à la mondialisation. La Chine va changer notre conscience culturelle et historique. (vous trouverez toutes les notes à la page 159) 115

La Chine va changer

notre conscience

culturelle et historique.

Mon travail est entièrement consacré à la

mondialisation.

La démocratie

en est à ses balbutiements

en ce qui concerne le façonnement des objets et la production

de la créativité. La standardisation

de la créativité

n’en implique pas sa mort.

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Style et Identité Chantal Prod’Hom: Comment avez-vous réalisé que vous vous intéressiez au style? Et, vu que vous avez à mon avis un style bien à vous, comment l’avez-vous façonné et comment le décririez-vous?

Aujourd’hui, le langage de l’identité détermine notre culture visuelle.

Le pouvoir des images

interfère avec celui des mots. Mieke Gerritzen: Le réseau d’amis, d’organisations et de sociétés au sein duquel j’ai travaillé dans le passé a contribué à créer mon style visuel. Il a été façonné au fil du temps par les influences de l’environnement et du climat culturel dans lequel je baignais. Je ne me suis pas rendu compte que mon travail était reconnaissable avant que d’autres me le disent. Et quand je m’en suis aperçue, j’ai commencé à m’intéresser au phénomène de la reconnaissance. Certaines personnes disent de mon style qu’il est audacieux, coloré et typographique, alors que je n’ai jamais utilisé différentes polices de caractères et que je ne suis pas typographe. À vrai dire, la typographie ne m’intéresse pas beaucoup, sauf au sens plus large, comme langage universel.

La numérisation a ouvert la typographie à de nouvelles générations de langages visuels. L’éventail de ses applications est devenu plus éclectique. On la trouve sur des pages internet, des téléphones portables, des écrans urbains, dans des films et des jeux vidéo. Les gens sont de plus en plus conscients de l’omniprésence des signes. L’usage actuel de la typographie est une manière intéressante d’illustrer le fait que des icônes comme des portraits de George Bush et de Madonna sont des signes lisibles, au même titre que des mots composés à partir de lettres ou des logos familiers. Aujourd’hui, le langage de l’identité détermine notre culture visuelle. Nous pouvons lire des images et regarder des mots. « L’ubiquité du signe a incité les typographes à déclarer: “Le signe est partout”. » (Wikipedia). 117

Nous pouvons lire des images ´´ et regarder des mots.´´ Chantal Prod’Hom: Tout à fait d’accord. Le pouvoir – un mot avec lequel vous ne cessez de jouer pour provoquer – des images interfère avec celui des mots. Les images ont une dimension de compréhension universelle: tout le monde sait de quoi nous parlons, même si un portrait de Bush ou de Madonna peut avoir une « signification » soit

respectueuse et admirative, soit critique et subversive. Le style donne la réponse à cette question – ce que vous avez fait avant, dans quel contexte et au sein de quel réseau vous travaillez, quels mots ou quelles autres images vous associez à ces portraits. Personnellement, comment votre travail a-t-il évolué à partir du moment où vous avez pris conscience de cela?

Le style de vie est plus important qu’on ne le croit… Mieke Gerritzen: La partie la plus intéressante de ma carrière a commencé une fois que mon travail est devenu reconnaissable. Le style créait deux sphères totalement opposées, à savoir une atmosphère de commerce (esthétique de supermarché) et un climat de politique de gauche (activisme). J’ai développé une fascination pour la croissance économique. Les normes, les systèmes bureaucratiques et l’esthétique universelle, la manière qu’a le monde de vouloir se fondre en un seul et même style m’intéressent beaucoup.

Ce sont ces éléments qui ont fait de moi la designer que je suis maintenant: à la fois organisatrice, visualisatrice, inspiratrice, manager, éditrice, gestionnaire de réseaux informatiques, créatrice… et autre. Je me crée mes propres mandats et mes livres sont des projets que je mène en toute autonomie. Mon travail et ma vie privée ne font qu’un. Peut-être suis-je l’exemple suprême représentant quelqu’un qui a un « style de vie »? Le style de vie est plus important qu’on ne le croit… Il englobe la politique, la religion, l’économie et la culture.

Le style de vie est un reflet de la société, le résultat de décisions politiques et de solutions créatives et commerciales.

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´ ´ ´ ´ ´ ´ ´ ´ ´ ´ ´ ´ ´ ´ ´ ´ ´ ´ ´ ´ ´ ´ ´ ´ ´ ´ ´ ´ ´ ´ ´ ´ ´ ´ ´ ´ ´ ´ ´ ´ ´ ´ ´ ´ ´ ´ ´ ´ ´ ´ ´ ´

´´´´´´´´´´´´´´´´´´´´´´´´´´´´´´´´´´´´´´´´´´´´´´´´´ ´´´´´´´´´´´´´´´´´´´´´´´´´´´´´´´´´´´´´´´´´´´´´´´´´ ´´´´´´´´´´´´´´´´´´´´´´´´´´´´´´´´´´´´´´´´´´´´´´´´´ Chantal ´´´´´ ´ ´ ´ Prod’Hom: ´´´´´´´´´´´´´´´´´´´´´´´´´´´´´´´´´´´´´´´´´ Vos propos mettent évidence les´buts ´´´´´ ´´ ´´´ ´ ´ ´en ´´ ´´´´ ´´´´´´´´´´´´´´´´´´´´´´´´´´´´´ discutables de´la´mondialisation. ´´´´´ ´´´´´ ´ ´ ´ ´ ´ ´ ´Un ´´´´´´´´´´´´´´´´´´´´´´´´´´´´´´ seul style comme quelle ´´´´´ ´´ ´´ ´ ´ ´utopie: ´´´´ ´ ´attitude ´´´´´´´´´´´´´´´´´´´´´´´´´´´´´´´ terroriste! vie´»´ personnel ´´´´´ ´ ´ ´ ´Le ´ «´style ´ ´de ´´ ´´´´´´´´´´´´´´´´´´´´´´´´´´´´´´´´ est´certainement efficace ´´´´´ ´ ´ ´ ´ ´ ´une ´ ´manière ´´´´ ´´´´´´´´´´´´´´´´´´´´´´´´´´´´´´´ de´renverser de´pouvoir de´cette ´´´´´ ´ ´ ´ ´le´jeu ´´ ´´´´ ´´´´´´´´´´´´´´´´´´´´´´´´´´´´´´ bataille ´´´´´ ´ ´ ´identitaire. ´ ´ ´ ´ ´Je´crois ´ ´fermement ´´´´´´´´´´´´´´´´´´´´´´´´´´´´´´´´´ que c’est une question de´ survie. Vous ´´´´´ ´´ ´´ ´´ ´´´´ ´´´ ´´´´´´´´´´´´´´´´´´´´´´´´´´´´´´ êtes d’accord? ´´´´´ ´´ ´´´´´´´´´´´´´´´´´´´´´´´´´´´´´´´´´´´´´´´´´´ ´´´´´´´´´´´´´´´´´´´´´´´´´´´´´´´´´´´´´´´´´´´´´´´´´ Mieke Gerritzen: ´´´´´ ´´´ ´´´´´´´´´´´´´´´´´´´´´´´´´´´´´´´´´´´´´´´´´ Oui, pas ´´´´´ ´ ´si´ce´n’est ´ ´que ´ ´je´ne ´ crois ´´´ ´que ´´´´´´´´´´´´´´´´´´´´´´´´´´´´´´ « survie le ´ mot juste. vois pas´ ´ ´ ´ ´ ´ ´ ´ ´ ´ ´ ´ ´ ´ ´ ´ ´ ´ ´ ´ ´ ´ ´ ´ ´ ´ ´ ´ ´´´´´ ´ ´ ´»´soit ´´ ´´ ´ ´Je ´ne ´´ ´´ cela comme mais davantage ´´´´´ ´´ ´ ´ ´une ´ ´bataille, ´´´´ ´´ ´´´´´´´´´´´´´´´´´´´´´´´´´´´´´´´ comme ´´´´´ ´ ´ ´une ´ ´occasion ´ ´ ´ ´de´lancer ´ ´ ´une ´ ´nou´´´´´´´´´´´´´´´´´´´´´´´´´´´´´ velle ´´´´´ ´ ´pensée ´ ´ ´créative. ´´´´´´´´´´´´´´´´´´´´´´´´´´´´´´´´´´´´´´´ Rien stopper société capi´´´´´ ´ ´ne ´peut ´´´ ´ ´ ´notre ´´´ ´´´ ´´´´´´´´´´´´´´´´´´´´´´´´´´´´´ taliste, et´je´me quelles sortes de´ ´ ´ ´ ´ ´ ´ ´ ´ ´ ´ ´ ´ ´ ´ ´ ´ ´ ´ ´ ´ ´ ´ ´ ´ ´ ´ ´´´´´ ´´´ ´ demande ´´´´´ ´´´ ´´´ nouvelles Ce´qui ´´´´´ ´ ´ ´ ´réflexions ´ ´ ´ ´cela ´ ´implique. ´´´´´ ´´´´´´´´´´´´´´´´´´´´´´´´´´´´ m’intéresse, ´´´´´ ´ ´ ´ ´ ´c’est ´ ´quand ´ ´ ´les ´choses ´ ´ ´devien´´´´´´´´´´´´´´´´´´´´´´´´´´´´´´ nent la ´ ´ ´ ´ ´ ´ ´ ´ ´ ´ ´ ´ ´ ´ ´ ´ ´ ´ ´ ´ ´ ´ ´ ´ ´ ´ ´ ´´´´´ ´ ´incontrôlables ´ ´ ´ ´ ´ ´et ´que ´ ´la´culture ´ ´ ´ et ´´ société sont de´l’effondrement, ´´´´´ ´´´ ´ ´au´bord ´´´ ´´´´´´´´´´´´´´´´´´´´´´´´´´´´´´´´´´ parce ´´´´´ ´ ´que ´ ´cela ´ ´nous ´ ´oblige ´ ´ ´à´trouver ´ ´ ´des ´´´´´´´´´´´´´´´´´´´´´´´´´´´´´ idées et ´ que ´´´´´ ´ ´et´solutions ´ ´ ´ ´nouvelles ´´´´´ ´cela ´´´´´´´´´´´´´´´´´´´´´´´´´´´´´´ donne de´nouvelles pour ´´´´´ ´´´ ´ ´ ´ ´perspectives ´´´´´´ ´ ´le´ ´ ´ ´ ´ ´ ´ ´ ´ ´ ´ ´ ´ ´ ´ ´ ´ ´ ´ ´ ´ ´ ´ ´ ´ ´ ´ ´ design. exemple, un´système industriel ´´´´´ ´ ´ ´Par ´´ ´´´´ ´´´´ ´´´´´´´´´´´´´´´´´´´´´´´´´´´´´´ qui et´jette ´´´´´ ´ «´prend, ´ ´ ´fait ´´ ´ ´»5´peut ´ ´devenir ´´´´´´´´´´´´´´´´´´´´´´´´´´´´´´´ un´créateur de´biens et ´ de´services ´´´´´ ´´´´ ´´´ ´ ´ ´ et ´´´´´´´´´´´´´´´´´´´´´´´´´´´´´´ générer écologique, ´´´´´ ´ ´ ´une ´ ´valeur ´´´ ´ ´ ´ ´ ´sociale ´ ´ ´et´ ´ ´ ´ ´ ´ ´ ´ ´ ´ ´ ´ ´ ´ ´ ´ ´ ´ ´ ´ ´ ´ ´ ´ ´ ´ ´ ´ économique. Le´fossé ´´´´´ ´´´´´´ ´ ´toujours ´ ´ ´ ´grandissant ´´´´´´´´´´´´´´´´´´´´´´´´´´´´´´´ entre dans ´´´´´ ´ ´riches ´ ´ ´et´pauvres ´ ´ ´ explose ´´´´ ´ ´les ´´´´´´´´´´´´´´´´´´´´´´´´´´´´´ Chantal mégapoles du´Sud, les´ ´ ´ ´´´´´ ´ ´ ´ ´ d’Amérique ´´´´´´ ´ ´forçant ´´´´ ´ ´ ´Prod’Hom: ´´´´´´´´´´´´´´´´´´´´´ Et´si´ nous de´nos styles personnels? architectes à trouver de´nouvelles ´´´´´ ´´´´´ ´´´´ ´ ´ ´ ´solutions ´´´´´´ ´ ´parlions ´´´´ ´ ´« ´ ´ ´»´ ´´´´´´´´´ Pour que c’est la´ manière de´logement pour ´´´´´ ´ ´ ´ ´social ´ ´ ´et´d’équipements ´´´´´´´ ´´´´ ´ ´moi, ´ ´je´dirais ´´´ ´´ ´´ ´ ´ ´ dont ´´´´´´´´ je ´ travaille. Ma´façon les´quartiers (le´projet « Caracas ´´´´´ ´ ´ ´ ´pauvres ´´´´ ´´´ ´´´´´´´ ´´´´ ´ ´ ´de´regarder ´ ´ ´ ´les ´choses ´ ´ ´et ´´´´´´ les´gens, réagir, d’interagir, de´ collaborer, de´ ´ ´ ´ ´ Case ). ´ ´ ´ ´ ´ ´ ´ ´ ´ ´ ´ ´ ´ ´ ´ ´ ´ ´´´´´ ´ ´»6´ ´ ´ de ´´ ´´´ ´´´´´ ´´´´´ montrer, de´communiquer, de´ discuter, d’écrire Le´style vie´est reflet la ´ société, ´´´´´ ´ ´de ´´ ´ un ´´ ´ ´de ´´ ´´´´´´ ´´´´ ´´´´´´´ ´´´´ ´´´´´´´ et ´ de´parler. verbes décrivent actions le´ résultat politiques ´´´´´ ´ ´ ´de ´ décisions ´´´´´ ´ ´ ´ ´et´de ´´´´´ ´ ´ ´Tous ´ ´ces ´´ ´´´ ´ ´ ´ ´des ´´ ´´´´´´ différentes. Ensuite, solutions créatives et´ commerciales. ´´´´´ ´´´´ ´´´´ ´ ´ ´ ´ ´ ´Il´ ´ ´ ´ ´ ´´´´´ ´ ´ ´ leur ´ ´perception ´ ´ ´ ´ ´dépend ´´´´´´´´´ des´autres, leur manière les´recevoir et ´ les´ ´ ´ ´ ´ y´ a le´style vie´de ´´´´´ ´ ´de ´´ ´ masse ´ ´ ´et´le´style ´´´´´´´ ´ ´ ´de ´´ ´´ ´ ´ ´de ´´ ´´´´ ressentir. Il ´ me´semble avons de´vie personnel, exprimant ´´´´´ ´´ ´ ´ ´ ´ce ´dernier ´´´´ ´´´´´´´´ ´´´´ ´ ´ ´que ´ ´nous ´´´ ´ ´besoin ´ ´ ´de ´´´´´ cette fait, en´ce´moment l’individualité. phi´´´´´ ´ ´ ´ ´ ´ ´(Tout ´ ´ ´le´monde ´ ´ ´est ´´ ´´´´´ ´ ´dialectique. ´ ´ ´ ´ ´En ´´ ´´ ´ ´ ´ ´même, ´´´´´´´ nous peut-être en´train construire losophe. ) [Mieke Gerritzen allusion ´´´´´ ´´´´ ´´´´ ´ ´ ´ ´fait ´´ ´´´´´´ ´ ´sommes ´´´´ ´´´´ ´ ´ de ´´ ´ ´ ´ ´un ´´´´´ style en´échangeant à un livres ´´´´´ ´ ´de´ses ´´ ´ ´intitulé ´ ´ ´ “Everyone ´ ´ ´ ´ ´is´a´ ´ ´ ´ ´´ ´ ´ ´ ´ ´nos ´ ´pensées ´ ´ ´ et ´ nos ´ ´commen´´´´´´´´ taires le ´ style! Designer”.] ´´´´´ ´´´´´´´´´´´´´´´´´´´´ ´ ´sur ´´ ´´´´´´´´´´´´´´´´´´´ ´´´´´´´´´´´´´´´´´´´´´´´´´´´´´´´´´´´´´´´´´´´´´´´´´ ´´´´´´´´´´´´´´´´´´´´´´´´´´´´´´´´´´´´´´´´´´´´´´´´´ ´´´´´´´´´´´´´´´´´´´´´´´´´´´´´´´´´´´´´´´´´´´´´´´´´

Un seul

style

comme utopie: quelle attitude terroriste! ´´´´´´´

3

Style et Institutions

Le musée n’est plus une illusion de la réalité, c’est la réalité qui est devenue un musée

TRACY METZ

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Chantal Prod’Hom: En pensant au fait que c’est votre première exposition en solo dans un musée, j’ai trouvé une citation étonnante dans un de vos livres:

« Le musée n’est plus une illusion de la réalité, c’est la réalité qui est devenue un musée »7. Pouvez-vous l’expliciter?

Mieke Gerritzen: Pour moi, le musée en tant qu’institution est un lieu étrange. J’ai parfois du mal à comprendre quel est son but exact. Maintenant que nous avons Internet et que l’expression créative prend place dans le monde virtuel, les choses deviennent confuses. Les musées sont des espaces physiques et attendent des formes d’expression physiques. Leur définition est datée et je trouve qu’il faudrait en préciser

l’existence. Comment les musées se procurent-ils des œuvres récentes? Comment actualisent-ils leurs collections? Quelles relations entretiennent-ils avec la nouvelle génération créative d’artistes, de designers, de bloggers et de producteurs? Les styles, tendances, valeurs, objets et produits de design sont les témoins d’une société qui évolue très rapidement. Pensez-vous par exemple que votre musée a un style bien à lui?

´´´´´´´´´´´´´´´´´ Chantal Prod’Hom: Je suis contente d’avoir l’occasion de répondre à vos commentaires sévères sur les musées qui, je l’admets, soulèvent des questions fondamentales sur le rôle de ce type d’institutions. Lorsque j’ai pris la direction du mudac à son ouverture en 2000, nous avons non seulement changé de lieu, mais aussi de nom, le Musée des arts décoratifs de la Ville de Lausanne devenant le Musée de design et d’arts appliqués contemporains – mudac. Ce nom était beaucoup trop long, si bien que son acronyme s’est progressivement imposé et que plus personne aujourd’hui ne sait ce qu’il signifie. J’aime beaucoup cette idée d’identité ouverte, parce que j’ai toujours pensé qu’un musée était défini par ce qu’on pouvait voir et découvrir dans ses différentes salles, par le programme de ses expositions. Cela nous donne une grande marge de liberté, et en bientôt sept ans et plus de 50 expositions, nous avons créé un style qui nous est propre: ouvert, imprévisible, dédié à l’expression contemporaine de quelque domaine que ce soit, et consacré non uniquement à la forme, mais aussi à des sujets d’ordre social. Notre style est aussi unique, car

nous présentons des œuvres contemporaines dans un bâtiment du XVIIIe siècle, situé en face d’une cathédrale gothique qui est le bâtiment le plus célèbre et visité de la ville. De ce fait, je considère ce « style mudac » comme un chantier perpétuel: il évolue au fur et à mesure des expositions et des événements. J’ai entendu des visiteurs dire qu’ils aimaient ce musée parce qu’ils y découvraient des œuvres, des artistes et des designers sortant de l’ordinaire, des points de vue étranges, et qu’ils ne savent pas exactement ce qu’ils vont voir lorsqu’ils y entrent. En d’autres termes, l’existence de ce musée en particulier dépend entièrement de ce que nous estimons (subjectivement!) digne d’être montré, lorsque nous regardons ce que nous voyons autour de nous, dans la société et, bien sûr, dans la création contemporaines, et y réagissons. Par ailleurs, je suis convaincue que la relation physique que peut avoir un visiteur face à une œuvre réelle a toujours un sens et que les musées ont encore un rôle important à jouer dans la société, comme complément au monde virtuel, comme un style en soi.

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hé, les médias, le mythe, l’Homme, le marché, les médias, le mythe, l’Homme, le marché, les médias, le mythe, l’Homme, le marché, les médias, le mythe, l’Homme, le marché, les médiasa,m ythe, l’Homme, le marché, les médias, le mythe, l’Homme, le marché, les médias, le mythe, l’Homme, le marché, les médias, le mythe, l’Homme, le marché, les médias, le mythe, l’Homme, lel hé, les médias, le mythe, l’Homme, le marché, les médias, le mythe, l’Homme, le marché, les médias, le mythe, l’Homme, le marché, les médias, le mythe, l’Homme, le marché, les médiasa,m ythe, l’Homme, le marché, les médias, le mythe, l’Homme, le marché, les médias, le mythe, l’Homme, le marché, les médias, le mythe, l’Homme, le marché, les médias, le mythe, l’Homme, lel hé, les médias, le mythe, l’Homme, le marché, les médias, le mythe, l’Homme, le marché, les médias, le mythe, l’Homme, le marché, les médias, le mythe, l’Homme, le marché, les médiasa,m ythe, l’Homme, le marché, les médias, le mythe, l’Homme, le marché, 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l’Homme, le marché, les médias, le mythe, l’Homme, le marché, les médias, le mythe, l’Homme, le marché, les médias, le mythe, l’Homme, le marché, les médiasa,m ythe, l’Homme, le marché, les médias, le mythe, l’Homme, le marché, les médias, le mythe, l’Homme, le marché, les médias, le mythe, l’Homme, le marché, les médias, le mythe, l’Homme, lel hé, les médias, le mythe, l’Homme, le marché, les médias, le mythe, l’Homme, le marché, les médias, le mythe, l’Homme, le marché, les médias, le mythe, l’Homme, le marché, les médiasa,m ythe, l’Homme, le marché, les médias, le mythe, l’Homme, le marché, les médias, le mythe, l’Homme, le marché, les médias, le mythe, l’Homme, le marché, les médias, le mythe, l’Homme, lel hé, les médias, le mythe, l’Homme, le marché, les médias, le mythe, l’Homme, le marché, les médias, le mythe, l’Homme, le marché, les médias, le mythe, l’Homme, le marché, les médiasa,m ythe, l’Homme, le marché, les médias, le mythe, l’Homme, le marché, les médias, le mythe, 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mythe, l’Homme, le marché, les médias, le mythe, l’Homme, lel hé, les médias, le mythe, l’Homme, le marché, les médias, le mythe, l’Homme, le marché, les médias, le mythe, l’Homme, le marché, les médias, le mythe, l’Homme, le marché, les médiasam ythe, l’Homme, le marché, les médias, le mythe, l’Homme, le marché, les médias, le mythe, l’Homme, le marché, les médias, le mythe, l’Homme, le marché, les médias, le mythe, l’Homme, lel hé, les médias,le le mythe, l’Homme, le marché, les médias, le mythe, l’Homme, le marché, les médias, le mythe, l’Homme, le marché, les médias, le mythe, l’Homme, le marché, les médiasa,m fondamentalisme ythe, l’Homme, le marché, les médias, le mythe, l’Homme, le marché, les médias, le mythe, l’Homme, le marché, les médias, le mythe, l’Homme, le marché, les médias, le mythe, l’Homme, lel hé, les médias, le mythe, l’Homme, le marché, les médias, le mythe, l’Homme, le marché, les médias, le mythe, l’Homme, le marché, les médias, le mythe, l’Homme, le marché, les médiasa,m ythe, l’Homme, le marché, les médias, le mythe, l’Homme, le marché, les médias, le mythe, l’Homme, le marché, les médias, le mythe, l’Homme, le marché, les médias, le mythe, l’Homme, lel fondamentalisme hé, les médias,le le mythe, l’Homme, le marché, les médias, le mythe, l’Homme, le marché, les médias, le mythe, l’Homme, le marché, les médias, le mythe, l’Homme, le marché, les médiasa,m ythe, l’Homme, le marché, les médias, le mythe, l’Homme, le marché, les médias, le mythe, l’Homme, le marché, les médias, le mythe, l’Homme, le marché, les médias, le mythe, l’Homme, lel hé, les médias,S’excluant le mythe, l’Homme, le marché, les médias, le mythe, l’Homme, marché, les médias, le mythe, au l’Homme,niveau le marché, les médias, mythe, l’Homme, le marché, les médiasa,m l’un l’autre deleprime abord dulediscours, ythe, l’Homme,ils le marché, les médias, le mythe, l’Homme, le marché, les médias,un le mythe, l’Homme, le marché, les médias, lequi mythe, l’Homme, le marché, les médias, ont produit ensemble cercle vicieux ceinture le le mythe, l’Homme, lel hé, les médias,globe, le mythe, l’Homme, le marché, les médias, le mythe, l’Homme, le marché, les médias, le mythe, l’Homme, le marché, les médias, le mythe, l’Homme, le marché, les médiasam rendant peu à peu l’air irrespirable. ythe, l’Homme, le marché, les médias, le mythe, l’Homme, le marché, les médias, le mythe, l’Homme, le marché, les médias, le mythe, l’Homme, le marché, les médias, le mythe, l’Homme, lel hé, les médias, le mythe, l’Homme, le marché, les médias, le mythe, l’Homme, le marché, les médias, le mythe, l’Homme, le marché, les médias, le mythe, l’Homme, le marché, les médiasa,m ythe, l’Homme, le marché, les médias, le mythe, l’Homme, le marché, les médias, le mythe, l’Homme, le marché, les médias, le mythe, l’Homme, le marché, les médias, le mythe, l’Homme, lel

le mythe, l’Homme, le marché, les médias Le cercle vicieux des

P fondamentalismes P @@@ Henk Oosterling @@@

religieux des lumières du marché technologique

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La pensée fondamentaliste se nourrit des dichotomies qui polarisent le globe: ˚

l’Occident et le reste du monde.

Mais c’est au niveau du discours qu’est porté le premier coup contre la raison et les sentiments.

˚˚˚˚˚ ˚˚˚˚˚ ˚˚˚˚˚˚˚ ˚˚˚˚˚˚˚ ˚˚ ˚˚ ˚˚ ˚˚ ˚˚˚˚ ˚˚˚˚ ˚˚˚ ˚˚˚ ˚˚˚˚˚ ˚˚˚˚˚ ˚˚˚˚˚˚˚˚˚˚˚˚˚˚˚ ˚˚˚˚˚˚˚˚˚˚˚˚˚˚˚ ˚˚˚˚˚˚˚˚˚˚˚˚˚˚˚

2 (Extrait de Wikipedia, version anglaise, traduction libre) Le mouvement artistique De Stijl, aussi appelé néoplasticisme, est né en Hollande en 1917. Au sens étroit, il fait référence à une série d’œuvres créées par un groupe d’artistes hollandais entre 1917 et 1931. De Stijl, c’est aussi une revue publiée par le peintre et critique Theo van Doesburg qui diffusait les théories du groupe, dont faisaient notamment partie les peintres Piet Mondrian et Bart van der Leck ainsi que les architectes Gerrit Rietveld et J.J.P. Oud. Leur travail était fondé sur la philosophie artistique baptisée néoplasticisme – le nouvel art plastique (en hollandais: « Nieuwe Beelding »).

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Les tenants du mouvement De Stijl voulaient exprimer un nouvel idéal utopique d’harmonie et d’unité spirituelles. Ils préconisaient l’abstraction pure et l’universalité en réduisant à l’essentiel formes et couleurs, n’utilisant que des lignes verticales et horizontales, le noir, le blanc et les couleurs primaires.

De Stijl est considéré aujourd’hui encore comme l’une des plus importantes contributions hollandaises à l’art. Mais alors que ses partisans aspiraient à créer un style international, De Stijl est souvent taxé de mouvement typiquement hollandais.

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L’ABC de la production de style 2323232323232323232323

2323 Geert Lovink 2323 2323232323232323232323

It’s so you! 2323232323232323232323

232323 Le style 323232 2323232323232323232323 2323232323232323232323 est avant tout 2323232323232323232323 une question 2323232323232323232323 2323232323232323232323 d’instinct. 2323232323232323232323 (Bill Blass) 2323232323232323232323 2323232323232323232323

2323232323232323232323 2 Le style, une voix qui insiste.

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(Marie Darrieussecq)

Le style est ce que vous produisez au moment de la création. Ce n’est pas quelque chose que vous ajoutez après coup, une dernière touche que vous apporteriez une fois l’œuvre achevée. Le style n’est pas une discipline, mais une méthode, et il se pose en rival de l’art et du design. Autrefois empreint d’une connotation romantique, le style s’est affranchi du bon goût pour

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devenir un facteur économique. Nous devons cependant lutter en permanence contre l’association entre style et exclusivité et nous résoudre à admettre que le style est tout sauf une ineptie. Contrairement à l’art et au design, il n’est pas sous la coupe des élites; il est partout, sur la place du marché, dans les rues, les bars et les clubs, dans les magazines, et même sur Internet.

Le Style ne vient pas après coup

2323232323232323232323 Elle est loin, l’époque où nous pouvions nous permettre le luxe de débattre la question « Qu’estce que le style? ». Désormais, nous cherchons tous désespérément à sortir du lot. Comment trouver une signature individuelle dans cette culture où tout n’est que copie? Car nous devons en avoir une! Mais est-il possible d’adopter un style alors que le processus ne cesse d’évoluer? Pourquoi ne pas nous contenter de respecter et d’appliquer les règles de production artistique? Les fashionistas commencent à perdre patience. Faut-il vraiment chercher si loin? Ou devrions-nous plutôt laisser les choses suivre leur cours en espérant que, tôt ou tard, notre style finisse par nous tomber dessus? Devons-nous attendre et faire confiance au destin? Une chose est sûre: améliorer nos techniques ne

sera pas suffisant. Passée la période où l’auteur n’existe plus, les producteurs culturels subissent une pression croissante pour créer des propositions uniques de vente (USP). Vu sous l’angle de l’économie de l’attention, le style n’est plus une manière d’être que nous devons extérioriser. L’expression de soi ne suffit pas. Nous devons faire de la recherche pure. Le style est devenu une identité au sens le plus élémentaire et répressif du terme, à savoir que les autorités et leurs machines peuvent identifier chacun d’entre nous. Il s’est donc distancié de ce qui était autrefois considéré comme le Moi. Le style n’est pas l’homme même. Ni vrai ni faux, il apparaît comme le résultat d’un choix. C’est de la pure auto-médiation: on sélectionne la catégorie, puis le produit recyclé.

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2323232323232323232323 Le Style apparaît comme le résultat d’un choix.

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Autrefois empreint d’une connotation romantique, le style s’est affranchi du bon goût pour devenir un facteur économique.

2323232323232323232323 Comment trouver une signature individuelle dans cette culture où tout n’est que copie?

Les fashionistas commencent à perdre patience.

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La beauté et la séduction doivent envoyer des ondes de choc

2323232323232323232323 Inutile de dire que le style manque de substance, même si d’aucuns s’évertuent encore à unifier la forme et le fond. Le style est fondamentalement en déséquilibre et produit de l’énergie de friction. La beauté et la séduction doivent envoyer des ondes de choc, sans quoi

ne restera plus que l’ennui. Il ne faut pas perdre de vue qu’il existe une multitude de styles. Les formes peuvent être robustes, génératrices d’ambiance, conceptuelles au point d’être invisibles, ou alors transmettre une image porteuse d’informations.

est-il possible

d’adopter un style

alors que le processus

ne cesse d’évoluer?

2323232323232323232323 Une fois intégré dans la société, le style n’est plus qu’une catégorie générale et abstraite, tout au plus un principe organisationnel, une méthode universelle, mais qui est souvent en veilleuse. Si l’on regarde en arrière, il a laissé passer mille et une chances de s’enrichir au contact d’autres éléments, si bien que son

potentiel ne peut jamais être surestimé. La crainte d’une liaison dangereuse entre la politique et l’esthétique s’est révélée être une singularité de l’histoire. Dans notre société de spectacle, la politique, de quelque couleur qu’elle soit, a accès à toute forme d’expression.

Le style supplante la culture. Il l’emporte même sur la banale rivalité entre riches et pauvres, ce qui prouve bien sa supériorité. Il vient du peuple. Il n’est ni bourgeois rétro ni subcul-

turel. L’ordinaire et l’élégance ne sont plus des notions contradictoires. Après la démocratisation de la grandeur, l’élite n’a plus grand chose pour se distinguer (pas même l’argent).

Dans la vie, tout est une question de style. À l’époque de l’Esthétique, nous ne devons pas nous attacher.

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232323232323 23 Le style 23 23 est une 23 methode universelle 232323232323 23 Le style 23 23 est un 23

principe organisationnel

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Le Style n’est pas

sous la coupe

des élites

Pourquoi porter du Issey Miyake? Uta Brandes Pour le style, bien sûr, et pour l’élégance. Mais encore: Issey Miyake est léger. Issey Miyake est tout en plis. Issey Miyake, c’est un morceau d’étoffe et c’est une époque. Vous pouvez jouer au handball ou au football en Issey Miyake. Vous pouvez mettre des quantités de vêtements d’Issey Miyake dans une valise ou deux ou trois dans un minuscule sac à main. Vous n’avez pas besoin de repasser du Issey Miyake. Vous ne devez pas repasser du Issey Miyake. Vous pouvez mettre du Issey Miyake dans le lave-linge. Issey Miyake n’est jamais passé de mode. Issey Miyake n’est jamais à la mode. Issey Miyake ne vieillit pas. Issey Miyake associe la technologie dernier cri à la douceur. Issey Miyake, c’est la japonitude moderne.

Vous ne connaîtrez jamais la solitude … avec Issey Miyake.

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Le style: une sphère le style se dévoile comme

M

M

une sphère un globe une boule d’être

Percer l’écorce, l’os ou la peau pour marquer son territoire; faire des entailles dans la pierre pour recenser son troupeau; nouer des fils de laine pour se vêtir; encrer du papyrus ou des peaux pour dresser un procès-verbal; graver la cire pour tenir un registre des impôts; tailler et sculpter la pierre; graver; dessiner; peindre; jouer du tambour; danser; chanter; se produire sur scène; écrire – l’homme s’impose en imprimant sa marque sur la terre. Comme la pointe du stilus romain dessinait un monde et délimitait les directions en traçant des lignes répétitives sur une tablette de cire, le style est, encore aujourd’hui, un geste incisif. Dans les arts martiaux, le stilus, l’outil le plus puissant de l’homme, peut aussi être une arme. Lorsqu’il se fait poignard, lance ou flèche, le

style devient un projectile filant à toute allure dans une direction. Il forme alors une trajectoire autodestructrice, fixée sur la cible, tendue pour atteindre son but. Outil ou arme, ce geste est un instrument, un moyen pour une fin. Est-il possible de comprendre le style comme un geste qui ne soit pas révélateur d’un monde préexistant en mettant au jour des sens cachés, ni ne cherche à atteindre une cible? Qu’estce qu’un style si la profonde superficialité de son expression est son unique secret? Est-ce une entreprise vaine, dénuée de toute valeur critique? Le style devient critique dès lors qu’il a un sens. C’est la répétition d’un geste unique qui fait soudain toute la différence: pointant dans plusieurs directions, elle génère de la consistance. Par un geste répété, encore

Le style devient le centre

d’un territoire.

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Henk oosterling

Qu’est-ce qu’un style si la profonde superficialité de son expression est son unique secret? et encore, le style suggère un territoire et une appartenance. Mais n’imaginez pas un terrain soigneusement délimité. C’est un faisceau de vecteurs qui font le lien entre le point central et la périphérie multidirectionnelle. Le style montre ainsi que l’appartenance est toujours relationnelle. En suggérant une distance critique, il devient le centre d’un territoire. Le style prend son sens lorsque sa gestualité ponctuée est partagée et renforcée par celles et ceux qui y participent. Dans ce contact vivant, dans cette relation “contactile”, le style passe au-delà du signifiant: il devient un monde à lui tout seul. Bien que le geste soit essentiellement ponctuel, sa répétition révèle différentes trajectoires partant dans toutes les

directions. Pour avoir un sens, ces trajectoires vectorielles doivent développer une réflexion sur elles-mêmes. Elles s’examinent et examinent les autres, tissant une toile qui forme peu à peu une trame relationnelle complexe de fils et de nœuds entrecoupés de vide. Lorsque le style, ce geste intégral, réfléchit sur lui-même comme une trame pensante, il devient un discours. Quand la qualité réflexive d’un geste est étendue et intensifiée dans toutes les directions – en haut et en bas, à gauche et à droite, en dedans et en dehors, en dessus et en dessous –, le point devient enfin parfaitement centré. Et au cœur de cette expansion tridimensionnelle, le style se dévoile comme une sphère, un globe, une boule d’être.

Le style devient critique dès lors qu’il a un sens. 133

En fait, tout est question de contagion.

Peut-il y avoir une économie du style? le style voyage! 134

Le style, une contagion… Ned Rossiter

Vous aussi, vous l’avez attrapé, ce fabuleux virus du style? Si ce n’est pas encore fait, inutile de chercher dans un manuel ou un guide. Il n’y en a pas. Inventez-vous votre propre style. Et ne vous voilez pas la face: il ne fera que refléter votre image. Mais que serait le narcissisme sans public? En fait, tout est question de contagion. Quel est le meilleur endroit pour attraper un rhume? L’avion, bien sûr. Eh bien pour le style, c’est la même chose. Peut-il y avoir une économie du style, me demanderez-vous? Si vous êtes naïf au point de prendre pour argent comptant les directives économiques les plus récentes sur la création que nous servent les politicards et autres commissaires de la culture en mal de placements rentables, la réponse est oui. Mais focalisons-nous plutôt sur les contre-économies, les modes de contamination et de distribution qui permettent une transmission collective du style. Car c’est bien de manières de vivre dont nous parlons. Franchement, qui aimerait se retrouver pris dans un embouteillage dans une voie sans issue? Le style, donc, est un des nombreux éléments constitutifs de « la différence qui fait la différence » (Bateson).

Pensez à votre enfance. Une période qui a assurément été marquée par le style dans toute sa splendeur. Je ne sais pas ce qu’il en était pour vous, mais pour moi, le style a toujours été quelque chose que possédaient les enfants un peu plus âgés que moi. Par association, le style voyage et, ce faisant, il se régénère. Je suis là, tout près de vous, je filtre votre style (dont je ressens l’esthétique) par translation et je le fais mien. La copie est la technique qui soustend l’invention. L’imitation n’a rien à voir avec la fidélité, c’est un processus d’individuation. Chacun reproduit le style à sa manière, comme un virus qui s’adapte à son hôte. Le tout sans droits de propriété. Si tant est que la culture est à vendre de nos jours, même la plus stupide des caissières vous dira: « C’est gratuit ». Elles savent que vous n’y connaissez rien à la culture si vous êtes l’imbécile qui demande « Combien ça coûte? ». Existerait-il alors quelque chose qui soit du non-style? Pour le savoir, lisez un document politique sur les industries créatives. On ne saurait trouver meilleur exemple de copie sans création. En d’autres termes: pas de contagion possible. 135

Le fait que les modes soient recyclées n’est pas un problème. C’est le résultat qui compte. Non pas celui de la caisse enregistreuse, mais celui qui permet de ressentir une sensation.

C’est probablement là qu’intervient le moment le plus exaltant de la création du style, celui de l’expérimentation. Une communication sans fin doublée d’une action dont on espère un résultat.

Et qu’en est-il du style incertain? Je dirais qu’il s’agit de style au stade embryonnaire. Mais peut-on vraiment le qualifier de style? Peut-être, dans la mesure où le fondement de l’aspect relationnel est déjà présent. Mais l’expression de la relation doit encore être concrétisée pour qu’un style se distingue d’un autre.

Reste l’antagonisme entre expérimentation et expérience. Pour ma part, j’y vois le côté « politique » du style. Autrement dit, la base d’une théorie politique du style qui reste à écrire.

C’est probablement là qu’intervient le moment le plus exaltant de la création du style, celui de l’expÉrimentation.

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La copie est la technique qui soustend l’invention. 137

Tout le monde copie, ou presque. Tu vois, c’est exactement comme chez toi!

Les styles nous font croire que nous sommes tous reliés ou, au contraire, différents les uns des autres.

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Sans le style HENDRIK-JAN GRIEVINK

Dans la seconde moitié des années 90, la BBC diffusait The Fast Show, une série comique dans laquelle intervenaient régulièrement deux tailleurs infernaux. Ces deux insupportables vendeurs finissaient toujours par faire fuir leurs clients avec leurs commentaires vestimentaires agressifs qui se teintaient invariablement d’allusions grivoises, le tout dans un anglais pour le moins éloquent, au grand bonheur des téléspectateurs. Dans l’un des épisodes, ils s’en prennent une nouvelle fois à une femme qui, offusquée, demande à voir le gérant. « Cet homme m’a insultée! » lui crie-t-elle. Et il lui répond: « L’a-t-il fait avec style, Madame? ». L’originalité Avec ou sans style. La frontière entre les deux peut être ténue, comme le montre à merveille le sketch des tailleurs. On a du style ou on n’en a pas, pense-t-on habituellement. Il est difficile d’apprendre ou d’acquérir un style. Quant à l’imitation, elle n’est généralement pas vue comme un vrai style. Nous n’aimerions pas que nos amis proches reproduisent notre intérieur à la perfection ou copient notre garde-robe. Imaginez-vous être invité à dîner chez un ami, qui vous accueille dans sa maison flambant neuve et vous fait visiter en commentant tout sourire: « Tu vois, c’est exactement comme chez toi! ». Et pourtant, c’est une réalité. Quelle illusion de nous croire uniques dans nos choix de consommation et d’habillement. Tout le monde copie, ou presque. Bien sûr, on ne va pas jusqu’à reconstituer la garde-robe de son meilleur ami, mais on copie des messages et des codes sociaux.

Les styles nous font croire que nous sommes tous reliés ou, au contraire, différents les uns des autres. La décoration de notre intérieur, la nourriture que nous mangeons, les habits que nous portons et les livres que nous lisons sont autant de moyens pour nous faire une place dans la société. Comme le dit un fameux dicton, si la plupart des hommes sont originaux à leur naissance, ils ne sont plus que des copies quand ils meurent. Sans rouvrir le grand débat sur l’inné et l’acquis, ce point de vue est simplement aberrant. L’idée que l’homme vient au monde comme une page vierge, une tabula rasa est dépassée. A lui seul, notre matériel génétique nous charge de défauts: nous prenons un faux départ à la naissance. Nous sommes des copies de copies et nous mourrons copies. Qu’y at-il de si terrible à cela? En l’acceptant, nous pouvons nous défaire de la vision de l’homme comme un être unique. Nous sommes créatifs, certes, mais pas tous originaux. Et c’est très bien ainsi. Le modernisme pour les masses Mais alors qu’est-ce que la création? Dans le monde de l’art et du design, on attend de nous de l’originalité. Le caractère original d’un designer s’exprime par son style personnel qui transparaît dans les objets uniques auxquels il donne forme. Mais il n’en a pas toujours été ainsi. Selon le Bauhaus, modèle déterminant pour le développement du design au 20e siècle, un designer était une sorte d’artisan qui retirait plus qu’il n’ajoutait quelque chose à un objet.

A l’image de Michel Ange qui libérait les anges du marbre, un designer dépouillait l’objet jusqu’à le réduire à sa plus simple expression fonctionnelle. Les progrès techniques aidant, ces produits ont ensuite pu être fabriqués et diffusés à large échelle. L’heure de gloire du modernisme, qui cherchait à améliorer la vie des individus en leur offrant des objets agréables à l’œil et bien conçus. Pour la première fois dans l’histoire de l’humanité, une philosophie se traduisait par des objets physiques pouvant être produits en masse. C’est d’ailleurs ce qui distingue essentiellement l’art du design: « L’art produit des images qui défient l’éternité en étant conservées. Le design produit des images qui défient l’éternité en étant reproduites à l’infini. » La fin de l’histoire du modernisme est bien connue. Tous ces merveilleux meubles Gispen, ces machines à écrire Olivetti et ces logos Wim Crouwel n’ont pas réussi à créer un monde meilleur. Ils l’ont tout au plus rendu plus attrayant pour certains, mais tel n’est pas mon propos ici. En revanche, le design moderniste a donné naissance à un nouveau type de consommateur, qui ne se satisfait plus d’une machine qui remplit simplement sa fonction: il veut des appareils et des objets qui lui permettent de se singulariser. Ainsi, la production symbolique est la principale valeur ajoutée du design contemporain. Et comme elle n’est rien sans le style, le style est tout. Mais si le style est tout et que tout tourne autour de lui, que reste-t-il au design? L’icone iPod: le style et l’économie Dans la culture contemporaine du design, les

designers sont censés produire des icones avec lesquelles le public peut s’identifier. Selon la recette iPod, il faut être reconnaissable, tel est le qualificatif magique. L’industrie créative étant largement surmédiatisée à l’échelle internationale, l’appât du gain piège de plus en plus de jeunes designers. Et je ne parle pas que du design commercial. Le secteur avant-gardiste est lui aussi touché. Pour être vu, il faut se choisir un style rapidement, si possible dès la fin de sa formation. Car les designers se positionnent les uns par rapport aux autres. Au revoir les idées, bonjour le style! Découvrir une niche dans l’économie internationale du style peut être synonyme de mine d’or. Inversement, ne pas avoir de style reconnaissable ouvre souvent les portes de l’exil, forcé ou volontaire, dans les déserts des folies du design. Votre œuvre ne sera pas reproduite. Et le succès du design se mesure à sa reproduction. Je vois un grand danger dans cette évolution. Qu’adviendra-t-il du design comme catalyseur de la critique dans la sphère publique? Que deviendront les grandes idées et les designs audacieux si nous sommes jugés sommairement sur nos choix en matière de style? Le design doit s’affranchir du carcan du style et reconquérir son statut de vision du monde. Je plaide pour une absence radicale de style. Non que nous ne devions plus penser à l’esthétique ni au goût, mais pour l’amour du ciel, libéronsnous de ce rôle que nous nous sommes donné d’Ambassadeurs de la nouveauté. Le monde entier est infesté d’images. Nous détruisons, volons, brûlons, coupons-collons, produisant et reproduisant à la gloire de l’Idée. Une seule question importe: L’avons-nous fait avec style?

Nous sommes créatifs, certes, mais pas tous originaux. 140

Nous sommes des copies de copies L’icone iPod!

Le monde entier est infesté d’images. Au revoir les idées, bonjour le style!

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Le style et vous

Répondez spontanément, puis calculez vos points à l’aide de la grille à la fin du test (à l’envers). Ne choisissez qu’une réponse par question. Michael Erlhoff 1. Vous vous déplacez: a) en voiture b) a moto c) a vélo d) en train et en taxi

6. Vous connaissez l’œuvre de: a) Philippe Starck b) Ettore Sottsass c) Luigi Colani d) Dieter Rams

2. Vous préférez: a) les fumeurs de havanes b) les non-fumeurs c) les fumeurs de cigarettes d) les anti-tabac

7. Vous passez vos vacances à: a) Majorque b) Miami c) Binz d) Knokke

3. Vous avez lu: a) Harry Potter b) La Tempête c) Faust II d) Finnegans Wake

8. Vous aimez: a) les animaux b) les gens c) les plantes d) les produits

4. Vous mangez plus souvent: a) de la purée de pommes de terre b) des pommes frites c) des pommes en robe des champs d) du gratin de pommes de terre

9. Vous écoutez: a) Erik Satie b) Charles Ives c) John Cage d) Arnold Schoenberg

5. Vous buvez: a) du pinot noir b) de la syrah c) du merlot d) du pinotage

10. Vous êtes plutôt: a) feu b) terre c) air d) eau

Points 1. a=0, b=5, c=3, d=10 2. a=10, b=7, c=7, d=0 3. a=0, b=6, c=9, d=10 4. a=2, b=0, c=10, d=5 5. a=10, b=6, c=2, d=4

6. a=1, b=10, c=0, d=8 7. a=0, b=0, c=10, d=6 8. a=0, b=10, c=2, d=1 9. a=10, b=10, c=10, d=10 10. a=3, b=0, c=7, d=10

Votre total: • moins de 40 points – vous êtes plutôt bourgeois. • entre 41 et 60 points – vous n’êtes pas cool. • entre 61 et 79 points – vous êtes cool. • 80 points et plus – vous avez du style.

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La cruauté du style Peter Lunenfeld

Le style est un outil de démarcation 144

En ce début de 21e siècle, l’abondance de style est le signe le plus visible du triomphe du design. La vanité humaine étant ce qu’elle est, ce constat plaît à tous ceux d’entre nous qui touchent de près ou de loin au design. Mais tout ceci masque une réalité moins flatteuse: quand le style règne en maître, éclipsant les autres attributs du design – fonction, organisation, invention, etc.–, nous évoluons dans un environnement imperceptiblement mû par la cruauté. Car le style, quelle que soit sa diffusion, est vu par le grand public comme quelque chose d’exclusif, qui reste hors de portée de la majorité. Il est un outil de démarcation, un moyen permettant de déterminer la mode. Bien que nous lui donnions parfois un caractère « éternel », le style est généralement limité dans le temps et dans l’espace. Sa production incessante est tout à la fois la cause et la conséquence des machines désirantes du capitalisme lifestyle. Je ne dis pas que toute la cruauté du style est à mettre sur le compte du capital. L’argent peut acheter le style, et c’est souvent le cas, mais la rue se l’approprie avec tout autant de réussite. Qu’il soit inné, durement acquis ou obtenu en prêt à porter, le style établit des hiérarchies au même titre que tout autre pouvoir. En tant que Gestalt non quantifiable, il souffre toutefois d’une plus grande précarité que le pouvoir monétaire, politique ou même physique. Cette instabilité est source d’insécurités qui s’expriment par de la cruauté. Des moqueries dans la cour d’école au venin distillé lors de soirées entre gens de la haute société, en passant par la corde de velours barrant l’entrée de la boîte de nuit: les maîtres du style recherchent des victimes. Il y a chez eux davantage de cruauté que de violence, car le style est tout autant un état d’esprit qu’une présence physique. Certes, le style peut embellir le monde et avoir un effet libérateur sur ceux qui le créent dans l’espoir de vaincre, pour un temps du moins, leur propre impuissance. Mais en cette époque de production en flux tendus, d’impression directe par ordinateur, de culture open source, d’autoroutes de l’information et d’interconnexion croissante des systèmes pour la création, la promotion et la consommation du design, la question mérite d’être posée: jusqu’où voulons-nous épouser le style comme bien suprême? Le salut viendra peut-être des adeptes du do-it-yourself, dont la philosophie de production pourrait faire contrepoids à la pensée de groupe alimentant la cruauté du style. Changer nos opinions préconçues nous permettrait de dessiner un avenir dans lequel le style est utilisé pour créer de nouveaux modes de rassemblement plutôt que d’exclusion. 145

Comment les ‚ téléphones portables sont devenus des œuvres d’art, ou comment le ‚ style s’est fait sa place dans l’électronique grand public ‚ Lev Manovich 146

Apple et ses iPods, Sony et ses ordinateurs portables, Samsung et ses mobiles... Les fabricants d’électronique grand public misent désormais davantage sur le style que sur les fonctionnalités de leurs appareils pour conquérir le marché. Les grands noms de la téléphonie mobile ont déjà passé des alliances de marque avec des célébrités de la mode (le LG Prada, lancé début 2007, par exemple). Pour l’instant, les modifications touchent uniquement l’aspect extérieur des produits, mais il y a fort à parier que, d’ici quelques années, elles « s’insèreront à l’intérieur de l’objet », au point que les interfaces n’auront plus rien à voir avec les dessins animés à la Walt Disney et seront sophistiquées, sensuelles et « adultes ». Apple a d’ailleurs déjà donné le ton avec Aqua, dont son système OS X est doté.

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sensorielle entre eux et le consommateur. L’esthétisation du design apportée au matériel informatique et aux interfaces utilisateur des produits électroniques grand public qui a vu le jour dans les années 2000 correspond parfaitement à l’analyse présentée par les deux auteurs. L’interaction avec les moyens d’information personnels est devenue une expérience marquée par le design. En fait, les trois étapes qu’a connues le développement des interfaces utilisateur – l’interface en ligne de commande, l’interface utilisateur graphique (GUI) des années 80 et 90, et les nouvelles interfaces sensuelles et divertissantes de l’ère post-OS X (après 2001) – peuvent être mises en parallèle avec les trois phases historiques de l’économie de consommation: biens, services et expériences. Les interfaces en ligne de commande « fournissent les biens », en ce sens qu’elles se concentrent sur la fonctionnalité et l’utilité à l’état pur. Le GUI ajoute des « services » aux interfaces et, dans un troisième temps, celles-ci deviennent des « expériences ».

L’éditorialiste du journal Business Week publié en ligne en juillet 2005 écrivait que si, dans les années 90, la notion d’innovation était toujours liée à la technologie, il était plus que probable ‚ Le concept de l’« économie d’expérience » qu’elle soit désormais associée au design. explique également comment l’interaction ‚ Comment le style s’est-il frayé un chemin physique avec des objets technologiques (par jusqu’à l’électronique grand public? Dans leur opposition à leurs formes physiques et leurs ouvrage écrit en 1989 (Experience Economy: interfaces écran) s’est elle aussi transformée en Work Is Theatre and Every Business a Stage), une expérience riche, sensorielle et, souvent, Joseph Pine et James H. Gilmore déclaraient séduisante. Depuis le milieu des années qu’après avoir connu des périodes centrées sur 2000, le simple fait d’ouvrir un téléphone les biens, puis sur les services, l’économie de portable ou d’appuyer sur ses touches est consommation entrait dans une ère nouvelle devenu un jeu: l’utilisateur y découvre de où la clé du succès était l’expérience. petits récits accompagnés d’effets visuels, Selon eux, les entreprises qui se contentactiles et spatiaux. Quant au LG Chocolate taient de fournir des biens et des services ne (LG VX-8600, sorti en 2005), sitôt allumé, il présenteraient tôt ou tard plus aucun intérêt devient une véritable œuvre d’art qui éveille et devaient, pour rester dans la course, faire immédiatement trois sens et, de par son en sorte que leurs produits soient synonymes nom et sa couleur, en évoque un quatrième d’expérience. À leur avis, le moyen le plus – la vue, l’ouïe, le toucher et le goût: son simple pour y parvenir était d’y ajouter des écran s’anime, il émet des sons puis, une fois éléments afin de mettre en valeur l’interaction l’appareil prêt à fonctionner, il vibre.

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FAKE FOR REAL MEMORY-GAME

The Fake For Real Memory-Game is a collection of contemporary and historical images that playfully visualize the classical theme of fake and real. The joy isn’t just playing the memory game, but even more about the rendezvous between the slightly dissimilar images. Can you see what’s fake and what’s real? Judge for yourself. As it seems in our society, everything that was once directly lived has been replaced by simulations. Fake for Real! BUY ONLINE: www.all-media.eu

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Colophon / Impressum / Crédits This book appears on the occasion of the exhibition of the same name, presented from October 17 2007 to February 17 2008 at mudac in Lausanne: Dieses Buch erscheint anlässlich der gleichnamigen Ausstellung, 17. Oktober 2007 bis 17. Februar 2008 im mudac, Lausanne: Ce livre paraît à l’occasion de l’exposition du même nom, présentée du 17 octobre 2007 au 17 février 2008 au mudac à Lausanne: Style First. Mieke Gerritzen Concept of the exposition and catalogue / Konzept der Ausstellung und des Katalogs / Exposition et catalogue conçus par: Mieke Gerritzen With the collaboration of / In Zusammenarbeit mit / Avec la collaboration de: Chantal Prod’Hom Geert Lovink Henk Oosterling Lev Manovich Peter Lunenfeld Uta Brandes Michael Erlhoff Claire Favre Maxwell Véronique Hilfiker Durand Koert van Mensvoort Hendrik-Jan Grievink Ned Rossiter Daniel Morgenthaler Tim Chen Chuanxi, Yiran Art Co., LTD Zhang Haiyan, Zhang Meiying, Ying Hong, Shi Yinkun, Xie Qing, Liu Qingyuan, Yang Shixiong, Cai Yanfen, Ke Min, Zeng Xiangxin. Silke Wawro/Robin Gadde mudac – Musée de design et d’arts appliqués contemporains Place de la Cathédrale 6, CH-1005 Lausanne T. +41 21 315 25 30 / F. +41 21 315 25 39 [email protected] / www.mudac.ch Translations / Übersetzungen / Traductions: Dutch – English: Laura Marz Anglais – Français: mimetis, www.mimetis.ch German – English: Jenny Marsh Englisch – Deutsch: Ulrike Stopfel, Freiburg i.Br. Graphic design / Grafik / Graphisme: Mieke Gerritzen Library of Congress Control Number: 2007928555 Bibliographic information published by Die Deutsche Nationalbibliothek Die Deutsche Nationalbibliothek lists this publication in the Deutsche Nationalbibliografie; detailed bibliographic data is available in the internet at http://dnb.ddb.de. This work is subject to copyright. All rights are reserved, whether the whole or part of the material is concerned, specifically the rights of translation, reprinting, re-use of illustrations, recitation, broadcasting, reproduction on microfilms or in other ways, and storage in data bases. For any kind of use, permission of the copyright owner must be obtained. Unfortunately, it was not possible to determine the copyright holders for all illustrations. Valid claims will be met within the bounds of the usual fees. © 2008 mudac – Musée de design et d’arts appliqués contemporains, Lausanne © 2008 Birkhäuser Verlag AG, P.O. Box 133, CH-4010 Basel, Switzerland. Part of Springer Science+Business Media © texts: the authors / Texte: die Autoren / textes: les auteurs © images / Bilder / images: Mieke Gerritzen Printed on acid-free paper produced from chlorine-free pulp. TCF ∞ Printed in Germany This book and the exhibition are generously supported by: Fonds voor Beeldende Kunst, Vormgeving en Bouwkunst (www.fondsbkvb.nl) Mondriaan Foundation (www.mondriaanstichting.nl) All Media Foundation (www.all-media.eu) 978-3-7643-8438-8

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http://www.birkhauser.ch

Notes 1. Van Mensvoort, Koert. ‘Creativity Is All We Have Left.’ Creativity for All. Bis Publishers, 2006. 2. A blog is a user-generated website on which journal-style entries are made and displayed in reverse chronological order. 3. A vlog, or video blog, is a blog that includes video material. 4. NL.Design. Everyone Is a Designer! Manifest for the Design Economy. Bis Publishers, 2000. 5. McDonough, William, and Braungart, Michael. Cradle to Cradle: Remaking the Way We Make Things. North Point Press, 2002. 6. A study of the deep-rooted changes in urban reality manifest in the explosive growth of megacities. Brillembourg, Alfred, Feireiss, Kristin and Klumpner, Hubert eds. Informal City: Caracas Case. Prestel Publishing, 2005. 7. Metz, Tracy, in Next Nature. Bis Publishers, 2003. p. 118. Anmerkungen 1. Van Mensvoort, Koert: “Creativity Is All We Have Left”, in Creativity for All. Bis Publishers 2006. 2. Ein Blog ist eine nutzergenerierte Webseite, die Einträge im Zeitschriften-Stil aufnimmt und in umgekehrt chronologischer Reihenfolge darstellt. 3. Ein Vlog – oder Video-Blog – ist ein Blog mit Video-Material. 4. NL.Design, Everyone Is a Designer! Manifest for the Design Economy. Bis Publishers 2000. 5. Mc Donough, William, und Braungart, Michael, Cradle to Cradle: Remaking the Way We Make Things. North Point Press 2002. 6. Eine Studie über die tiefgreifenden Veränderungen in der urbanen Realität, wie sie sich im explosiven Wachstum der Megastädte manifestieren. Brillembourg, Alfred, Feireiss, Kristin und Klumpner, Hubert (Hrsg.), Informal City: Caracas Case. Prestel Publishing 2005. 7. Metz, Tracy, in Next Nature, Bis Publishers 2003, S. 118. Notes 1. Van Mensvoort, Koert. ‘Creativity Is All We Have Left.’ Creativity for All. Bis Publishers, 2006. 2. Un blog est un site internet créé par un utilisateur qui le construit comme un journal (en ligne) et y publie des informations ou commentaires dans l’ordre chronologique inverse. 3. Un vidéoblog est un blog publiant du matériel video. 4. NL.Design. Everyone Is a Designer! Manifest for the Design Economy. Bis Publishers, 2000. 5. McDonough, William, and Braungart, Michael, Cradle to Cradle: Remaking the Way We Make Things. North Point Press, 2002. 6. A study of the deep-rooted changes in urban reality manifest in the explosive growth of megacities. Brillembourg, Alfred, Feireiss, Kristin and Klumpner, Hubert eds. Informal City: Caracas Case. Prestel Publishing, 2005. 7. Metz, Tracy, in Next Nature. Bis Publishers, 2003. p. 118. Biographies

Uta Brandes Professor for gender & design and design research at the Köln International School of Design, co-founder and co-owner of „be design“ (design consultancy), author, chairwoman of the „German Association of Design Theory and Research“, co-founder of the „Women’s Designer Forum“, co-founder of the „St. Moritz Design Summit“, Universities in Japan, HongKong, China, Taiwan. She lives in Cologne. www.kisd.de Michael Erlhoff Founding Dean and Professor for design theory and history at the Köln International School of Design, author, design consultant, co-founder of the St. Moritz Design Summit, founder and former president of the Raymond Loewy Foundation. He lives in Cologne. www.kisd.de

which he reflects, criticizes and embraces the contemporary heavy-commercialized visual culture. Recent works are The Creativity, a critical newspaper on the concept of creative industries and Fake-for-Real, a memorygame about fake and real in visual culture. www.hendrikjangrievink. web-log.nl Geert Lovink Geert Lovink is a media theorist, Internet critic and author of Uncanny Networks, Dark Fiber, My First Recession and Zero Comments. He is a conference organizer and co-founder of Internet projects such as nettime and fibreculture. In 2004 he became director of the Institute of Network Cultures, Hogeschool van Amsterdam and associate professor at mediastudies/new media, University of Amsterdam. www.networkcultures.org

Mieke Gerritzen Mieke Gerritzen (1962) was born in Amsterdam. She studied audio visual media at the Rietveld Academy and graduated in 1987. In the early nineties Gerritzen was one of the first designers involved in the developement of digital media in the Netherlands. At this moment she makes films, creates books and organizes events with many different designers, writers and artists. In 2001 she started the All Media Foundation for the organization and production of movies, publications and events like “The International Browserday” in New York, Berlin and Amsterdam and more recently “The Biggest Visual Power Shows”. Gerritzen is head of the design department of Sandberg Institute, the post-graduate course connected to Gerrit Rietveld Academy in Amsterdam. Mieke Gerritzen received many prizes and gives lectures and presentations worldwide. www.all-media.eu

Peter Lunenfeld Peter Lunenfeld’s books include USER, Snap to Grid, and the Digital Dialectic. Lately, he has become interested in the design of the digital humanities. He is a professor in the Media Design Program at Art Center College of Design in Pasadena, California. www.artcenter.edu/

Hendrik-Jan Grievink Hendrik-Jan Grievink is a designer without a style, but with a cause. Out of a relentless pursuit of meaning and content, he produces publications, text, image and performance in

Koert van Mensvoort Koert van Mensvoort is an artist and researcher, born in Europe, with a background in media arts and computer sciences. Much of his work revolves around the relation between people,

Lev Manovich Lev Manovich (www.manovich.net) is the author of Soft Cinema: Navigating the Database (The MIT Press, 2005), and The Language of New Media (The MIT Press, 2001) which is hailed as “the most suggestive and broad ranging media history since Marshall McLuhan.” Manovich is a Professor of Visual Arts, University of California, San Diego (visarts.ucsd.edu) and a Director of The Lab for Cultural Analysis at California Institute for Telecommunications and Information Technology (www.calit2.net).

media and technology. Koert does not work in one specific medium or style, but rather uses all media to visualize his ideas; interactive and linear cinema, written words, alternative interfaces and public performance. He is the presenter and co-organizer of the Visual Power Show, an intellectual show about the power of the image. His current main interest deals with the exploration of Next Nature (www.nextnature.net). Koert is co-director of the All Media Foundation Amsterdam and a parttime assistant professor at the Eindhoven University of Technology (Industrial Design Department). www.koert.com Henk Oosterling As a philosopher based at the Erasmus University Rotterdam, Henk Oosterling focuses on the crossovers between philosophy, arts and politics with an emphasis on interculturality and intermediality. www.henkoosterling.nl Chantal Prod’Hom Art History education in Lausanne and New York City. Curator and co-director of the Contemporary art Museum, the Edelman Foundation in Lausanne. Executive Director of Fabrica, Treviso (IT), Benetton research center in contemporary communication. Since 2000: director of mudac in Lausanne with a programm of more than 50 shows including the “carte blanche” series (Matali Crasset; Martí Guixé; Yves Béhar; Constantin Boym; Florence Doléac, etc.). www.mudac.ch Ned Rossiter Australian media theorist Ned Rossiter is a Senior Lecturer in Media Studies (Digital Media), Centre for Media Research, University of Ulster, Northern Ireland and an Adjunct Research Fellow, Centre for Cultural Research, University of Western Sydney, Australia. He is the author of Organized Networks: Media Theory, Creative Labour, New Institutions (Rotterdam: NAi Publishers, 2006). He is currently developing a research platform on a ‘counter-mapping’ of creative industries in Beijing, http://orgnets.net.

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