Cine Te Quiero

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Cine,

te quiero Las 100 mejores

películas románticas José María Aresté Juan Luis Sánchez Pablo de Santiago

Colección

Editado por Estrenos 21, S.L. © José María Aresté, Juan Luis Sánchez, Pablo de Santiago © Estrenos 21, S.L. Diseño: Alejandro Zarzalejo Maquetación y diseño portada: Javier Perea Unceta Fotos: Archivo Estrenos 21 Depósito Legal (solicitado) ISBN (solicitado) No está autorizada la edición o comercialización sin el permiso previo de los titulares de los derechos de propiedad intelectual. Impreso en España – Printed in Spain Impreso por Bubok

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te quiero Las 100 mejores

películas románticas José María Aresté Juan Luis Sánchez Pablo de Santiago

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Las 100 mejores películas

introducción

románticas

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años 20

Amanecer El séptimo cielo

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años 30

índice

14 16 17 18 18 20 21 22 23 24 26

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Luces de la ciudad Adiós a las armas Sucedió una noche L’Atalante Margarita Gautier La fiera de mi niña Tres camaradas Ninotchka Cumbres borrascosas Lo que el viento se llevó Historia del último crisantemo

años 40

Rebeca Luna nueva El bazar de las sorpresas Las tres noches de Eva Casablanca Me casé con una bruja Laura El clavo Breve encuentro Encadenados Gilda A vida o muerte Locura de amor Carta de una desconocida Jennie Las zapatillas rojas La costilla de Adán La novia era él

27 28 29 30 31 33 34 35 36 37 37 39 40 41 42 42 43 44

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años 50

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La cenicienta El río Cantando bajo la lluvia El hombre tranquilo París, bajos fondos Vacaciones en Roma Cómo casarse con un millonario Sabrina Te querré siempre La condesa descalza Sólo el cielo lo sabe Picnic La rosa tatuada Escrito sobre el viento El príncipe y la corista Tú y yo Indiscreta De entre los muertos (Vértigo) Confidencias de medianoche

45 47 48 49 50 51 52 53 54 55 56 56 57 58 59 60 61 62 63

índice

años 60

El apartamento Desayuno con diamantes Esplendor en la hierba West Side Story Irma la dulce Matrimonio a la italiana Doctor Zhivago Sonrisas y lágrimas Un hombre y una mujer Dos en la carretera Descalzos por el parque Romeo y Julieta

63 64 66 66 68 69 69 70 72 72 73 74

años 70

Love Story Los girasoles Tal como éramos Annie Hall Grease 8

75 76 77 78 79

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románticas

años 80

La rosa púrpura del Cairo Memorias de África El rayo verde La princesa prometida

80 80 81 81

años 90

índice

82 83 84 85 86 87 88 88 89 90 91 92 93 94 94 97 98 99

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Matrimonio de conveniencia Ghost Cyrano de Bergerac Pretty Woman La Bella y la Bestia Mucho ruido y pocas nueces Algo para recordar Lo que queda del día Cuatro bodas y un funeral Antes del amanecer Los puentes de Madison Sentido y sensibilidad Mientras dormías Mejor... imposible Titanic La boda de mi mejor amigo El camino a casa Notting Hill

tercer milenio

Deseando amar (In The Mood for Love) Moulin Rouge Serendipity Un paseo para recordar Love Actually La novia cadáver Bodas y prejuicios La vida secreta de las palabras Once The Holiday (Vacaciones) Crepúsculo

100 101 103 105 106 108 109 111 112 114 116

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años 20

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Introducción A la tradicional fórmula “Díselo con flores” nosotros proponemos a los enamorados esta otra, que puede ser igualmente demostrativa del cariño: “Díselo con cine”. Sí, con películas apasionadamente románticas, donde los héroes atraviesan mil y una vicisitudes para conseguir y retener para siempre el amor incondicional del otro. Por aquello de los números redondos proponemos 100 títulos que recorren toda la historia del cine. Así que desde el año 1927, aquel magnífico Amanecer de F.W. Murnau, hasta la más rabiosa actualidad de títulos como la saga vampírica Crepúsculo, podemos evocar amores de celuloide que bien puede alimentar los nuestros. Por supuesto que la selección es discutible, se echarán títulos en falta y se pensará que sobran otros, pero pensamos que son filmes bien representativos de lo que el amor no tiene precio, supone entregarlo todo. Hay variedad, están presentes títulos de autor, reconocidas obras maestras, y también películas tremendamente populares. Es ésta la primera aventura libresca de Estrenos 21, y además de al papel nos lanzamos al formato digital, que deseamos pueda difundirse masivamente. Por supuesto, ya lo sabes, puedes encontrar muchísima más información cinematográfica en nuestro portal de cine, www.decine21.com. Este libro es para todos los enamorados, y que también suscribirían la frase que le da título, “Te quiero, cine”. 11

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románticas

Uvíctima sería su esposa, con la que tiene un hijo. Pero llegado el momento n campesino, seducido por una golfa de ciudad, planea un crimen. La

no puede seguir adelante, y la abominable maquinación sirve para unir más a marido y mujer, que pasan una jornada memorable en la ciudad. Quizá la película más romántica de todos los tiempos, que pese a ser muda tiene una fuerza inigualable en todos sus planos. El alemán F.W. Murnau, genial representante del expresionismo, rodó el film en Hollywood para la Fox. Por desgracia, murió con sólo 42 años en un accidente de tráfico, privándonos de más obras maestras. Esta joya fílmica de Murnau supo jugar, para contar su inmortal historia de amor, la carta del contraste. Contraste entre la dulce esposa y la arpía seductora, entre el idílico y tranquilo campo y la estresante y bulliciosa ciudad. Y fuertes contrastes también entre luces y sombras, en la hermosa fotografía que imprime a todo el relato un aire de ensueño.

El séptimo cielo

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bra maestra del cine mudo que describe con suma delicadeza cómo nace el amor. El director Frank Borzage ganó merecidamente el Oscar, gracias al exacerbado romanticismo de la cinta, que adapta la obra de Austin Strong. Muestra a 13

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El amor puro de Janet Gaynor y George O’Brien

T.O.: Sunrise: A Song of Two Humans. Año: 1927. País: EE.UU. Dir.: F.W. Murnau. Int.: George O’Brien, Janet Gaynor, Margaret Livingston, Bodil Rosing, J. Farrell MacDonald. Arg.: Hermann Sudermann (tema “Die Reise nach Tilsit”). Guión: Carl Mayer. Música: Timothy Brock. Fotografía: Charles Rosher, Karl Struss. Dist. en DVD: Vellavisión. Dur.: 90 min. P.a.: Jóvenes. Cont: Acción 1, Amor 4, Lágrimas 4, Risas 1, Sexo 0, Violencia 0 [de 0 a 4]

años 20

Amanecer

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T.O.: Seventh Heaven. Año: 1927. Dir.: Frank Borzage. Int.: Janet Gaynor, Charles Farrell, Ben Bard, Albert Gran, David Butler, Marie Mosquini. Arg.: La obra de Austin Strong. Guión: Austin Strong, Benjamin Glazer. Música: Michael Mortilla. Foto.: Ernest Palmer, Joseph A. Valentine. Dist. en DVD: Suevia. Duración: 110 min. P.a.: Jóvenes. Cont.: Acción 0, Amor 4, Lágrimas 3, Risas 0, Sexo 0, Violencia 0 [de 0 a 4]

Janet Gaynor, arrobada de amor por Charles Farrell

años 20

la pobre Diane, maltratada por su hermana mayor, alma inocente a pesar de su condición de chica de la calle. Conocer a Chico y visitar su ático, es como viajar al séptimo cielo, ambos aprenden a amarse desinteresadamente. La ascensión, física y espiritual, al ático, está filmada con increíble pericia técnica, pues la cámara de Borzage permite que veamos las distintas alturas del edificio donde transcurre la historia. Aunque el director podía haber rodado en París, optó por recrear el inmueble en estudio, una inteligente decisión. Destaca la notable química de la pareja que conforman Janet Gaynor y Charles Farrell. El film conoció un remake sonoro diez años después, pero a pesar de tener a Henry King tras la cámara, y a la pareja James Stewart-Simone Simon, no pudo superar al original.

Luces de la ciudad na florista ciega toma por un hombre solvente a un vagabundo. Éste, U tiernamente enamorado, intenta conseguir a toda costa el dinero necesario para una operación que puede devolverle la vista. Para ello se presentará

voluntario a un combate de boxeo, que ofrece como premio una sustanciosa remuneración. “Comedia romántica en pantomima”. Así definen sus títulos de crédito esta obra maestra del cine mudo. Estrenada en 1931, cuando el sonoro se había impuesto comercialmente, Charles Chaplin había empezado el rodaje en 1928, antes del estreno de El cantor de jazz, primer film hablado. La producción se retrasó por el crack del 29, pero también porque Chaplin no estaba seguro de 14

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T.O.: City Lights. Año: 1931. Dir.: Charles Chaplin. Int.: Charles Chaplin, Virginia Cherrill, Florence Lee, Harry Myers, Al Ernest Garcia, Hank Mann. Guión.: Charles Chaplin. Música: Charles Chaplin, José Padilla. Fot.: Gordon Pollock, Roland Totheroh. Dist. en DVD: Warner. Dur.: 87 min. Cont: Acción 1, Amor 3, Lágrimas 0, Risas 2, Sexo 0, Violencia 0 [de 0 a 4]

años 30

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Charles Chaplin, junto a la tierna florista ciega Virginia Cherrill

que la actriz principal, la desconocida Virginia Cherrill, fuera la más indicada para interpretar a la florista. Descontento por cómo ofrecía las flores, tras repetir la toma cientos de veces, la despidió y sustituyó por otra intérprete. Al final volvió a contratarla, aunque ella aprovechó la coyuntura para pedir más dinero. Chaplin tardó en resolver el problema principal que planteaba la trama: ¿cómo podría entender el público de modo sencillo que la florista confundiera al vagabundo con un hombre rico sin diálogos? La solución es sintomática del ilimitado ingenio del cineasta: el sonido de un coche al cerrarse. Cuando lo escucha, la invidente distingue a sus posibles clientes, pues sólo los que se pueden permitir ciertos lujos tenían coche en aquella época. Por un cúmulo de casualidades, la primera vez que se conocen, Chaplin sale de un vehículo. Como en otros trabajos de Chaplin, sobresale el sello personal del director, su inigualable mezcla de drama y comedia. La historia de amor resulta muy emotiva y describe a las clases desfavorecidas de la época. Al mismo tiempo, algunas subtramas son hilarantes; especialmente los encuentros del vagabundo con un millonario borracho, que le toma como su mejor amigo e incluso se lo lleva a pernoctar a su mansion, pero que cuando se le pasan los efectos del alcohol no se acuerda de él. Para guardar el delicado equilibrio entre risas 15

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y lágrimas, Chaplin renunció a siete minutos iniciales de comedia desatada absolutamente geniales, pero que dificultaban que después el público pudiera conmoverse. Curiosamente, la banda sonora, compuesta como es habitual por el propio Chaplin, calca los famosos acordes de “La violetera”, de los maestros Padilla y Montesinos. El cineasta tuvo que compensar a los autores españoles tras un juicio por plagio.

Adiós a las armas

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años 30

T.O.: A Farewell to Arms. Año: 1932. País: EE.UU. Dir.: Frank Borzage. Int.: Helen Hayes, Gary Cooper, Adolphe Menjou, Mary Philips, Jack La Rue, Blanche Friderici, Mary Forbes. Arg.: La novela de Ernest Hemingway. Guión: Benjamin Glazer, Oliver H.P. Garrett. Fot.: Charles Lang. Dist. en DVD: Filmax. Dur.: 78 min. P.a.: Jóvenes. Cont.: Acción 2, Amor 2, Lágrimas 4, Risas 1, Sexo 1, Violencia 1 [de 0 a 4]

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Adolph Menjou tocado de militar, junto al enamorado Gary Cooper

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urante la I Guerra Mundial, un militar italiano y otro estadounidense llegan a trabar una gran amistad. Poco después, el norteamericano cae herido y en el hospital donde se recupera se enamora de la enfermera que cuida de él. Las circunstancias de la guerra les obliga a separarse. La impecable realización de Frank Borzage convirtió esta adaptación de la novela con tintes autobiográficos de Ernest Hemingway en un clásico del cine bélico. Magníficos trabajos de dos de los galanes más solventes de la época, Gary Cooper y Adolphe Menjou, y de la enfermera enamorada Helen Hayes. El film ganó dos Oscar, en los apartados de fotografía y sonido. También optó al de mejor película. En Paramount hubo muchas discusiones acerca del final de la película. En la novela la enfermera moría; ante el temor de disgustar al público se filmaron dos finales: en uno perdía la vida, en otro la salvaba. Aunque prevaleció el primero, de una intensidad ‘in crescendo’ inolvidable, se estrenaron copias con las dos versiones. El remake de 1957 a pesar de contar en el guión con Ben Hecht y estar dirigido en color por Charles Vidor, resulta claramente inferior.

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T.O.: It Happened One Night. Año: 1934. País: EE.UU. Dir.: Frank Capra. Int.: Clark Gable, Claudette Colbert, Walter Connolly, Roscoe Karns, Jameson Thomas, Alan Hale. Guión: Robert Riskin. Música: Louis Silvers. Fot.: Joseph Walker. Dist. en DVD: Sony. Dur.: 101 min. P.a.: Jóvenes. Cont.: Acción 1, Amor 3, Lágrimas 1, Risas 3, Sexo 0, Violencia 0 [de 0 a 4]

años 30

Sucedió una noche

La pareja de Clark Gable y Claudette Colbert desprende una increíble química

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llie Andrews (Claudette Colbert) es una millonaria a punto de casarse con un galán que sólo pretende aprovecharse de su dinero. Su padre (Walter Connolly), enfadado con esta decisión, no sabe qué hacer para convencerla de que abandone la idea del matrimonio con ese farsante. Durante una discusión en el yate familiar, la alterada Ellie salta por la borda y escapa. Tomará un autobús hacia Nueva York, donde ha quedado con su novio. Pero en el camino conoce al periodista Peter Warne (Clark Gable), que acaba de quedarse sin trabajo. Warne la reconoce enseguida y decide conseguir la exclusiva de la historia. Esta comedia de Frank Capra se inscribe en la “screwball comedy”, mezcla de acción, humor, amor y situaciones disparatadas, que entretienen al espectador desde principio a fin. Al tiempo, Capra no abandona su habitual visión crítica velada de la sociedad norteamericana, mostrada siempre en tono positivo y con talante optimista. La relación entre los personajes interpretados por Colbert y Gable cuenta con escenas memorables, con especial mención para las famosas ‘murallas de Jericó’ en forma de sábana. Se trata de la primera película en la historia de los Oscar que consiguió los cinco premios más importantes: los de mejor película, actriz, actor, director y guión. 17

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L’Atalante

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T.O.:L’Atalante. Año:1934. Dir.:Jean Vigo. Int.: Michel Simon, Dita Parlo, Jean Dasté, Gilles Margaritis, Louis Lefebvre, Maurice Gilles. Guión: Jean Vigo, Jean Guinée, Albert Riéra. Música: Maurice Jaubert. Fot.: Boris Kaufman, Louis Berger, Jean-Paul Alphen. Dist. en DVD: Sherlock. Dur.: 89 min. P.a.:Adultos. Cont.: Acción 1, Amor 3, Lágrimas 2, Risas 1, Sexo 0, Violencia 0 [de 0 a 4]

Los enamorados Dita Parlo y Jean Dasté, en el lecho conyugal

años 30

Aunque su film Cero en conducta había padecido problemas con la censura, lejos de desanimarse Jean Vigo rodó este vigoroso film romántico que se convertiría en obra póstuma, pues murió de tuberculosis antes del estreno. Arranca con el matrimonio de una mujer con el dueño de una barcaza, L’Atalante. Aunque ella está deseando ver las ciudades en las que atracan en un viaje entre Le Havre y París, donde se conjuga el trabajo con algo parecido a una luna de miel, el marido le prohibe salir de la nave, por miedo a que otros hombres pongan los ojos en su amada. Se trata de un film inclasificable, de rara belleza, muy poético y traspasado de melancolía, con una hermosa historia de amor, y que combina pasajes surrealistas casi buñuelescos con el realismo de Jean Renoir. Sobresale la suave fotografía en blanco y negro de Boris Kaufman, que incluye pasajes bajo el agua. Entre los personajes llama la atención, además de la pareja protagonista compuesta por Dita Parlo y Jean Dasté, el de tío Jules, un marinero tatuado absolutamente pintoresco. Muchos años después se convertiría en título de obligada referencias para los jóvenes revolucionarios de la ‘nouvelle vague”.

Margarita Gautier Poco después del difícil paso que le supuso el cambio al cine sonoro, Greta Garbo entrega una de sus mejores interpretaciones. Garbo da vida a una cortesana enamorada del joven y apuesto aristócrata Armand (Robert Taylor). Ambos alimentan este soplo de amor en sus corazones contrariando la idea de la familia de Armand, que no aprueba relación. 18

T.O.: Camille. Año: 1936. País: EE.UU. Dir.: George Cukor. Int.: Greta Garbo, Robert Taylor, Lionel Barrymore, Elizabeth Allan, Jessie Ralph, Henry Daniell. Guión: Zoe Akins, Frances Marion, James Hilton. Arg.: La novela “La dama de las camelias” de Alejandro Dumas. Música: Herbert Stothart. Fot.: William H. Daniels. Dist. en DVD: Warner. Dur.: 93 min. P.a.: Jóvenes. Cont.: Acción 0, Amor 3, Lágrimas 2, Risas 0, Sexo 0, Violencia 0 [de 0 a 4]

Greta Garbo y Robert Taylor, una relación que debe superar muchos obstáculos

La película está rodeada del glamour romántico casi palpable que desprende la pareja protagonista. Actriz recia y metódica, la Garbo se encontraba en su elemento girando en la órbita del melodrama, asumiendo un papel que antes sedujo a grandes damas del teatro como Sarah Bernhardt y Eleonora Duse. Esta película alimenta el mito dramático, porque a la fortaleza interpretativa de la actriz se une la trágica historia que se cuenta, inspirada en “La dama de las camelias”, de Alejandro Dumas. Está además detrás de la cámara todo un experto en la dirección de mujeres, el gran George Cukor. Sobre el enfoque que Garbo da a su personaje, Cukor comentó: “Garbo no hablaba mucho con Robert Taylor. Era cortés, pero distante. Ella tenía que decirse a sí misma que era el hombre joven ideal, y sabía que si intimaban, se daría cuenta de que era simplemente otro chico simpático”. 19

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La fiera de mi niña

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T.O.: Bringing Up Baby. Año: 1938. País: EE.UU. Dir.: Howard Hawks. Int.: Katharine Hepburn, Cary Grant, Charles Ruggles, Walter Catlett, Barry Fitzgerald, May Robson, Fritz Feld, Leona Roberts, George Irving. Guión: Dudley Nichols, Hagar Wilde. Música: Roy Webb. Fot.: Russell Metty. Dist. en DVD: Manga Films. Dur.: 102 min. P.a.: Todos-jóvenes. Cont.: Acción 0, Amor 3, Lágrimas 0, Risas 4, Sexo 0, Violencia 0 [de 0 a 4]

años 30 20

Cary Grant, desquiciado por la alocada Katharine Hepburn

¿

Alguien puede imaginar argumento más disparatado que un antropólogo tímido y una loca dama de la alta sociedad buscando un leopardo perdido al que tienen que cantar una canción absurda para que no les ataque? Y sin embargo, Howard Hawks consigue exponer esta historia con una naturalidad y realismo sorprendentes en esta “screwball comedy”. Los guionistas, Hagar Wilde y Dudley Nichols, conectaron enseguida. El segundo, guionista de La diligencia, y otros títulos de John Ford, declaró que se había inspirado en el trato de Ford con la actriz Katharine Hepburn durante el rodaje de María Estuardo. El guión encandiló a Howard Hawks y a la Hepburn, que convencieron a los directivos de RKO para dar luz verde al proyecto. La fiera de mi niña es un ejemplo de ágiles e ingeniosos diálogos y secundarios inolvidables. Protagoniza el film el apocado y despistado paleontólogo David Huxley, a punto de acabar la reconstrucción de un esqueleto de brontosaurio, en el museo para el que trabaja. En vísperas de casarse con su secretaria, David acude a jugar al golf con el abogado de una anciana millonaria, posible mecenas del museo. Durante el partido, David conocerá a Susan Vance, atractiva muchacha de la alta sociedad que le abolla el coche. A partir de ese momento le manipula de forma caprichosa, llegando a embaucarle para cuidar a un leopardo llamado Baby. Katharine Hepburn tenía mucho interés en protagonizar el film, pues apenas había rodado comedias, excepto algún título como La gran aventura de Silvia, también con Cary Grant. En los ensayos sacaba de quicio al director, porque sus muecas y gestos supuestamente graciosos. Hawks la convenció de que la comedia debe tomarse muy en serio, porque para hacer reír, los actores deben

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comportarse con naturalidad y seriedad. Más experiencia en comedia tenía Cary Grant, que acababa de triunfar con La pícara puritana, de Leo McCarey. Hawks quedó tan contento con su trabajo, que volvería a contratarle en títulos como Sólo los ángeles tienen alas y Luna nueva. La influencia del film es tan grande que casi podemos hablar de un subgénero de películas que imitan al milímetro el esquema argumental, de chica loca y hombre tímido. Por ejemplo, varias del propio Hawks, como Gran bola de fuego y Su juego favorito, y otras más recientes, como Algo salvaje, Cita a ciegas y la única imitación reconocida, ¿Qué me pasa, doctor?, homenaje sentido del cinéfilo Peter Bogdanovich. En una entrevista de Bogdanovich con Howard Hawks, éste le agradece el tributo, pero también le dedica un pequeño reproche. “Tu único error ha sido reconocer abiertamente que me has copiado la idea a mí. Yo he quedado como el inventor de todo esto, porque nunca le he contado a nadie a quien le copié yo la idea”, aseveraba el ingenioso Hawks.

Los camaradas Robert Young, Robert Taylor y Franchot Tone, cautivados por Margaret Sullavan

U

T.O.: Three Comrades. Año: 1938. Dir.: Frank Borzage. Int.: Robert Taylor, Margaret Sullavan, Franchot Tone, Robert Young, Guy Kibbee, Lionel Atwill, Henry Hull. Arg.: La novela de Erich Maria Remarque. Guión: Francis Scott Fitzgerald, Edward E. Paramore Jr. Música: Franz Waxman. Fot.: Joseph Ruttenberg. Dur.: 100 min. P.a.: Jóvenes. Cont.: Acción 1, Amor 3, Lágrimas 3, Risas 2, Sexo 0, Violencia 0 [de 0 a 4]

na delicia de película, situada en la Alemania de entreguerras, que sigue a tres amigos, camaradas del alma, encandilados por la misma mujer, que acabará siendo la prometida de uno y amiga del resto. La crispación del ambiente político que preludia el ascenso del nazismo, las dificultades laborales por la situación económica y una enfermedad fatal afectarán a sus vidas de modo decisivo. 21

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Tres camaradas

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Frank Borzage, un cineasta romántico hasta los tuétanos, contó con el único guión acreditado de otro romántico empedernido, el novelista Francis Scott Fitzgerald, que adaptó la novela de Erich Maria Remarque, consiguiendo su único crédito en una película de cine. El resultado transmite emoción por todos sus poros, en un feliz logro por conjugar reflexión, comedia, tragedia, y todo ello bañado por el amor. Nunca estuvo más encantadora Margaret Sullavan, y los tres amigos del título, Robert Taylor, Franchot Tone y Robert Young componen a las mil maravillas los rasgos de sus personajes. La escena que comparten los cuatro en un automóvil es de las que te alegran el día.

Ninotchka

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T.O.: Ninotchka. Año: 1939. Dir.: Ernst Lubitsch. Int.: Greta Garbo, Melvyn Douglas, Ina Claire, Bela Lugosi, Sig Ruman, Felix Bressart, Alexander Granach. Guión: Charles Brackett, Billy Wilder, Walter Reisch. Música: Werner R. Heymann. Fot.: William H. Daniels. Dist. en DVD: Warner. Dur.: 110 min. P.a.: Jóvenes. Cont.: Acción 1, Amor 2, Lágrimas 0, Risas 3, Sexo 0, Violencia 0 [de 0 a 4]

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La camarada soviética Greta Garbo supervisa a los hombres que tiene destacados en París

E

rnst Lubitsch dirige esta deliciosa comedia, cuyo estreno fue promocionado con la legendaria frase publicitaria “Greta ríe”. Efectivamente, Greta Garbo “la Divina”, famosa por sus papeles dramáticos, ríe, y el resultado no puede ser más alentador, ya que estamos ante una de las comedias más entrañables y simpáticas de todos los tiempos. La acción transcurre en París. Tres emisarios soviéticos Iranoff, Buljanoff y Kopalski han sido enviado a cumplir una importante misión. Ante sus escasos resultados la eficaz camarada Ninotchka es enviada para ayudarlos y supervisar sus actuaciones. No obstante, los encantos del mundo capitalista son difícles de combatir... Junto a Greta Garbo, protagoniza la película en el papel de galán Melvyn Douglas. Destacan también las actuaciones de los tres actores que dan vida a

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los miembros de la delegación soviética, los tronchantes secundarios Sig Ruman, Felix Bressart y Alexander Granach. Lubitsch contó para la elaboración del guión con el dúo Charles Brackett-Billy Wilder. El film obtuvo cuatro nominaciones al Oscar, incluidas mejor película y mejor actriz. Impagable el momento en que la protagonista se encapricha con un sombrerito.

Laurence Olivier llora desconsolado en el regazo de su amada Merle Oberon

¿

Puede el amor superar las barreras sociales? Eso se pregunta Heathcliff, criado junto a los hermanos Catherine y Hindley Earnshaw, enamorado de la primera, pero de clase inferior al pretendiente oficial de ella, Edgar Linton. Brillante adaptación de la apasionadamente romántica novela de Emily Bron23

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T.O.: Wuthering Heights. Año: 1939. País: EE.UU. Dir.: William Wyler. Int.: Merle Oberon, Laurence Olivier, David Niven, Donald Crisp, Geraldine Fitzgerald, Hugh Williams. Arg.: La novela de Emily Brontë. Guión: Charles MacArthur, Ben Hecht, John Huston. Música: Alfred Newman. Fot.: Gregg Toland. Dist. en DVD: Fox. Dur.: 104 min. P.a.: Todosjóvenes. Cont.: Acción 1, Amor 4, Lágrimas 4, Risas 1, Sexo 0, Violencia 1 [de 0 a 4]

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Cumbres borrascosas

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të, aunque sólo abarque la mitad del libro. El brillante guión se debe al dúo Charles MacArthur-Ben Hecht, con retoques de John Huston. Producción de lujo de Samuel Goldwyn, William Wyler ató en corto a Laurence Olivier, que procedente del teatro tendía a sobreactuar. Es la mejor adaptación cinematográfica -existen varias- de la obra de la Brontë, aunque fue discutido el modo de lograr un ‘happy end’ de figuras fantasmales inexistente en la novela y que no agradaba a Wyler, pero que fue impuesto por el todopoderoso Goldwyn. Aunque se rodó en estudio, un equipo viajó al Reino Unido para filmar los páramos donde transcurre la acción, y poder reproducirlos convenientemente. El film ganó el Oscar a la mejor fotografía en el año 1939. Se debía al maestro Gregg Toland, célebre por su trabajo en Ciudadano Kane.

Lo que el viento se llevó

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T.O: Gone with the Wind. Año: 1939. País: EE.UU. Dir.: Victor Fleming. Int.: Vivien Leigh, Clark Gable, Leslie Howard, Olivia de Havilland, Thomas Mitchell, Hattie McDaniel, Evelyn Keyes, Ann Rutherford, George Reeves. Arg.: La novela de Margaret Mitchell. Guión: Sidney Howard. Música: Max Steiner. Fot.: Ernest Haller. Dist. en DVD: Warner. Dur.: 224 min. P.a.: Jóvenes. Cont.: Acción 2, Amor 2, Lágrimas 1, Risas 0, Sexo 0, Violencia 0 [de 0 a 4]

Clark Gable besa delicadamente a Vivien Leigh

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l Sur de los Estados Unidos. Modos de vida que se resisten a desaparecer. Escarlata O’Hara es una joven muy solicitada por los jóvenes del lugar. Pero ella, caprichosa y egoísta, no quiere a cualquiera. Aunque le encanta coquetear, ha puesto sus ojos en Ashley, un joven bondadoso, lo más opuesto a 24

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su carácter, que ama a una chica dulce de nombre Melanie. Quien sí parece horma de su zapato es Rhett, bravucón y avispado, que espera aprovechar la inminente guerra de secesión para hacer fortuna. Pero Escarlata le rechaza, quizá porque ve en él como en un espejo. Y no le gusta lo que contempla. Adaptación monumental de la popularísima novela, auténtico bestseller, de Margaret Mitchell. El productor David O. Selznick, auténtico La pionera autor del film, puso todos los meAntes de que Halle Berry llorara dios para lograr una gran epopeya, a moco tendido por el Oscar a la cruzada por los amores y pasiones mejor actriz gracias a Monster’s intensas de sus protagonistas. Ante Ball (2001), una actriz morena él desfilaron directores como Geory regordeta que respondía al nombre de Hattie McDaniel ganage Cukor, Victor Fleming y Sam ba la estatuilla en la categoría de mejor actriz secundaria. Era el año 1940 y aún tenía que llover mucho para que los derechos Wood, con los que mantuvo difeciviles de los negros dieran un paso de gigante en los Estados rencias: sería Fleming, que acababa Unidos. Pero el gran trabajo de esta actriz, con sus sabios conde entregar El mago de Oz, el que sejos y reproches a la señorita Escarlata, fue una señal de aviso. dirigiría la mayor parte del metraje. Las cosas para la gente de color tenían que cambiar ya. El papel más codiciado del film, por supuesto, era el de Escarlata. Pese a candidaturas con la fuerza de Katharine Hepburn, Paulette Goddard y Jean Arthur, Laurence Olivier y Vivien Leigh lograron poner a Myron Selznick de su parte. De hecho acudieron un día con ella al rodaje (se habían empezado ya a rodar planos del incendio de Atlanta), y Myron, con una sonrisa de oreja a oreja, se acercó a David Selznick y George Cukor, y les dijo señalando a Vivien Leigh: “Os presento a Escarlata O’Hara”. Diez Oscar, incluidos mejor película y director, obtuvo este film legendario. Y durante muchos años ostentó el título de “más taquillero de los tiempos”, y si se aplican correcciones inflacionarias, puede que hoy en día todavía lo siga siendo. La película se reestrenaba periódicamente en salas de todo el mundo y su primer pase en televisión fue todo un acontecimiento. Incluso, con el pasar de los años, una tal Alexander Ripley se atrevió a perpetrar un libro, continuación del de Mitchell. Pero a pesar de los esfuerzos realizados, no resistía la comparación con el original. Como tampoco lo hizo la miniserie televisiva que inspiró. Espectacularidad e intimismo

El film combina escenas espectaculares (que suelen interesar más a los hombres) con la relación de amor-odio entre Escarlata y Rhett (parta favorita de las damas). Destaca en el primer apartado el incendio de Atlanta, y el campo tras la batalla, con un plano que empieza mostrando a miles de figurantes, combatientes sureños tocados por la derrota, para terminar en la bandera de un Sur condenado a desaparecer. La dificultad de los personajes para confesar sus sentimientos es el plato fuerte del otro elemento apuntado. Pasajes como el de Escarlata con el brazo levantado y el puño cerrado, diciendo “Pongo a Dios por testigo de que no volveré a pasar hambre”, impresionan.

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T.O.: Zangiku monogatari. Año: 1939. País: Japón. Dir.: Kenji Mizoguchi. Int.: Shotaro Hanayagi, Kokichi Takada, Gonjuro Kawarazaki, Kakuko Mori, Tokusaburo Arashi, Yoko Umemura. Arg.: La novela de Shofu Muramatsu. Guión: Matsutaro Kawaguchi, Yoshikata Yoda. Música: Shiro Fukai, Senji Ito. Fot.: Yozo Fuji, Minoru Miki. Dist. en DVD: DeAPlaneta. Dur.: 142 min. P.a.: Jóvenes. Cont.: Acción 0, Amor 3, Lágrimas 2, Risas 0, Sexo 0, Violencia 0 [de 0 a 4]

El amor sincero de Kokichi Takada y Shotaro Hanayagi

K

ikinosuke, hijo adoptivo de un célebre actor de kabuki, ha seguido la senda profesional del padre. Delante de él todo son alabanzas y parabienes en lo relativo a su trabajo, aunque a sus espaldas sus supuestos amigos le tachan de mediocre, cuya fama se sostiene sólo por su apellido. Pero un día Fukusuke, la niñera del hermano pequeño de Kikinosuke rompe ese círculo de adulaciones y le dice la verdad, con la sincera intención de ayudarle a convertirse en 26

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un gran actor. Él, consciente del valor que ha demostrado Fukusuke, aprende a apreciarla y se enamora de ella. Pero la familia de Kikinosuke considera la posible unión un disparate, por la disparidad de sus rangos sociales. Él tomará la decisión de romper con su familia, lo que supone el inicio de una serie de penalidades. Kikinosuke debe empezar desde cero para triunfar en el teatro, lo que le lleva a tocar fondo en una compañía itinerante. Uno de los mejores trabajos entregados por Kenji Mizoguchi antes del estallido de la Segunda Guerra Mundial. El film describe con parsimonia el amor abnegado de Fukusuke, basado en la sinceridad y el sacrificio, y la correspondencia de Kikinosuke, que sabe que su ascenso actoral se lo debe a ella. Teñida de tintes trágicos algo fatalistas, en que Kikinosuke raya la desesperación, hay lugar para la esperanza, aunque el final tenga algo de forzado. Sobresalen las estudiadas composiciones de los planos y los travellings laterales, pero aún más el modo en que el director atrapa el alcance del verdadero amor.

Joan Fontaine, escrutada por la siniestra Judith Anderson

U

na joven contrae matrimonio con un aristócrata viudo y se traslada a vivir a su mansión, Manderley, situada en Cornualles. Sin embargo, ahí continúa presente la sombra de Rebeca, la anterior mujer del millonario, fallecida en extrañas circunstancias. El maestro del suspense, Alfred Hitchcock, fue contratado para su debut en Estados Unidos por el célebre productor David O. Selznick (Lo que el

T.O.: Rebecca. Año: 1940. País: EE.UU. Dir.: Alfred Hitchcock. Int.: Laurence Olivier, Joan Fontaine, George Sanders, Judith Anderson, Nigel Bruce, Gladys Cooper, Reginald Denny, C. Aubrey Smith. Arg.: La novela de Daphne Du Maurier. Guión: Robert E. Sherwood, Joan Harrison, Philip MacDonald, Michael Hogan. Música: Franz Waxman. Fot.: George Barnes. Dist. en DVD: Filmax. Dur.: 130 min. P.a.: Jóvenes-adultos. Cont.: Acción 2, Amor 3, Lágrimas 1, Risas 0, Sexo 0, Violencia 1 [de 0 a 4]

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años 40

Rebeca

Cine,te quiero

viento se llevó), para adaptar la novela de Daphne Du Maurier; su asociación duraría ocho años. Consiguió excelentes interpretaciones, en especial de Judith Anderson, como la siniestra ama de llaves, que sigue idolatrando a Rebeca y ve a la recién llegada como a una intrusa. La influencia de alguien ya muerto la conecta con los títulos posteriores Vértigo (De entre los muertos) y Psicosis. Además la mansión donde transcurre la acción, con su opresiva atmósfera, llega a convertirse en un personaje más, como pasaría años más tarde con el motel de Psicosis. La película ganó dos Oscar, a la mejor película y fotografía.

Luna nueva

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T.O.: His Girl Friday. Año: 1940. País: EE.UU. Dir.: Howard Hawks. Int.: Cary Grant, Rosalind Russell, Ralph Bellamy, Gene Lockhart, Porter Hall. Arg.: La obra de teatro de Ben Hecht y Charles MacArthur. Guión: Charles Lederer. MacArthur. Música: Sidney Cutner, Felix Mills, Morris Stoloff. Fot.: Joseph Walker. Dist. en DVD: Sony. Dur.: 92 min. P.a.: Todos. Cont.: Acción 2, Amor 2, Lágrimas 0, Risas 4, Sexo 0, Violencia 0 [de 0 a 4]

Rosalind Russell y Cary Grant, frenéticos chicos de la prensa

D

isparatada “screwball”. del genial Howard Hawks, a partir de la obra teatral de Ben Hecht y Charles MacArthur, llevada al cine con buen tino en varias ocasiones. La versión de Hawks cambia el sexo del protagonista, que se convierte en una agresiva periodista (maravillosa Rosalind Russell), que piensa retirarse para casarse, aunque es una profesional de raza. Podrá más su instinto periodístico a la hora de cubrir una próxima ejecución,

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románticas

y el amor por su ex marido, editor del periódico, un genial Cary Grant. El film, de diálogos que se pisan unos a otros, rebosa ingenio por todos sus poros, incluida la idea de la guerra de sexos, y contiene escenas desternillantes, como la del reo condenado oculto en un secreter. También utiliza con inteligencia al pobre novio, testigo pasivo de cómo su futura esposa sigue enredadada a las tareas periodísticas, que tanto le gustan. Es por ello además un simpático homenaje a “los chicos de la prensa”.

Margaret Sullavan y James Stewart ignoran su amor mutuo

E

spléndida comedia de enredo, donde Samson Raphaelson adapta una obra del húngaro Nikolaus Laszlo para Ernst Lubitsch. El resultado es brillantísimo. Todo gira en torno a dos personajes, Alfred ( James Stewart) y Klara (Margaret Sullavan), que trabajan en la misma tienda. Ella es una recién llegada, y no puede soportar al otro, demasiado puntilloso en lo que se refiere al trabajo. Curiosamente, ambos han iniciado una relación amo29

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T.O.: The Shop Around The Corner. Año: 1940. País: EE.UU. Dir.: Ernst Lubitsch. Int.: Margaret Sullavan, James Stewart, Frank Morgan, Joseph Schildkraut, Sara Haden, Felix Bressart. Guión: Samson Raphaelson. Música: Werner R. Heymann. Fot.: William H. Daniels. Dist. en DVD: Warner. Dur.: 95 min. P.a.: Todos. Cont.: Acción 0, Amor 3, Lágrimas 0, Risas 2, Sexo 0, Violencia 0 [de 0 a 4]

años 40

El bazar de las sorpresas

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rosa por correspondencia. Lo que uno escribe es recibido con alborozo por la otra, y viveversa. No tienen la mínima sospechosa de que ese amor ideal coincide con el tipo-tipa odioso-odiosa que tienen al lado. La vigencia del film y sus diálogos chispeantes está clara si se tiene encuenta el remake acometido casi 60 años después en Tienes un e-mail. Margaret Sullavan está radiante, como mujer moderna y decidida, mientras James Stewart da el tipo de individuo nada diplomático. Por supuesto, los secundarios brillan a gran altura. Por ejemplo Joseph Schildkraut, un empleado la mar de repelente, el jefe un tanto déspota, maravilloso Frank Morgan, y Felix Bressart, genial y tímido decorador de escaparates, el mejor amigo y consejero de Alfred.

Las tres noches de Eva

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T.O.: The Lady Eve. Año: 1941. País: EE.UU. Dir.: Preston Sturges. Int.: Barbara Stanwyck, Henry Fonda, Charles Coburn, Eugene Pallette, William Demarest, Eric Blore. Guión: Preston Sturges, Monckton Hoffe. Música: Phil Boutelje, Charles Bradshaw, Gil Grau, Sigmund Krumgold, John Leipold, Leo Shuken. Fot.: Victor Milner. Dist. en DVD: Sherlock. Dur.: 91 min. P.a.: Jóvenes. Cont.: Acción 2, Amor 2, Lágrimas 0, Risas 3, Sexo 0, Violencia 0 [de 0 a 4]

Barbara Stanwyck, mujer de carácter

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románticas

U

n millonario estudioso de los ofidios es la presa fácil de una familia de timadores en un barco. El plan consiste en que la hija le seduzca para sacarle los dólares, pero ella se va a enamorar perdidamente. Se separarán en términos poco amistosos, pero la chica, a modo de moderna Eva, compañera absolutamente necesaria para su Adán, adoptará una personalidad distinta, para intentar la conquista de nuevo. Comedia repleta de ingenio, a cargo de Preston Stuges. Logra que suspendamos cualquier atisbo de incredulidad ante la asombrosa premisa argumental de la misma mujer con distinto aspecto. El cineasta no sólo plantea un buen puñado de divertidísimas situaciones de enredo, sino que demuestra ser un fino conocedor de las psicologías masculina y femenina. La reina de la función es la enredadora Barbara Stanwyck. Pero además de darle buena réplica Henry Fonda, resulta muy gracioso en los diversos momentos en que se ve obligado a cambiar de esmoquin.

A Ingrid Bergman y Humphrey Bogart siempre les quedará París

“H

ay valores por los que merece la pena hacer sacrificios”. Así define el guionista Howard Koch la esencia de una película de las de antes pero con vibración de eternidad. El paso de los años se revela anecdótico en historias que, como ésta, no han sido concebidas para definir una época, sino para estremecer el corazón del hombre. Casablanca es un clásico sencillamente porque lo que en ella está en juego -ese puñado de valores de los que habla

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T.O.: Casablanca. Año: 1942. País: EE.UU. Dir.: Michael Curtiz. Int.: Humphrey Bogart, Ingrid Bergman, Claude Rains, Paul Henreid, Conrad Veidt, Sydney Greenstreet, Peter Lorre, Dooley Wilson, S.Z. Sakall, Madeleine LeBeau, Leonid Kinskey, Joy Page. Argumento: La obra de teatro “Everybody Comes to Rick’s” de Murray Burnett y Joan Alison. Guión: Julius J. Epstein, Philip G. Epstein, Howard Koch. Música: Max Steiner. Fot.: Arthur Edeson. Dist. : Warner. Dur.: 98 min. P.a.: Jóvenes. Cont.: Acción 2, Amor 4, Lágrimas 1, Risas 2, Sexo 0, Violencia 0 [de 0 a 4]

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Casablanca

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Koch- siempre interesa, y atrae, y emociona. Y si la historia del Rick’s Café Américain vino a convertirse en el paradigma del romanticismo, no es menos cierto que desde su alumbramiento allá en 1942 quedó también inventada una nueva terapia contra la desesperación, una medicina que conviene recetarse cuando perdemos algo de eso que podemos denominar confianza en la condición humana. El argumento, mil veces conocido, narra mucho más que el reencuentro de dos amantes en el exilio bajo el sonido de las notas de un piano (“play it, Sam”). Rick e Ilsa sufren el shock emocional de contemplarse de nuevo tras su adiós en París, pero ese golpe -¿cruel?- del destino coincide con la efervescencia de un oasis –“vine aquí a tomar las aguas”, dice Bogie- donde hombres y mujeres buscan una improbable libertad, no únicamente política, sino personal. En realidad, Casablanca se convierte en territorio de redención, y el garito de Rick en refugio de los olvidados, en su primer peldaño hacia el paraíso. La atmósfera multiforme del local es tan rica como la amalgama de sus caracteres humanos: rateros, gendarmes, asesinos, contrabandistas, enamorados, ludópatas... Pero la esperanza es siempre la misma. Y hasta el anhelado viaje a Lisboa, cede todo su protagonismo a la propia espera, a una promesa configurada en actitudes de amor, odio, juego, cinismo, amistad, patriotismo -allons enfants de la patrie.-, recuerdo e hipocresía. La película debe su existencia a Hal B. Wallis, reputado productor de la SECUNDARIOS DE LUJO Warner. Los hermanos Julius y PhiMaravillosa es la galería de lip Epstein se encargaron de escribir personajes que se reúnen cada el guión a apartir de la obra de teatro noche en el local de Rick Blaine. “Everybody Comes to Rick’s”. Y lo Ahí están el cínico y oportunista bordaron. Su repertorio de diálogos capitán Renault (impagable Claude Rains), el noble marido Vicrebosa de cuerpo y alma, de humor tor Laszlo (Paul Henreid), el fiel amigo Sam (Dooley Wilson), el sutil y elegante. Y el tercer guionista, pobre y mediocre Ugarte (Peter Lorre), el gordo Ferrari (Sydney Howard Koch, introdujo en el proGreenstreet), el entrañable Carl (S.Z. Sakall) y el “ruso loco” Sastagonista su faceta de hombre duro y ha (Leonid Kinskey). Todos ellos contribuyen a lograr el ambiente verdaderamente inolvidable del Rick’s Café Américain. misterioso, con ese aire pesimista de escéptico en horas bajas. Max Steiner orquestó una música tomada de canciones populares, como la ya mítica “As Time Goes By”. Y todo lo combinó a la perfección el director Michael Curtiz, quien hizo de Casablanca un género cinematográfico en sí mismo, mezcla de drama, melodrama, comedia, romance, aventura y película de guerra. Y, sin embargo, Casablanca es por encima de todo la portentosa pasión de Humphrey Bogart e Ingrid Bergman. Sus primeros planos casi desprenden electricidad y las palabras “Here’s Looking at You, Kid!” se han convertido desde entonces en un talismán, en la fórmula mágica del amor eterno. Probemos también nosotros y digamos despacio, copa en mano, saboreando las sílabas: “Va por ti, nena...”

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románticas

BOGART, EL HÉROE MÍTICO

Rick Blaine, el mítico personaje interpretado por Humphrey Bogart, ha quedado como arquetipo del hombre de una pieza, cuya entereza moral, idealismo y grandeza de corazón salen a la superficie cuando la ocasión lo requiere. Mientras, sobrevive día a día como el escéptico solitario que un día recibió el golpe mortal de una mujer que no ha podido olvidar.

Veronica Lake hechiza a cualquiera

E

ncantadora comedia romántica donde una bruja de los tiempos de Salem intenta en la actualidad vengarse de uno de los descendientes de los que la condenaron a la hoguera. Por supuesto, ambos acabarán enamorados tras muchos y afortunados momentos de humor. La pareja protagonista la componen Fredric March y Veronica Lake, muy bien acompañados por Robert Benchley y Susan Hayward. Aunque curiosamente March y Lake no se llevaron bien en el rodaje. Asegura la leyenda que, molesta con March, la actriz le gastó bromas como la de ocultar en su vestido 18 kilos 33

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T.O.: I Married a Witch. Año: 1942. Dir.: René Clair. Int.: Fredric March, Veronica Lake, Robert Benchley, Susan Hayward, Cecil Kellaway, Elizabeth Patterson, Robert Warwick. Arg.: La novela “The Passionate Witch”de Thorne Smith. Guión: Robert Pirosh, Marc Connelly. Música: Roy Webb. Fot.: Ted Tetzlaff. Dist. en DVD: Suevia. Dur.: 70 min. P.a.: Jóvenes. Cont.: Acción 1, Amor 2, Lágrimas 0, Risas 2, Sexo 0, Violencia 0 [de 0 a 4]

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Me casé con una bruja

Cine,te quiero

adicionales en una escena en que debía llevarla en brazos. Todo el film desprende un aroma clásico y adorablemente alocado. La película, que parte de la novela “The Passionate Witch” escrita por Thorne Smith, iba en principio a ser dirigida por Preston Sturges y producida por Paramount, pero problemas de todo tipo la convirtieron en una película de René Clair distribuida por United Artist. Obtuvo una nominación al Oscar a la mejor banda sonora original para Roy Webb.

Laura

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T.O.: Laura. Año: 1944. País: EE.UU. Dir.: Otto Preminger. Int.: Gene Tierney, Dana Andrews, Clifton Webb, Vincent Price, Judith Anderson, Cy Kendall, Grant Mitchell. Arg.: La novela de Vera Caspary. Guión: Elizabeth Reinhardt, Jay Dratler, Samuel Hoffenstein. Música: David Raksin. Fot.: Joseph LaShelle. Dist. en DVD: Fox. Dur.: 88 min. P.a.: Jóvenes. Cont.: Acción 1, Amor 2, Lágrimas 0, Risas 0, Sexo 0, Violencia 1 [de 0 a 4]

Dana Andrews, fascinado, ¿y quién no?, por Gene Tierney

U

na mujer llamada Laura Hunt ha sido asesinada en su apartamento de Nueva York y el joven detective Mark McPherson se encarga de la investigación. Los principales sospechosos son el novio de la víctima, Shelby Carpenter, un elegante galán pero tan falso que parece capaz de engañar a su propia madre, y un prestigioso y maduro escritor llamado Waldo Lydecker. El poli McPherson los investiga pacientemente y poco a poco empieza a comprender la gran influencia que ejercía Laura sobre esas personas, porque él empieza a tener los mismos síntomas.

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Título emblemático del cine negro (y de la historia del cine). Preminger maneja la historia con sabiduría y hay hallazgos deliciosos, como la presentación de Lydecker o la permanente y amorosa fascinación que ejerce el cuadro de Laura sobre McPherson. Destacan también la fotografía de Joseph LaShelle (que ganó el Oscar) y la riqueza de los diálogos, por no hablar del estupendo reparto. Fantástico clímax.

románticas

NOMBRE DE MUJER

Ninotchka, Laura, Rebeca, Gilda... Nombres del cine que han dejado huella. Pero pocos rostros tan extraordinarios como el de Gene Tierney. Aquí la fuerza de su mirada y la perfección esculpida de sus ángulos faciales sólo son comparables con los que mostró en esa maravilla del melodrama titulada Que el cielo la juzgue. Sabiendo lo que tenía, Preminger repitió con la pareja Tierney-Andrews en Al borde del peligro (1950).

El juez Rafael Durán, cautivado por la misteriosa Ampara Rivelles

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n juez de un pueblo de Castilla coincide en una diligencia con una hermosa dama, a la que corteja. Aunque ella es una mujer misteriosa, que al principio le contesta con evasivas, acaban enamorándose. Se separarán con la promesa de volver a verse, pero una serie de fatalidades les separan, y no vuelven a verse. Él ocupara su plaza en un pueblo perdido, y allí se entretiene investigando el misterio de un cráneo encontrado en un cementerio con un clavo incrustado en su cerebro. Una de las películas españolas más aclamadas y reivindicadas por la crítica, llegándose a comparar su historia de amor con algunas del cine clásico norteamericano (Rebeca, Jennie...). Su tono onírico y su ambiente de cine negro, la convierten en un extraño ejemplo dentro del cine de su autor, que logra crear con autonomía propia un romance fantástico, obsesivo y desesperado. El propio Gil escribió el guión basándose en una novela corta de Pedro Antonio de Alarcón. Los actores están maravillosos, desde la pareja protagonista, Amparo Rivelles y Rafael Durán, hasta el grandísimo secundario Juan Pantaleón.

T.O.: El clavo. Año: 1944. País: España. Dir.: Rafael Gil. Int.: Amparo Rivelles, Rafael Durán, Juan Espantaleón, Irene Caba Alba, Rafaela Satorrés, Manuel Arbó, Milagros Leal, José María Lado, Camino Garrigó. Arg.: El relato de Pedro Antonio de Alarcon. Guión: Rafael Gil. Música: Juan Quintero. Fot.: Alfredo Fraile. Dist. en DVD: Divisa. Dur.: 89 min. P.a.: Jóvenes. Cont.: Acción 1, Amor 3, Lágrimas 2, Risas 0, Sexo 0, Violencia 0 [de 0 a 4]

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El clavo

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Breve encuentro

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T.O.: Brief Encounter. Año: 1945. País: Reino Unido. Dir.: David Lean. Int.: Celia Johnson, Trevor Howard, Stanley Holloway, Joyce Carey, Cyril Raymond. Guión: Noel Coward. Fot.: Robert Krasker. Dist. en DVD: Filmax. Dur.: 86 min. P.a.: Jóvenes-adultos. Cont.: Acción 1, Amor 4, Lágrimas 4, Risas 1, Sexo 1, Violencia 1 [de 0 a 4]

El amor en una estación de Celia Johnson y Trevor Jones

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na mujer casada y con dos hijos, que vive en un suburbio, toma todos los jueves el tren para ir a la ciudad. Un día conoce de forma fortuita en la estación a Howard, casado y padre de familia. Poco a poco, ambos entablan una romántica relación amorosa que les saca de la rutina, lo que les conduce al dilema moral de dejar de verse o romper con sus respectivas familias. Hito del cine romántico sobre el amor imposible. El cineasta británico David Lean (El puente sobre el río Kwai, Lawrence de Arabia) coescribió el guión a partir de una obra de teatro de Noel Coward. Los dos intérpretes principales, Celia Johnson y Trevor Howard están soberbios. La película es sutil como pocas, pero realista y moderna a más no poder. Y da qué pensar. Merece especial mención la utilización como banda sonora del concierto para piano Núm. 2, de Rachmaninoff. El film es una muestra de la fructífera relación de Lean con Noel Coward (1899-1973). El dramaturgo inglés fue un autor prolífico que extendió su creatividad al mundo del cine, donde ejerció como guionista, actor, productor, director y hasta compositor en distintas películas. De todas maneras, su especialidad era retratar con sutileza la vida cotidiana de la sociedad británica, y ejemplos de esa maestría son sus colaboraciones con el director David Lean: Sangre, sudor y lágrimas (1942), La vida manda (1944), El espíritu burlón (1945) y la obra maestra Breve encuentro (1945).

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románticas

U

n agente del FBI le pide a una mujer que seduzca a un miembro de una organización ligada a los nazis, que opera en Río de Janeiro. Tras una serie de encuentros, el hombre que vigila le pide que se case con él. Al tiempo, la joven mantiene un romance con el agente que le sirve del enlace. Pero su condición de espía le obliga al sacrificio supremo, por el bien de su país. Uno de los filmes más románticos de Alfred Hitchcock –la gran pareja de Cary Grant e Ingrid Bergman– que, a la vez, consigue una gran tensión con el MacGuffin del uranio para construir bombas atómicas, o con la famosa llave de la bodega. Entre los soberbios actores destaca Claude Rains, como el villano de la historia, un hombre que vive a la sombra de su autoritaria madre. Es célebre la escena del beso, publicitado como el más largo de la historia, tres minutos, algo sólo posible por el montaje, pues había normas de la censura muy estrictas al respecto.

Gilda

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on los años de la Segunda Guerra Mundial, en Buenos Aires. Ballin Mundson (George Macready) está al frente de un casino, y su hombre de confianza es un jugador llamado Johnny Farrell (Glenn Ford), al que Mundson ha sacado de un aprieto. Un día, a la vuelta de un viaje, Mundson se presenta en su casa con una atractiva mujer llamada Gilda (Rita Hayworth), y enseguida se establece una tirantísima relación entre Johnny y ella, una profunda mezcla de amor y odio que marcará la vida de los tres protagonistas. 37

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Cary Grant e Ingrid Bergman, amor de espías

T.O.: Notorious. Año: 1946. País: EE.UU. Dir.: Alfred Hitchcock. Int.: Cary Grant, Ingrid Bergman, Claude Rains, Louis Calhern, Leopoldine Konstantin, Reinhold Schünzel, Moroni Olsen, Ivan Triesault. Guión: Ben Hecht. Arg.: Relato “The Song of the Dragon” de John Taintor Foote. Música: Roy Webb. Fot.: Ted Tetzlaff. Dist. en DVD: Filmax. Dur.: 101 min. P.a.: Jóvenes. Cont.: Acción 3, Amor 3, Lágrimas 3, Risas 1, Sexo 0, Violencia 1 [de 0 a 4]

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Encadenados

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T.O.: Gilda. Año: 1946. Dir.: Charles Vidor. Int.: Rita Hayworth, Glenn Ford, George Macready, Joseph Calleia, Steven Geray, Joe Sawyer. Guión: Marion Parsonnet. Música: Hugo Friedhofer. Fot.: Rudolph Maté. Dist. en DVD: Sony. Dur.: 103 min. P.a.: Jóvenesadultos. Cont.: Acción 2, Amor 3, Lágrimas 0, Risas 0, Sexo 0, Violencia 0 [de 0 a 4]

años 40 Rita Hayworth nunca estuvo más seductora

U

na de las grandes películas de la historia del cine, con una apoteósica Rita Hayworth, que hace honor a al reclamo del film: “Nunca hubo una mujer como Gilda”. Se trata de una genuina historia de cine negro, narrada con una tremenda fuerza. Impactó de tal manera a los espectadores de la época, que la primera experiencia atómica de la posguerra, la bomba lanzada por los norteamericanos sobre el atolón Bikini, llevó por nombre Gilda y tenía pegada una fotografía publicitaria de la Hayworth. Este papel encumbró a la actriz a la categoría de estrella eterna del celuloide. La escena en la que interpreta “Put the Blame on Mame”, en la que se quita un guante, es una de las más famosas de la historia del cine, y el bailecito de “Amado mío” no le va a la zaga. Y, en fin, la sonora bofetada posterior que le propina un severo Glenn Ford no es menos célebre. Un drama pasional lleno de intriga, con una fantástica ambientación. Una joya.

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románticas

Kim Hunter y David Niven mantienen su amor más allá de la muerte

U

n piloto inglés (David Niven) sobrevuela el Canal de la Mancha con su avión incendiado. Antes de morir, entabla por radio una conversación apasionada con una radiotelegrafista americana (Kim Hunter) de la que se enamora. Por razones inexplicables, el aviador sobrevive y se encuentra con ella. En el cielo no entienden lo que ha pasado y envían en su busca a un caballero francés del siglo XVIII. Romántica, atrevida y hermosa fantasía alegórica de dos cineastas cada vez más valorados por los estudiosos debido a su desbordante imaginación: el gran Michael Powell, que formó un increíble tándem con el genial Emeric Pressburger. Pocas películas han dado una visión del cielo mejor: en ningún momento se cae en la cursilería, a la vez que se hace una apuesta decidida por la fuerza inmensa del amor. Como dice el protagonista en cierto momento, “En el universo, nada es más poderoso que la ley; pero en la Tierra, nada es más poderoso que el amor”. 39

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T.O.: A Matter of Life and Death. Año: 1946. País: Reino Unido. Dir.: Michael Powell, Emeric Pressburger. Int.: David Niven, Kim Hunter, Robert Coote, Kathleen Byron, Richard Attenborough, Raymond Massey. Guión: Michael Powell, Emeric Pressburger. Música: Allan Gray. Fot.: Jack Cardiff. Dist. en DVD: Filmax. Dur.: 104 min. Público apropiado: Jóvenes. Cont.: Acción 2, Amor 3, Lágrimas 3, Risas 3, Sexo 0, Violencia 0 [de 0 a 4]

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A vida o muerte

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Locura de amor

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T.O.: Locura de amor. Año: 1948. País: España. Dir.: Juan de Orduña. Int.: Aurora Bautista, Fernando Rey, Sara Montiel, Jorge Mistral, Jesús Tordesillas, Manuel Luna, Juan Espantaleón, Ricardo Acero, María Cañete, José Bódalo Guión: Carlos Blanco, Alfredo Echegaray, José María Pemán. Música: Juan Quintero. Fot.: José F. Aguayo. Dur.: 109 min. P.a.: Jóvenes. Cont.:Acción 1, Amor 2, Lágrimas 1, Risas 0, Sexo 0, Violencia 0 [de 0 a 4]

Los amores locos de Aurora Bautista

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n el reino de Castilla, Juana, hija de los Reyes Católicos, está perdiendo la cabeza por su amado Felipe, apodado el hermoso. La heredera al trono, conocida como ‘la loca’, siente una obsesión extrema por su marido, a pesar de que éste prefiere divertirse y pasar el tiempo con otras mujeres. La infidelidad de Felipe acabará mentalmente con Juana, que no dejará de amarle incluso después de la temprana muerte de éste. La película relata las andanzas históricas de Juana, la loca, a partir de la obra de Manuel Tamayo y Baus. Se trata de una vistosa producción de Cifesa dirigida por Juan de Orduña, uno de los cineastas españoles más importantes al término de la guerra civil. Aurora Bautista interpreta de modo maravilloso a Juana, papel que le lanzó a la fama. Con Orduña también trabajó en Agustina de Aragón, otro drama histórico. Entre el reparto sobresale Fernando Rey (el marido) y una jovencita Sara Montiel. El film ganó el premio del Círculo de Escritores Cinematográficos a la mejor película. 40

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Carta de una desconocida

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Louis Jourdan no sabe reconocer el amor de Joan Fontaine

Uno de los grandes títulos de Max Ophüls (Madame de...) y el papel más recordado de la mítica Joan Fontaine junto al que compuso en Rebeca. El guión está basado en la novela homónima del novelista austriaco Stefan Zweig, de tono y emoción muy similares a los de la película, al vertebrarse uno y otra en la carta del título en que Lisa confiesa un amor que Stefan no ha sabido reconocer –“Cuando leas esta carta, habré muerto...”–, a pesar de lo cerca que lo tenía en todo momento. Se trata de una tragedia romántica repleta de secuencias muy emotivas, con una formidable fotografía en claroscuros y unos personajes realmente extraordinarios. 41

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T.O.: Letter From an Unknown Woman. Año: 1948. Dir.: Max Ophüls. Int.: Joan Fontaine, Louis Jourdan, Mady Christians, Marcel Journet, Art Smith, Carol Yorke. Guión: Howard Koch. Arg.: La novela de Stefan Zweig. Música: Daniele Amfitheatrof. Fot.: Franz Planer. Dist. en DVD: Universal. Dur.: 90 min. Público apropiado: Jóvenes-adultos. Cont.: Acción 2, Amor 4, Lágrimas 3, Risas 1, Sexo 0, Violencia 0 [de 0 a 4]

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a joven Lisa Berndle ( Joan Fontaine) ha estado enamorada desde la niñez de su vecino, el apuesto ‘bon vivant’ Stefan Brand (Louis Jourdan), aunque nunca se ha atrevido a expresar abiertamente sus sentimientos. Por circunstancias de la vida, ha de separarse de su gran amor, pero tres años después vuelven a reencontrarse.

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Jennie

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T.O.: Portrait of Jennie. Año: 1948. Dir.: William Dieterle. Int.: Jennifer Jones, Ethel Barrymore, Joseph Cotten, Lillian Gish, Cecil Kellaway, David Wayne. Guión: Leonardo Bercovici, Paul Osborn, Peter Berneis. Música: Dimitri Tiomkin. Fot.: Joseph H. August. Dist. en DVD: Manga Films. Dur.: 86 min. P.a.: Jóvenes. Cont.: Acción 0, Amor 3, Lágrimas 3, Risas 0, Sexo 0, Violencia 0 [de 0 a 4]

La etérea Jennifer Jones, musa amorosa del artista Joseph Cotten

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ueva York. Eben, un artista solitario, busca inspiración para sus cuadros dando un paseo, y encuentra el tema perfecto en una chica que descansa en un banco del parque. Ella es una niña que dice llamarse Jennie, y que entona una extraña canción que dice “De donde vengo nadie lo sabe, a donde voy todo va”. Para el asombro de Eben, con el paso de los días Jennie se va convirtiendo en una hermosa mujer, de la que se enamora perdidamente. El maestro del expresionismo alemán William Dieterle logra , en su etapa hollywoodiense, un film exacerbadamente romántico, casi mágico, que va directo al corazón. Producía la cinta el gran David O. Selznick, y era precisamente su esposa Jennifer Jones la que se convierte en interés amoroso del pintor encarnado por un inmenso Joseph Cotten. Resume muy bien la clave argumental la inicial cita de Eurípides “Quién sabe si morir no será vivir y lo que los mortales llaman vida será la muerte”.

Las zapatillas rojas

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n empresario muy exigente descubre a una joven con muchas actitudes para el baile, llamada Shearer. Cuando debuta como bailarina, la esclaviza al servicio del espectáculo. Tras el estreno de un ballet, que la consagra como artista, se enamora del compositor. En ese momento, comienza a dudar sobre si continuar con su carrera artística o abandonarla por el hombre que ama.

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Moira Shearer, atrapada por la danza

La costilla de Adán

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dam Bonner (Spencer Tracy) y Amanda Bonner (Katharine Hepburn) son un matrimonio ideal, ligado estrechamente al mundo de la justicia. Él es fiscal y ella abogada. Ambos se aman y son cariñosos hasta el extremo: él le llama a ella pocholita, y ella a él pocholito. Él está obsesionado con la defensa purista de la ley, mientras que a ella le preocupan más los motivos del comportamiento humano y, sobre todo, los derechos de la mujer. Su relación pasará una prueba cuando Adam acepta el caso de los Attinger y poco después se entera de que tendrá que enfrentarse con su mujer, la abogada defensora de Doris Attinger ( Judy Holliday). Doris había irrumpido en el piso donde su esposo se reunía con su amante y, en un ataque de histeria, les ha disparado. 43

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T.O.: The Red Shoes. Año: 1948. País: Reino Unido. Dir.: Michael Powell, Emeric Pressburger. Int.: Anton Walbrook, Marius Goring, Moira Shearer, Robert Helpmann, Léonide Massine. Arg.: El cuento de Hans Christian Andersen. Guión: Michael Powell, Emeric Pressburger. Música: Brian Easdale. Fot.: Jack Cardiff. Dist. en DVD: Filmax. Dur.: 128 min. P.a.: Jóvenesadultos. Cont.: Acción 1, Amor 4, Lágrimas 4, Risas 2, Sexo 1, Violencia 1 [de 0 a 4]

años 40

Una obra maestra intemporal, donde se nota la influencia del escritor E.T.A. Hoffmann, cuyo momento clave es un ballet de catorce minutos compuesto especialmente para la película, cuya fantasía está ligada a la realidad que acontece en la llamada vida real, más alla´de los escenarios. El equipo formado por Michael Powell y Emeric Pressburger consiguió una puesta en escena grandiosa. De hecho, su compañía de producción, The Archers, decidió crear su propia compañía de danza clásica. El film consiguió dos Oscar, a la mejor dirección artística en color y a la mejor banda sonora de film dramático.

Cine,te quiero

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T.O.: Adam’s Rib. Año: 1949. País: EE.UU. Dir.: George Cukor. Int.: Spencer Tracy, Katharine Hepburn, Judy Holliday, Tom Ewell, David Wayne, Jean Hagen, Hope Emerson, Eve March. Guión: Ruth Gordon, Garson Kanin. Música: Miklós Rózsa. Fot.: George J. Folsey. Dist. en DVD: Warner. Dur.: 101 min. P.a.: Jóvenes. Cont.: Acción 0, Amor 2, Lágrimas 0, Risas 3, Sexo 0, Violencia 0 [de 0 a 4]

Judy Holliday, en medio, acusada por Spencer Tracy y defendida por Katharine Hepburn

años 40

Una comedia con un guión inteligentísimo y sutil, narrada con audacia y convicción y con continuos guiños intelectuales. La interpretación de unos actores de lujo no tiene fisuras. Hay algunas escenas memorables, como las discusiones del matrimonio Bonner, un tira y afloja entre el campo profesional y el amoroso. Cuando se rodó la película los guionistas Garson Kanin y Ruth Gordon formaban matrimonio, Spencer Tracy y Katharine Hepburn habían comenzado unas tormentosas y veladas relaciones, y ambas parejas guardaban amistad entre sí, y con el director George Cukor y Judy Holliday.

La novia era él

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oward Hawks orquesta una comedia disparatada, con uno de los reyes indiscutibles del género, Cary Grant. El film narra cómo una mujer del ejército norteamericano conoce al apuesto oficial francés Henri Rochard, o sea, Grant, con el que se casa. Las leyes patrióticas de la época permiten que el cónyuge viaje con un grupo de personas en situación similar... excepto en un pequeño detalle: todas son mujeres. Para pasar inadvertido, a Rochard no se le ocurre otra cosa que vestirse de mujer. El film ofrece risas a granel. EL MEJOR CONSEJO

“Límitate a actuar como un hombre con ropa de mujer”, aconsejó Howard Hawks a Cary Grant, para su papel de La novia era él. Pero el actor no estaba convencido. Según una típica historia de Hawks, él y Grant fueron a una fiesta que daban unos militares: “Yo me puse un uniforme del cuerpo de mujeres del ejército y una peluca roja. Entré, saqué un puro y dije, `¿Tiene fuego, general?´ Cary se tronchaba y dijo `Tú ganas, ahora sé qué tengo que hacer´.”

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La Cenicienta

T.O.: I Was a Male War Bride. Año: 1949. País: EE.UU. Dir.: Howard Hawks. Int.: Cary Grant, Ann Sheridan, Marion Marshall, Randy Stuart, Bill Neff. Guión: Henri Rochard. Música: Cyril J. Mockridge Fot.: Osmond Borradaile, Norbert Brodine. Dist. en DVD: Vellavisión. Dur.: 103 min. P.a.: Jóvenes. Cont.: Acción 1, Amor 2, Lágrimas 0, Risas 2, Sexo 0, Violencia 0 [de 0 a 4]

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Cary Grant y Ann Sheridan, como unas “motos”

románticas

años 50

Las 100 mejores películas

D

esde que inició su carrera como animador, a principios de los años 20, y mucho antes de Blancanieves y los siete enanitos, su primer largo, Walt Disney pensaba en adaptar uno sus cuentos favoritos, “La Cenicienta”, el clásico de Charles Perrault. El relato había ilusionado a generaciones enteras, con su mensaje de esperanza sobre sueños que se hacen realidad. Incluso en circunstancias adversas, como las de la protagonista, Cenicienta, que a la muerte de su padre -como es sobradamente conocido-, queda bajo la tutela de su despiadada madrastra, que la obliga a limpiar, fregar platos y hasta hacer la comida para ella y sus hijas -hermanastras de Cenicienta-. En esta versión, Cenicienta cuenta con unos pequeños amigos, Gus y Jaq, dos simpáticos ratones que tratan de consolarla cuando sus hermanas se van al baile que organiza el príncipe para encontrar esposa, y a ella la dejan en casa. Cuando todo se diría perdido, aparece el Hada Madrina de la Cenicienta, una adorable ancianita que a golpe de varita es capaz de crear mágicamente un vestido inigualable para el baile. El propio Walt Disney declaró que se trataba de su favorita entre las numerosas películas que produjo, y que incluía la mejor secuencia que había rodado en su vida: cuando el Hada Madrina entrega el vestido para el baile a la Cenicienta. Disney se sentía identificado con el personaje, porque había empezado desde cero, vendiendo periódicos en la calle, y aún así había logrado fundar un 45

Cine,te quiero

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años 50

T.O.: Cinderella. Año: 1950. Dir.: Clyde Geronimi, Wilfred Jackson, Hamilton Luske. Arg.: El cuento de Charles Perrault. Guión: Ken Anderson, Homer Brightman, Winston Hibler, Bill Peet, Harry Reeves, Joe Rinaldi, Ted Sears. Música: David Mack, Al Hoffman, Jerry Livingston, Paul J. Smith, Oliver Wallace. Dist. en DVD: Walt Disney. Dur.: 71 min. P.a.: Todos. Cont.: Acción 1, Amor 3, Lágrimas 1, Risas 2, Sexo 0, Violencia 0 [de 0 a 4]

Una Cenicienta muy animada

imperio. Se trata de una de sus creaciones más universales. De esta adaptación proviene el famoso ‘zapatito de cristal’, que era de cuero en el cuento original. Dirigida por Clyde Geronimi, Wilfred Jackson y Hamilton Luske -responsables de títulos como Peter Pan-, en su elaboración participaron los famosos Nine Old Men (Nueve Sabios) el equipo de animadores de la época dorada de Disney. Estos pusieron en marcha una técnica novedosa que hoy día se usa habitualmente. Contrataron actores para que interpretaran a los personajes y filmaron todas las escenas en imagen real. Este material sirvió para inspirar a los dibujantes, que tomaban bocetos sobre el movimiento real y hasta los gestos de los intérpretes. El personaje central fue supervisado por dos de los mejores artistas de la compañía, Eric Larson y Marc Davis, que la concebían de forma distinta. Para Larson tenía que tener una apariencia de muchacha humilde, mientras que Davis la imaginaba más sofisticada. Entre los dos acabaron llegando a un acuerdo y crearon a la carismática Cenicienta que conocemos. El film obtuvo tres nominaciones a los Oscar, en las categorías de mejor sonido, banda sonora de musical y canción. Esta última candidatura fue para la canción ‘Bibidi-Bobidi-Bu’, en la que el Hada Madrina recita sus famosas palabras mágicas. CREANDO A CENICIENTA

Disney, que repartía las tareas pensando en aprovechar al máximo a cada animador, asignó el personaje central a dos de los mejores: Eric Larson y Marc Davis. Ambos eran dibujantes de talento probado. Larson la veía como una chica sencilla, pero sutil, mientras que Davis la dibujaba de forma más sofisticada. Al final se llegó a un punto medio entre los bocetos de ambos artistas, por lo que quedó un personaje atractivo con aspecto inteligente.

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Las 100 mejores películas

románticas

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n apariencia, la trama de esta adaptación de la novela de la escritora inglesa Rumer Godden es leve: tres chicas enamoradas de un recién llegado, un apuesto soldado, mutilado de una pierna. El punto de vista es el de Harriett, que recuerda ese momento tan especial de su vida, el de su primer amor. Domina un tono evocador, romántico y nostálgico. Jean Renoir logra el prodigio de no ser empalagoso. Nos mete en el corazón de esa niña adolescente, y despierta en el corazón del espectador, quizá, el recuerdo de aquella atracción de los años mozos, tal vez por el maestro o la maestra. Hay algo auténtico, que hechiza. Experimentamos el dolor de Harriett cuando, en el juego del escondite, Valérie obtiene el beso del capitán John. Y entendemos las discusiones con su rival de amores. Renoir confesaba abiertamente su interés por el agua: “Un elemento que, sin duda alguna, influyó en mi formación de autor de películas es el agua. Yo no concebía el cine sin agua. Hay en el movimiento de una película un lado ineluctable que lo emparenta con la corriente de los arroyos, con el discurrir de los ríos. Ésta es la torpe explicación de una sensación. En realidad, los lazos que unen el cine con un río son más sutiles y más fuertes, porque son inexplicables. Cuando estaba tendido en el fondo de la barquilla con Godefer, y las ramas barrían nuestras caras, experimentaba una sensación muy cercana a la que siento hoy cuando asisto a la proyección de una película que me impresiona. Sé que no se puede remontar la corriente, pero soy libre de sentir a mi manera la caricia del follaje en la punta de la nariz. Para mí, una buena película es eso, la caricia del follaje durante un paseo en barca con un amigo.”

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Nora Swinburne se enamora en la India

T.O.: The River. Año: 1951. País: Francia. Dir.: Jean Renoir. Int.: Nora Swinburne, Esmond Knight, Arthur Shields, Suprova Mukerjee, Thomas E. Breen, Patricia Walters, Radha, Adrienne Corri. Arg.: La novela de Rumer Godden. Guión: Rumer Godden, Jean Renoir. Música: M.A. Partha Sarathy. Fot.: Claude Renoir. Dist. en DVD: en DVD: Avalon. Dur.: 99 min. P.a.: Jóvenes. Cont.: Acción 1, Amor 3, Lágrimas 3, Risas 0, Sexo 0, Violencia 0 [de 0 a 4]

años 50

El río

Cine,te quiero

Cantando bajo la lluvia

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T.O.: Singing In The Rain. Año: 1952. Dir.: Stanley Donen, Gene Kelly. Int.: Gene Kelly, Donald O’Connor, Debbie Reynolds, Jean Hagen, Millard Mitchell, Rita Moreno, Cyd Charisse. Guión: Adolph Green, Betty Comden. Fot.: Harold Rosson. Dist. en DVD: Warner. Dur.: 99 min. P.a.: Jóvenes. Cont.: Acción 0, Amor 2, Lágrimas 0, Risas 1, Sexo 0, Violencia 0 [de 0 a 4]

Gene Kelly, atlético, mojado y feliz en el número musical más famoso de la historia del cine

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años 50

ene Kelly y Stanley Donen codirigen uno de los musicales más famosos de la historia del cine. El film es una amable parodia del impacto que supuso en la industria cinematográfica el tránsito del cine mudo al cine sonoro. Y así, nos narra los problemas que surgen en la elaboración de una película cuya protagonista principal, la diva del cine mudo Lina Lamont ( Jean Hagen), resulta tener una voz aflautada. Este pretexto argumental sirve de hilo a una serie de inolvidables actuaciones musicales. Basta destacar el número que da título al film, interpretado por Gene Kelly, en el que canta y baila bajo una lluvia torrencial, o el número cómico de Donald O’Connor “Make Em Laugh”. Debbie Reynolds y Cyd Charisse destacan también con luz propia en este maravilloso espectáculo de amor, música y baile. La película, curiosamente, sólo obtuvo dos nominaciones al Oscar en las categorías de mejor actriz secundaria y mejor adaptación musical.

El hombre tranquilo

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na de las obras maestras indiscutibles de John Ford, y todo un canto de amor a Irlanda, la tierra de sus ancestros. Cuenta el regreso a tierras irlandesas del ex boxeador Sean Thornton, que desea dejar atrás su traumático pasado en Estados Unidos, para establecerse en Innisfree, de donde procede

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Las 100 mejores películas

románticas

El inimitable Ford sabe dotar su historia de una importante carga sentimental, sin hacerse en ningún momento cargante ni empalagoso. Su profundo y suave sentido del humor se hace presente en mil y un detalles, subrayados por el narrador, el católico padre Lonergan (perfecto Ward Bond, actor habitual del cineasta), que mantiene una cordial rivalidad con el pastor anglicano. Son memorables la escena de amor en la vieja capilla una noche de lluviosa tormenta, y las peleas, especialmente la que tiene lugar en el prado. Y hay momentos realmente divertidos, como cuando el personaje de Michaleen Oge Flynn exclama “¡Homérico!”, tras echar un vistazo a la casa de Thornton... Durante todo el film, Ford homenajea la vida familiar, hogareña hasta el extremo, pintándola de modo idílico, pero aportando también buenas dosis de realidad. John Wayne y Maureen O’Hara hicieron una pareja magnífica, y John Ford ganó justamente el Oscar al mejor director; además del premio a la fotografía, el film recabó otras cinco nominaciones a la estatuilla dorada. UNA PELEA ¿FICTICEA?

Según se cuenta, durante el rodaje se produjo una anécdota que explica perfectamente el carácter pícaro y claramente irlandés de John Ford. Por lo visto, el director llamó a John Wayne y le dijo que Victor McLaglen no estaba hablando bien de él y que además su personaje se estaba alzando con el protagonismo de la cinta. Del mismo modo llamó a McLaglen y le dijo algo parecido acerca de Wayne. Los resultados de tales confidencias no se hicieron esperar. En la escena de la lucha entre los dos, el realismo superó a la ficción. McLaglen acabó con una pequeña conmoción y John Wayne con dos fracturas en las costillas. Y tan amigos. La escena, eso sí, no tiene desperdicio.

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Los amores tumultuosos de John Wayne y Maureen O’Hara

T.O.: The Quiet Man. Año: 1952. País: EE.UU. Dir.: John Ford. Int.: John Wayne, Maureen O’Hara, Barry Fitzgerald, Ward Bond, Victor McLaglen, Mildred Natwick, Francis Ford, Eileen Crowe. Guión: Frank S. Nugent. Música: Victor Young. Fot.: Winton C. Hoch. Dist. en DVD: Suevia. Dur.: 129 min. P.a.: Jóvenes. Cont.: Acción 2, Amor 3, Lágrimas 1, Risas 2, Sexo 0, Violencia 0 [de 0 a 4]

años 50

su familia, y vivir en paz. Enseguida echa el ojo a una temperamental pelirroja, Mary Kate Danaher, con quien querría casarse, pero las diferencias con su hermano Will parecen abocar al fracaso las posibilidades de que tal matrimonio se celebre algún día.

Cine,te quiero

París, bajos fondos

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años 50

T.O.: Casque d’or. Año: 1952. País: Francia. Dir.: Jacques Becker. Int.: Simone Signoret, Serge Reggiani, Claude Dauphin, Raymond Bussières, Gaston Modot, Paul Barge. Guión: Jacques Becker, Jacques Companéez. Mús.: Georges Van Parys. Fot.: Robert Lefebvre. Dist. en DVD: Manga Films. Dur.: 85 min. P.a.: Jóvenes-adultos. Cont.: Acción 0, Amor 3, Lágrimas 2, Risas 2, Sexo 0, Violencia 1 [de 0 a 4]

El complicado romance de Serge Reggiani y Simone Signoret

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n el barrio parisino de Montmartre, Manda, un humilde carpintero, se enamora de Marie, un bellísima prostituta explotada por Roland, su novio. Manda pide ayuda a Leca, el líder de la banda a la que pertenecen Marie y Roland. Pero Leca también está enamorado de Marie, y para conseguir su amor será capaz de traicionar a todo el que interponga en su camino. Uno de los grandes títulos del cine europeo, y la obra cumbre del reputado realizador francés Jacques Becker, que se basó un caso real acontecido en la capital francesa alrededor del año 1900. El cineasta despliega una puesta en escena extremadamente realista, inscribiéndose en la corriente de realismo poético a la que pertenecen otros autores del cine galo, como Jean Renoir. Junto con sus trabajos en La ronda o Las diabólicas, supuso una de las mejores interpretaciones de Simone Signoret, una de las mejores actrices europeas de todos los tiempos.

Vacaciones en Roma

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eliciosa película dirigida por William Wyler, quintaesencia del cine romántico. La historia viene a ser una Cenicienta al revés. La princesa Ana se halla de viaje por diversos países europeos. Su último destino es Roma, donde debe atender sus deberes principescos, lo que supone atarse a un rígido protocolo. Pero una noche, alojada en su palacio, oye la música, ve a la gente sencilla divertirse, y toma una audaz decisión: salir a la calle para convertirse

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Las 100 mejores películas

románticas

La princesa Audrey Hepburn y el periodista Gregory Peck

Desde Una chica angelical, Wyler no había abordado otra comedia romántica. El guión lo firman Ian McLellan Hunter y John Dighton, pero en la historia intervino también Dalton Trumbo, entonces en la lista negra de la tristemente célebre “caza de brujas” (su crédito por el film sólo lo recibió años más tarde). El film es una delicia, con escenas memorables. La más significativa es la de 51

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T.O.: Roman Holiday. Año: 1953. País: EE.UU. Dir.: William Wyler. Int.: Gregory Peck, Audrey Hepburn, Eddie Albert, Hartley Power, Harcourt Williams, Margaret Rawlings, Tullio Carminati. Guión: Ian McLellan Hunter, John Dighton, Dalton Trumbo. Música: Georges Auric. Fot.: Henri Alekan, Franz Planer. Dist. en DVD: Paramount. Dur.: 113 min. P.a.: Jóvenes. Cont.: Acción 1, Amor 3, Lágrimas 1, Risas 1, Sexo 0, Violencia 0 [de 0 a 4]

años 50

temporalmente en una ciudadana normal. Su encuentro con Joe Bradley, periodista, le permite pasar un día de ensueño: tomar “gelatti”, pasear por la ciudad eterna en Vespa, acudir a una verbena, etc. Lo que la princesa no sospecha es que Joe, en complicidad con el fotógrafo Irving, está preparando un reportaje sobre tan particular jornada de la princesa.

Cine,te quiero

la visita a “la Boca de la Verdad”: Joe explica a Ana, que si uno mete la mano dentro y dice una mentira, la boca se la traga. Gregory Peck en esta escena hizo algo que Audrey Hepburn no sabía que iba a hacer: al retirar la mano de la boca, se la recogió en la manga, con lo que parecía que, ciertamente, el maleficio se había cumplido. El rostro de sorpresa de Hepburn es auténtico, y el momento, verdaderamente mágico, quedó recogido para siempre en el celuloide. Otra secuencia importante es el encuentro con la prensa; a título anecdótico, señalar que aparecen dos periodistas españoles, corresponsales en Roma de Abc y La Vanguardia.

AUDREY DESCUBIERTA

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Aunque Hepburn había actuado en algún film como Oro en barras, se puede asegurar que Vacaciones en Roma fue su primer título memorable, hasta el punto de que le valió un Oscar. Ella encarnaba como nadie la inocencia, no exenta de un sentimiento de responsabilidad a la hora de asumir sus deberes de princesa. Y aguantaba a la perfección el desafío de trabajar con un actor más que reconocido, el gran Gregory Peck. Su papel había sido rechazado por otros actores como Cary Grant, sabedores de que la protagonista era la reina de la función. A Peck no le importó el riesgo de ser eclipsado. El tercero en discordia es un actor a quien se vio siempre en papeles secundarios, Eddie Albert, que compone al entrañable fotógrafo.

años 50

Cómo casarse con un millonario

T

res jóvenes modelos unen sus sueldos para alquilar un lujoso ático. Tienen como difícil objetivo el cazar a ricos maridos. Después de varios encuentros con hombres acaudalados, descubren poco a poco que prefieren el amor al dinero. Una de ellas se enamora de un apuesto y agradable joven, pero que no tiene muchos recursos, mientras que otra parece que puede llegar a echarle el lazo a un millonario de verdad. Hilarante comedia repleta de antológicas secuencias de humor y con un toque romántico que le convierten en uno de los mejores filmes de Jean Negulesco (Río sin retorno), que pasaba por ser el realizador que mejor dirigía a las actrices en Hollywood junto a George Cukor. Así lo demostró en esta ocasión con tres grandes intérpretes: Marilyn Monroe, Lauren Bacall y la menos conocida Betty Grable. La mítica Marilyn Monroe interpreta el mejor papel de su carrera (junto probablemente con el de Bus Stop), como una encantadora miope que se niega a llevar gafas en público, lo que le produce un gran complejo, a pesar de que sin ellas apenas ve. Lauren Bacall interpreta un papel que en un principio no 52

Trío de guapísimas: Betty Grable, Lauren Bacall y Marilyn Monroe

está alejado de aquellos de mujer fatal que le dieron la fama, en filmes como El sueño eterno o Tener y no tener, aunque en esta ocasión, tiene un fondo de buen corazón. El film está rodado en Cinemascope.

románticas

T.O.: How To Marry A Millonaire. Año: 1953. País: EE.UU. Dir.: Jean Negulesco. Int.: Betty Grable, Marilyn Monroe, Lauren Bacall, David Wayne, Rory Calhoun, Cameron Mitchell. Guión: Nunnally Johnson. Música: Alfred Newman. Fot.: Joseph MacDonald. Dist. en DVD: Fox. Dur.: 93 min. P.a.: Jóvenes. Cont.: Acción 1, Amor 4, Lágrimas 0, Risas 4, Sexo 0, Violencia 0 [de 0 a 4]

Audrey Hepburn recibe la atención amorosa de Humphrey Bogart Y William Holden

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abrina (Audrey Hepburn) es la hija del chófer de la familia Larrabee, una de las más ricas de Long Island. La romántica Sabrina está perdidamente enamorada de uno de los hijos de los Larrabee, David (William Holden), el más insensato. El otro es Linus (Humphrey Bogart), un honesto hombre

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Sabrina

años 50

Las 100 mejores películas

T.O.: Sabrina. Año: 1954. País: EE.UU. Dir.: Billy Wilder. Int.: Humphrey Bogart, Audrey Hepburn, William Holden, Walter Hampden, John Williams (II). Arg.: La obra de teatro de Samuel Taylor. Guión: Billy Wilder, Samuel A. Taylor, Ernest Lehman. Mús.: Friedrich Hollaender. Fot.: Charles Lang. Dist. en DVD: Paramount. Dur.: 109 min. P.a.: Jóvenes. Cont.: Acción 0, Amor 3, Lágrimas 1, Risas 2, Sexo 0, Violencia 0 [de 0 a 4]

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Cine,te quiero

de negocios con la cabeza en su sitio, que no quiere que su hermano haga desgraciada a Sabrina. Ésta viaja a Francia para aprender el oficio de la hostelería, donde conoce a un anciano Barón que le transforma en una mujer de su tiempo. Cuando regresa, su amor por David aún sigue vivo, y a éste no se le pasa por alto que Sabrina se ha convertido en una jovencita muy atractiva. Linus recibe el encargo de sus padres de impedir que su hermano siga adelante en su relación con una chica de origen tan humilde. Una ingeniosa comedia dirigida por uno de los mayores expertos en el género, el genial Billy Wilder, autor de títulos como Con faldas y a lo loco (1959). La audacia de Wilder consigue modelar las interpretaciones de Bogart, Hepburn y Holden a su gusto, con papeles muy distintos de su imagen habitual. Se trata de una adaptación de la obra teatral de Samuel Taylor. Algunas escenas están llenas de encanto, y los diálogos son estupendos. Un auténtico clásico.

Te querré siempre decine21.com

años 50 T.O.: Viaggio in Italia. Año: 1954. País: Italia. Dir.: Roberto Rossellini. Int.: Ingrid Bergman, George Sanders, Maria Mauban, Anna Proclemer, Paul Muller, Jackie Frost. Guión: Roberto Rossellini, Vitaliano Brancati. Mús.: Renzo Rossellini. Fot.: Enzo Serafin. Dist. en DVD: Suevia. Dur.: 80 min. P.a.: Jóvenes. Cont.: Acción 0, Amor 2, Lágrimas 1, Risas 0, Sexo 0, Violencia 0 [de 0 a 4]

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Ingrid Bergman y George Sanders, dirigidos por Roberto Rossellini

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lex y su esposa Katherine viajan a Italia para resolver un asunto familiar. Mientras Alex se muestra cínico y se pasa el tiempo deseando regresar de nuevo a su hogar en Inglaterra, Katherine aprovecha para visitar Nápoles y recrearse en el recuerdo de un soldado del que estuvo enamorada en el pasado. Roberto Rossellini (Alemania, año cero) dirigió a la que fuera su esposa, Ingrid Bergman, en este magnífico drama sobre un matrimonio en crisis que experimenta sentimientos nuevos y olvidados en un esporádico viaje a Italia. Estamos ante una de las más altas cotas del cine italiano y una de las mejores obras de su autor. En la trama parece no acontecer nada de entidad y, sin embargo, ocurre un auténtico terremoto en el alma de los personajes. George Sanders (Escándalo en París) le da la réplica a la elegante sueca. El film contiene muchos elementos autobiográficos sacados de la relación de Rossellini con Ingrid Bergman.

Las 100 mejores películas

románticas

Espectacular Ava Gardner, el “animal más bello del mundo”

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l poderoso productor cinematográfico Kirk Edwards (Warren Stevens), el guionista y director Harry Dawes (Humphrey Bogart) y el experto en relaciones públicas Oscar Muldoon (Edmond O’Brien), descubren una noche en un tablao flamenco de Madrid a María (Ava Gardner), una bailaora gitana. María se convertirá en una estrella de Hollywood y cambiará su apellido, Vargas, por el de Damata, pero añora su vida pasada, cuando se sentía segura caminando descalza sobre la suciedad, porque de niña no tenía zapatos. Durante una estancia en la Costa Azul, conoce al conde Torlato-Favrini, que le propone el matrimonio. El guión, escrito por el director Joseph L. Mankiewicz, fue nominado por la Academia de Hollywood, que concedió un Oscar como actor secundario a Edmond O’Brien. Como en Eva al desnudo, el relato se estructura a partir de una ceremonia que se desarrolla en el presente. Mediante sucesivos flash-backs con voces en off de los distintos personajes relacionados con la protagonista, Mankiewicz recompone y cuenta la vida de María. Una película de contenido denso, altamente dramático. Curiosamente, el papel de Ava Gardner tendría una conexión con la vida real de la propia actriz cuando, separada de Frank Sinatra, estableció su residencia en España. 55

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T.O.: The Barefoot Contessa. Año: 1954. País: EE.UU. Dir.: Joseph L. Mankiewicz. Int.: Humphrey Bogart, Ava Gardner, Edmond O’Brien, Marius Goring, Valentina Cortese, Rossano Brazzi. Guión: Joseph L. Mankiewicz. Mús.: Mario Nascimbene. Fot.: Jack Cardiff. Dist. en DVD: Warner. Dur.: 128 min. P.a.: Jóvenes. Cont.: Acción 0, Amor 2, Lágrimas 1, Risas 0, Sexo 0, Violencia 1 [de 0 a 4]

años 50

La condesa descalza

Cine,te quiero

Sólo el cielo lo sabe

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T.O.: All That Heaven Allows. Año: 1955. País: EE.UU. Dir.: Douglas Sirk. Int.: Jane Wyman, Rock Hudson, Agnes Moorehead, Conrad Nagel, Virginia Grey, Michael Talbott. Guión: Peg Fenwick. Mús.: Frank Skinner. Fot.: Russell Metty. Dist. en DVD: Suevia. Dur.: 89 min. P.a.: Adultos. Cont.: Acción 0, Amor 3, Lágrimas 3, Risas 0, Sexo 0, Violencia 0 [de 0 a 4]

Amores entre el apuesto jardinero Rock Hudson y la viuda madura Jane Wyman

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na pequeña localidad estadounidense. Cary Scott, una viuda adinerada, se enamora de Ron Kirby, su apuesto jardinero, un hombre más joven que ella. Y aunque a él no le importen las diferencias sociales, ella sí piensa en el “qué dirán”. Cary teme perder a sus hijos, la privilegiada posición en que le ha dejado situada su marido fallecido, y el respeto de sus vecinos. Uno de esos dramones apasionados del gran Douglas Sirk, que critica a la clase alta de las pequeñas ciudades de la época. El realizador repitió con sus actores favoritos, Jane Wyman y Rock Hudson, con los que había rodado Obsesión poco antes. El film está lleno de escenas de gran nivel. Destaca el momento en el que el hijo del personaje de Jane Wyman ofrece una bebida al pretendiente mayor que le han buscado a su madre, y al personaje de Rock Hudson. Cuando el hombre mayor se lo agradece, los hijos están alegres, pero cuando Hudson da las gracias, el lugar se llena de una enorme tensión.

Picnic

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al Carter (William Holden) lleva un tiempo vagabundeando, viviendo la vida con desenfado y sin ningún anclaje. Un día llega a la conclusión de que ha llegado el momento de abandonar su vida errante y asentarse, relacionarse con la sociedad y conocer gente nueva. Su amigo Alan Benson (Cliff Robertson) le ayuda a abrirse paso en una pequeña ciudad de Kansas. Empieza a buscar trabajo y a mezclarse con el ambiente de la ciudad. En la feria campestre que conmemora la festividad local, Hal trata de conquistar a la reina de la belleza, pero Madge Owens (Kim Novak), que siente una fuerte atracción por él, le reprende. Hal le propone a Madge escapar juntos a la ciudad de Tulsa e iniciar allí una vida juntos. 56

El amor imposible de William Holden y Kim Novak

T.O.: Picnic. Año: 1955. País: EE.UU. Dir.: Joshua Logan. Int.: William Holden, Kim Novak, Betty Field, Susan Strasberg, Arthur O’Connell, Cliff Robertson, Rosalind Russell. Arg.: La obra de teatro de William Inge. Guión: Daniel Taradash. Mús.: George Duning. Fot.: James Wong Howe. Dist. en DVD: Sony. Dur.: 107 min. P.a.: Jóvenes-adultos. Cont.: Acción 1, Amor 2, Lágrimas 0, Risas 0, Sexo 0, Violencia 0 [de 0 a 4]

Una de las mejores películas del realizador Joshua Logan, responsable de otros films notables, como Bus Stop. Adapta la obra teatral homónima de William Inge, con la que este autor se hizo merecedor del premio Pulitzer. Excelente trabajo de William Holden. El resto del plantel artístico es impresionante, y entre todos consiguen dotar a la película de una poderosa fuerza dramática.

La rosa tatuada

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daptación de una de las obras más conocidas de Tennessee Williams. Narra el drama de una viuda siciliana que atormentada por las continuas infidelidades a que le somete su marido, encuentra un nuevo aliciente en su vida cuando conoce a otro hombre. El film supuso el salto internacional de la gran actriz italiana Anna Magnani, que se hizo con una estatuilla a la mejor actriz. El dramaturgo había escrito esta obra pensando en la vitalidad de la actriz, aunque ésta no se atrevió a representarla en Nueva York debido a sus problemas con el idioma inglés, por lo que actuó en su lugar Maureen Stapleton. Para convencerla de que hiciese la versión en cine le mandó el guión traducido al italiano. 57

años 50

románticas

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Cine,te quiero

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T.O.: The Rose Tattoo. Año: 1955. Dir.: Daniel Mann. Int.: Anna Magnani, Burt Lancaster, Marisa Pavan, Ben Cooper, Virginia Grey, Jo Van Fleet, Sandro Giglio. Arg.: La obra de teatro de Tennessee Williams. Guión: Tennessee Williams. Mús.: Alex North. Fot.: James Wong Howe. Dur.: 117 min. P.a.: Jóvenes. Cont.: Acción 0, Amor 3, Lágrimas 0, Risas 0, Sexo 0, Violencia 0 [de 0 a 4]

Anna Magnani sufre amando a Burt Lancaster

Además, la película obtuvo otras candidaturas al Oscar: película, actriz secundaria (Marisa Pavan), banda sonora, vestuario en blanco y negro y montaje; ganándolo la fotografía de James Wong Howe y la dirección artística a cargo de Hal Pereira, Tambi Larsen, Sam Comer y Arthur Krams.

Escrito sobre el viento

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l experto en melodramas Douglas Sirk (Imitación a la vida, Tiempo de amar, tiempo de morir) firma uno de sus mejores trabajos, y sin duda el más popular. Está protagonizado por varios de sus actores habituales, entre ellos el excepcional Rock Hudson. Describe la tragedia por la que pasan un magnate del petróleo y su empleado, inseparables amigos, pero que se enamoran de la misma mujer. Kyle Hadley es un irresponsable y alcohólico hijo de un magnate del petróleo, que tras conocer a la secretaria Lucy Moore, se enamora de ella y se casa. Su amigo y confidente, Mitch Wayne, un tipo mucho más sensato, cree que el matrimonio no es bueno para Lucy. Al cabo de un año, aparentemente Kyle es un hombre distinto, ya no bebe y presta atención al negocio. La actriz Dorothy Malone ganó un Oscar a la mejor actriz de reparto en 1956. Estamos ante un film social que explora el tema de las relaciones entre clases. 58

románticas

La preciosa corista Marilyn Monroe

T.O.: The Prince and the Showgirl. Año: 1957. Dir.: Laurence Olivier. Int.: Marilyn Monroe, Laurence Olivier, Sybil Thorndike, Richard Wattis, Jeremy Spenser, Esmond Knight, Paul Hardwick. Guión: Terence Rattigan. Mús.: Richard Addinsell. Fot.: Jack Cardiff. Dist. en DVD: Warner. Dur.: 112 min. P.a.: Jóvenes. Cont.: Acción 1, Amor 2, Lágrimas 0, Risas 2, Sexo 0, Violencia 0 [de 0 a 4]

William Holden y Dorothy Malone, ¿un amor sobre ruedas?

El príncipe y la corista on motivo de la coronación del rey Jorge V y la reina María, todo el pueblo de Londres se echa a las calles para celebrar este evento tan esperado. Carlos, el príncipe de Carpatia, acude también, y una de las noches que pasa en Londres, visita el Coconut, el cabaret más famoso de la ciudad. Allí trabaja la corista Elsie Marina, una chica muy simpática y pizpireta. Ambos se enamoran, pero la diferencia de clases será un obstáculo para su amor. Comedia de enredo para mayor gloria de la gran estrella del momento, la rubia Marilyn Monroe (Bus Stop, Con faldas y a lo loco). Laurence Olivier (Ricardo III, Nicolás y Alejandra) dirige y protagoniza la cinta junto a una Monroe fantásticamente divertida. Atención a la espléndida fotografía del maestro Jack Cardiff, que fotografió a la actriz mejor que nunca. Narrada con enorme dinamismo, la película adapta una obra teatral del británico Terence Rattigan, el autor de “Mesas separadas”.

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T.O.: Written On The Wind. Año: 1956. País: EE.UU. Dir.: Douglas Sirk. Int.: Rock Hudson, Lauren Bacall, Robert Stack, Dorothy Malone, Robert Keith. Guión: George Zuckerman. Mús.: Frank Skinner. Fot.: Russell Metty. Dist. en DVD: Universal. Dur.: 99 min. P.a.: Adultos. Cont.: Acción 0, Amor 3, Lágrimas 3, Risas 0, Sexo 0, Violencia 0 [de 0 a 4]

años 50

Las 100 mejores películas

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Cine,te quiero

Tú y yo

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años 50

T.O.: An Affair To Remember. Año:1957. País: EE.UU. Dir.: Leo McCarey. Int.:Cary Grant, Deborah Kerr, Richard Denning, Neva Patterson, Cathleen Nesbitt. Guión: Delmer Daves, Donald Ogden Stewart, Leo McCarey. Mús.: Hugo Friedhofer. Fot.: Milton R. Krasner. Dist. en DVD: Fox. Dur.: 119 min. P.a.: Jóvenes. Cont.: Acción 0, Amor 4, Lágrimas 2, Risas 1, Sexo 0, Violencia 0 [de 0 a 4]

El apuesto Cary Grant con la pelirroja Deborah Kerr

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n galán de primera y una cantante de un club nocturno se encuentran en un transatlántico. Flechazo instantáneo, pero ¿no será una atracción pasajera? Nickie Ferrante se va a casar en breve con una hermosa y rica heredera y Terry McKay es la amante de un magnate. Sin embargo, el encuentro (inolvidable escena la de la pitillera) ha sido bastante intenso y ambos sienten que aquello es algo más que un simple capricho fortuito. Para asegurar la decisión que deben tomar acuerdan que, si al cabo de seis meses siguen sintiendo lo mismo el uno por el otro, se encontrarán de nuevo en lo alto del Empire State Building.

NOS VEMOS EN EL EMPIRE STATE

Lugar de encuentro para el amor. Fue allí donde la manaza negra de King Kong agarró a la nívea Faye Wrays. También allí Barbara Stanwyck convenció de su amor a un Gary Cooper a las puertas del abismo en la maravillosa Juan Nadie. Y en Algo para recordar, Meg Ryan y Tom Hanks elegían el mítico rascacielos para su cita amorosa en recuerdo de Tú y yo.

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románticas

El cineasta Leo McCarey versiona una película que él mismo había dirigido en 1939, y que entonces protagonizaron Irene Dunne y Charles Boyer. Tú y yo es el arquetipo del romance, un melodrama de 18 quilates con un buen chorrito de comedia y tragedia en las justas proporciones. Lo sentimental se convierte en arte. La música te llena los oídos de nostalgia y Leo McCarey saca lo mejor de Cary Grant y Deborah Kerr, que realizan superlativos trabajos. La película fue nominada a cuatro Oscar en 1957.

Radiante Ingrid Bergman

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nna Kailman, una famosa actriz teatral que vive en Londres, cree conocer al hombre de su vida, Philip Adams, un diplomático americano que trabaja en la OTAN. Pero está casado. ¿O no? Porque en realidad ésa es la excusa que Philip le pone a Anna para no comprometerse. Cuando ella se entera, se pone hecha una furia, y se propone provocar sus celos, lo que tiene efectos contraproducentes, pues él había pensado finalmente proponerle matrimonio. Encantador enredo dirigido por Stanley Donen, que volvió a reunir a la pareja Cary Grant-Ingrid Bergman doce años después de Encadenados. Ambos realizan un gran trabajo expresando a la perfección el enamoramiento maduro de sus personajes. El film versiona la obra teatral “Kind Sir”, de Norman Krasnar, que se encargó personalmente de la adaptación del guión. Sus diálogos son absolutamente brillantes. Algunos momentos son magistrales, como el baile de la rueda.

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T.O.: Indiscreet. Año: 1958. País: EE.UU. Dir.: Stanley Donen. Int.: Cary Grant, Ingrid Bergman, Cecil Parker, Phyllis Calvert, David Kossoff, Megs Jenkins. Guión: Norman Krasna. Mús.: Richard Rodney Bennett, Ken Jones. Fot.: Freddie Young. Dist. en DVD: Suevia. Dur.: 90 min. P.a.: Jóvenes. Cont.: Acción 1, Amor 2, Lágrimas 1, Risas 2, Sexo 0, Violencia 0 [de 0 a 4]

años 50

Indiscreta

Cine,te quiero

De entre los muertos (vertigo)

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ientras persigue a unos delincuentes, Scoottie Ferguson, inspector de la policía de San Francisco, contempla la caída accidental de un compañero desde un tejado. Esto le produce un gran trauma y un insuperable miedo a las alturas. Un día, Scottie recibe una llamada de Gavin Elster, millonario al que conoce del pasado, que le pide que vigile discretamente a Madeleine, su esposa, que se comporta de forma extraña.

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años 50

T.O.: Vertigo. Año: 1958. País: EE.UU. Dir.: Alfred Hitchcock. Int.: James Stewart, Kim Novak, Tom Helmore, Ellen Corby, Lee Patrick, Barbara Bel Geddes. Guión: Alec Coppel, Samuel Taylor. Arg.: La novela de Pierre Boileau y Thomas Narcejac. Mús.: Bernard Herrmann. Fot.: Robert Burks. Dist. en DVD: Universal. Dur.: 128 min. P.a.: Jóvenes. Cont.:Acción 2, Amor 3, Lágrimas 1, Risas 0, Sexo 0, Violencia 0 [de 0 a 4]

James Stewar contempla atento un sujetador ante la atónita mirada de Barbara Bel Geddes

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no de los mejores trabajos del mago del suspense, que adaptó la novela ‘D’entre les morts’, de Pierre Boileau y Thomas Narcejac. Hitchcock trata los dos temas trascendentales más recurrentes de la historia del arte, el amor y la muerte, a través de una historia absorbente e intrigante. Se puede seguir como simple entretenimiento, o como una película reflexiva. Aunque el mismo Hitchcock la recordaba como una película imperfecta, por sus incoherencias de guión, lo cierto es que logra imágenes inquietantes, como cuando Scottie persigue a Madeleine por el museo. Curiosamente, Hitchcock no guardaba un buen recuerdo de Kim Novak, que sin embargo realiza uno de los mejores trabajos de su carrera. James Stewart borda el papel de detective que se resiste a perder a su amada cuando ésta ha muerto.

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románticas

P

or un error, Allen, un compositor, y Jean, decoradora, se ven obligados a compartir temporalmente la misma línea telefónica. Esta anómala situación ocasionará continuas discusiones entre ellos. No se conocen, aunque los dos trabajan para el mismo jefe, Jonathan, que intenta conquistar a Jean. Durante el transcurso de una cena, Allen reconoce la voz de Jean, y se siente atraído por ella, así que decide ocultar su verdadera identidad y trata de conquistarla. Esta inteligente comedia reunió por primera vez a Doris Day y Rock Hudson. Tuvo un gran éxito y ganó el Oscar al mejor guión original en 1959. Así que la pareja volvió a repetir en otros dos títulos que mantenían el mismo sofisticado humor, el tono romántico, ausencia de exteriores y una fotografía colorista en technicolor. Tony Randall, el jefe, apareció como secundario en las tres, e interpretó un pequeño papel en Abajo el amor, homenaje a estas comedias.

El apartamento

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.C. Baxter ( Jack Lemmon), un modesto empleado de una gran compañía de seguros, intenta ascender de posición en la empresa a base de prestar su pequeño apartamento a los jefes, para sus citas eróticas. El pobre Baxter, incapaz de decir que no y apabullado por la ligereza y la prepotencia de sus superiores, se encarga incluso de reponer las bebidas y de dejarlo todo preparado para la siguiente cita. Todo cambia cuando se enamora de la bella 63

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Doris Day y Rock Hudson, una de las parejas más inolvidables de la historia del cine

T.O.: Pillow Talk. Año: 1959. País: EE.UU. Dir.: Michael Gornick. Intérpretes: Rock Hudson, Doris Day, Tony Randall, Thelma Ritter, Nick Adams, Allen Jenkins. Guión: Maurice Richlin, Stanley Shapiro, Clarence Greene. Mús.: Frank De Vol. Fot.: Arthur E. Arling. Dist. en DVD: Universal. Dur.: 105 min. P.a.: Jóvenes. Cont.: Acción 0, Amor 2, Lágrimas 1, Risas 3, Sexo 0, Violencia 0 [de 0 a 4]

años 50

Confidencias de medianoche

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años 60

T.O.: The Apartment. Año: 1960. País: EE.UU. Dir.: Billy Wilder. Int.: Jack Lemmon, Shirley MacLaine, Fred MacMurray, Ray Walston, Jack Kruschen, David Lewis, Naomi Stevens, Edie Adams. Guión: Billy Wilder, I.A.L. Diamond. Mús.: Adolph Deutsch. Fot. Joseph LaShelle. Dist. en DVD: Fox. Dur.: 105 min. P.a.: Jóvenesadultos. Cont.: Acción 0, Amor 2, Lágrimas 2, Risas 3, Sexo 0, Violencia 0 [de 0 a 4]

Trío actoral de lujo: Jack Lemmon, Shirley MacLaine y Fred MacMurray

ascensorista Fran Kubelik (Shirley MacLaine), una chica de buen corazón que es la amante de uno de los jefes de Baxter, el señor Sheldrake. Estamos ante una de las mejores películas de todos los tiempos. El humor a veces despiadado, a lo Chaplin, con fines críticos, y unos personajes conmovedores que, por su idealismo y su buen corazón, no encuentran su sitio en un ambiente social egoísta y ordinario, son dos de las características del cine de Wilder que se aplican a El apartamento. La facilidad para la comedia de este director nacido en Viena en 1906, e instalado en Hollywood desde 1934, es innata. El film, de innegable aire teatral, presenta unos diálogos brillantes y ácidos, y una impresionante interpretación de Jack Lemmon. El director de origen austriaco recogió tres Oscar como productor, guionista y director.

Desayuno con diamantes

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olly Golightly es una de esas adorables e indefinibles criaturas que ha dado la pluma de Truman Capote. Una mujer elegante y sofisticada, exquisitamente frívola, mundana, que desprende encanto por todos sus poros, aunque nada concreto parezca ocupar medianamente su cabeza. El film arranca con ella tomándose un croissant en la Quinta Avenida, mientras contempla las joyas del escaparate de Tiffany, la famosa joyería neoyoquina. La leyenda asegura que el establecimiento abrió en domingo por primera vez para que pudiera rodarse la escena, pues se requería que la calle estuviera completamente desierta. 64

La adaptación de la novela de Capote se debió a George Axelrod, el autor de la obra teatral en la que se basó La tentación vive arriba. El talento de Blake Edwards se hace notar en cada fotograma del film. El cineasta se explaya especialmente en la surrealista escena de la fiesta, plagada de gags disparatados. La escena final bajo la lluvia, es una de esas que quedan grabadas en oro en la historia del cine por derecho propio: el gato arrojado al aguacero, ella buscándolo, el encuentro de los dos enamorados, todo ello acompañado musicalmente por Henry Mancini. Y es que capítulo aparte es la banda sonora, que incluye el tema “Moon River”, de Mancini y John Mercer.

T.O.: Breakfast At Tiffany’s. Año: 1961. País: EE.UU. Dir.: Blake Edwards. Intérpretes: Audrey Hepburn, George Peppard, Patricia Neal, Buddy Ebsen, Martin Balsam, José Luis de Villalonga, John McGiver. Arg.: La novela de Truman Capote. Guión: George Axelrod. Mús.: Henry Mancini. Fot.: Franz Planer. Dist. en DVD: Paramount. Dur.: 110 min. P.a.: Jóvenes. Cont.: Acción 1, Amor 3, Lágrimas 0, Risas 2, Sexo 0, Violencia 0 [de 0 a 4]

LAS COMPOSICIONES

Es sabido que Capote escribió su obra pensando en Marilyn Monroe, buena amiga suya, y ciertamente el personaje parece inspirado en ella. Pero Audrey Hepburn supo adaptar a Holly a su carácter sin traicionarlo, y su composición fue perfecta: de hecho, logró una nominación al Oscar. George Peppard encarna muy bien el papel de espectador, fascinado por Holly. En cambio, el vecino cascarrabias con dientes de conejo que le toca asumir a Mickey Rooney está demasiado pasado de rosca.

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Audrey Hepburn, más sofisticada y elegante que nunca

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Esplendor en la hierba

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T.O.: Splendor In The Grass. Año: 1961. Dir.: Elia Kazan. Int.: Natalie Wood, Warren Beatty, Pat Hingle, Audrey Christie, Barbara Loden. Guión: William Inge. Mús.: David Amram. Fot.: Boris Kaufman. Dist. en DVD: Warner. Dur.: 119 min. P.a.: Jóvenes-adultos. Cont.: Acción 0, Amor 4, Lágrimas 3, Risas 0, Sexo 0, Violencia 0 [de 0 a 4]

Apasionado beso de Warren Beatty y Natalie Wood

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años 60

eanie (Natalie Wood), una joven de clase modesta, y Bud (Warren Beatty), de familia rica, están enamorados y piensan en casarse. El padre de Bud aspira a un mejor partido para su hijo, y Bud no sabe resistir la presión de su padre. Deanie piensa que las largas de Bud significan un abandono, una terrible traición. Mientras tanto, Bud no encontrará su sitio en la universidad, y considera que quizá no sirva para darle a su padre todo lo que espera de él. ¿Dónde desembocará esa primera pasión, que no es entendida por sus mayores? ¿Puede el amor entre dos jóvenes sujetarse con las riendas de la razón y de las convenciones sociales? Quizás no es la mejor película de Elia Kazan, pero no cabe duda de que tiene un lugar elevado dentro del género romántico. El título hace referencia a unos versos del poeta William Wordsworth que se comprenden al ver la película: “Aunque no podamos tener de nuevo las horas / del esplendor en la hierba y de la gloria en las flores, / no debemos afligirnos / sino coger fuerzas de lo que hemos vivido”. La perennidad de su contenido está relatada de una manera dramática excelente.

West Side Story

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no de los musicales más recordados de todos los tiempos. Esta puesta al día de la inmortal historia de amor de “Romeo y Julieta” se llevó a casa 10 Oscar, incluidos los de mejor película y dirección (el tándem Robert WiseJerome Robbins). Se los merecía. En los años cincuenta, dos bandas de jóvenes, los Jets, de origen irlandés, y los Sharks, portorriqueños, se disputan el dominio de las calles del West

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T.O.: West Side Story. Año: 1961. Dir.: Jerome Robbins, Robert Wise. Int.: Natalie Wood, Richard Beymer, Russ Tamblyn, Rita Moreno, George Chakiris, Simon Oakland, Ned Glass, William Bramley. Guión: Arthur Laurents, Ernest Lehman. Fot.: Daniel L. Fapp. Dist. en DVD: Fox. Dur.: 146 min. P.a.: Jóvenes. Cont.: Acción 2, Amor 3, Lágrimas 2, Risas 1, Sexo 0, Violencia 0 [de 0 a 4]

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Richard “Romeo” Beymer y Natalie “Julieta” Wood

románticas

años 60

Las 100 mejores películas

Side neoyorquino. Su rivalidad es completa, e imposible la reconciliación. Por eso, cuando Tony (Richard Beymer), un Jet, se enamora de María (Natalie Wood), hermana del jefe de los Sharks, el romance se revela enseguida muy, muy complicado. Con esta sencilla historia universal, Arthur Laurents (letrista), Leonard Bernstein (música) y Jerome Robbins (coreografía) habían dado el golpe en los escenarios de Broadway. Era inevitable su traslación a la pantalla, pero gracias a la pericia del gran Robert Wise, cada fotograma transpiraba ritmo cinematográfico. El prólogo y parte de la pelea se rodaron en auténticas calles de Nueva York, hoy derruidas. Para el resto se construyeron fabulosos escenarios, supervisados por el director artístico Boris Leven, que reproducían, por DAR EL CANTE ejemplo, los tejados. Aunque en el reparto hay actores Los complejos números de baile, con sus tan encantadores como la preciosa enrevesados compases, llevaron de cabeza Natalie Wood, entre sus talentos no a los actores, pero el resultado mereció la figuran el de la voz; tanto ella como pena. Por cierto, para el papel de Tony, Richard Beymer fueron doblados Robert Wise intentó conseguir a Elvis respectivamente por Marnie Nixon Presley, el rey. Entre los muchos temas y Jimmy Briant. Incluso la estupenda Rita Moreno, que ganó un musicales, perdura en la memoria del merecido Oscar, fue doblada por Betty Wand. cinéfilo “America” y “Maria”. 67

Cine,te quiero

Irma la dulce

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ack Lemmon es un buen policía parisino que cumple fielmente con sus obligaciones. Algo desafortunado en el amor, su vida cambia cuando se enamora perdidamente de una prostituta (Shirley MacLaine) durante una redada. El amor le da alas y deja su trabajo para enfrentarse al chulo de su chica y sustituirle.

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T.O.: Irma la Douce. Año: 1963. País: EE.UU. Dir.: Billy Wilder. Int.: Jack Lemmon, Shirley MacLaine, Lou Jacobi, Bruce Yarnell, Herschel Bernardi, Hope Holiday, Joan Shawlee, Grace Lee Whitney, Paul Dubov. Guión: Billy Wilder, I.A.L. Diamond. Mús.: André Previn. Fot.: Joseph LaShelle. Dist. en DVD: Fox. Dur.: 137 min. P.a.: Jóvenesadultos. Cont.: Acción 1, Amor 2, Lágrimas 0, Risas 2, Sexo 0, Violencia 0 [de 0 a 4]

Jack Lemmon y Shirley MacLaine, un amor muy singular

Divertidísima y pícara comedia del maestro Billy Wilder, rodada toda ella en estudio, que cuenta con escenas realmente hilarantes, como aquéllas en que Lemmon se disfraza de supuesto ‘cliente’ de Irma, con el fin de darle dinero, para que no tenga que irse con otros hombres. El film volvía a reunir tres años después a la pareja que protagonizó El apartamento, con el mismo director. Uno de los mejores personajes del film es Moustache, interpretado por Lou Jacobi, el dueño del café, que ha vivido centenares de historias. Curiosamente, esta cinta que está considerada hoy unánimemente una obra maestra en su momento cosechó algunas críticas buenas y otras realmente malas. New Yorker decía que era una “película vulgar” y que la prostitución les parecía “igual de divertida que la atrofia muscular”. 68

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románticas

D

omenico (Marcello Mastroianni) es un reputado hombre de negocios que mantiene una aventura amorosa con Filumena Marturano, una bellísima mujer de extracción baja. La joven se convierte en su amante a lo largo de los años y, además, le ayuda en sus negocios. Al final, acaba teniendo un hijo de Domenico, quien desea conocerle. Para ello, Filumena le exigirá que antes, contraiga matrimonio con ella. Uno de los más grandes realizadores del cine italiano, Vittorio De Sica, autor de grandes dramas como Ladrón de bicicletas, demostró su eficacia para la comedia con este film, que se hizo con el Oscar a la mejor película extranjera en 1963. La cinta tiene inolvidables personajes y grandes dosis de crítica social. Los protagonistas conforman, probablemente, la pareja más romántica del cine italiano, y están acompañados por un inolvidable plantel de secundarios. Adapta la obra teatral “Filumena Marturano” de Eduardo De Filippo.

Doctor Zhivago

M

egahistoria de amor romántico bajo el manto de la revolución soviética, basada en la novela de Boris Pasternak, galardonado con el Premio Nobel de Literatura. El médico poeta Yuri Zhivago se casa con Tonia, pero conoce a una muchacha llamada Lara Antipova. Ésta se encuentra esclavizada económicamente por un tal Komarovsky, de principios poco éticos. Mientras, la revolución comunista triunfa en Rusia. Pasan los años... 69

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Marcello Mastroianni debería pensar en casarse con Sophia Loren

T.O.: Matrimonio all’italiana Año: 1964. País: Italia. Dir.: Vittorio De Sica. Int.: Sophia Loren, Marcello Mastroianni, Aldo Puglisi, Tecla Scarano, Marilù Tolo. Guión: Renato Castellani, Tonino Guerra, Leonardo Benvenuti. Mus.: Armando Trovajoli. Fot.: Roberto Gerardi. Dist. en DVD: Filmax. Dur.: 104 min. P.a.: Adultos. Cont.: Acción 1, Amor 4, Lágrimas 3, Risas 3, Sexo 1, Violencia 1 [de 0 a 4]

años 60

Matrimonio a la italiana

Cine,te quiero

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años 60

T.O.: Doctor Zhivago. Año: 1965. País: EE.UU. Dir.: David Lean. Int.: Omar Sharif, Julie Christie, Geraldine Chaplin, Rod Steiger, Alec Guinness, Ralph Richardson, Tom Courtenay, Siobhan McKenna. Guión: Robert Bolt. Mús.: Maurice Jarre. Fot.: Freddie Young. Dist. en DVD: Warner. Dur.: 212 min. P.a.: Jóvenes-adultos. Cont.: Acción 2, Amor 4, Lágrimas 1, Risas 0, Sexo 0, Violencia 0 [de 0 a 4]

Omar Sharif, Geraldine Chaplin y Julie Christie: el amor es complicado

Impresionante e inolvidable epopeya de David Lean (El puente sobre el río Kwai), parte de ella rodada en Soria. Algunos pasajes son estremecedores, como la llegada de Zhivago medio muerto y el hallazgo de la llave, los lobos en la dacha de Varykino, el impactante final... Reparto estelar en el que sobresale Julie Christie y el inconmensurable Alec Guinness. Guión de altura firmado por Robert Bolt y música para el recuerdo de Maurice Jarre. Grandeza clásica premiada con cinco Oscar.

Sonrisas y lágrimas

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no de los musicales más clásicos de Hollywood. En Austria, en los años 30, María es una novicia contratada para hacerse cargo de la educación y el cuidado de los siete hijos del capitán Von Trapp, un viudo un tanto antipático y amargado por la reciente muerte de su esposa. Sin embargo, María va devolviendo la alegría al hogar y se gana la confianza y el cariño de los niños. Cuando una amiga de la familia le dice que el capitán se ha enamorado de ella, regresa al convento, pero los niños la echan de menos y van a buscarla. Robert Wise fue un extraordinario realizador, tanto en el género musical (West Side Story) como en la ciencia ficción (Ultimátum a la Tierra). Así lo demuestra con éste, quizás su mejor film, que adapta un conocido musical compuesto para el teatro por Richard Rodgers y Oscar Hammerstein, dos de los más

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Julie Andrews canta gozosa en las colinas de Salzburgo, Austria

reputados autores del género, que a su vez se basaron en la historia real de la familia Trapp. Julie Andrews (Mary Poppins) entrega una de sus mejores interpretaciones como la institutriz, aunque no desentona Christopher Plummer, su partenaire masculino. El film consiguió cinco Oscar en 1965, en los apartados de película, director, sonido, montaje y música adaptada.

T.O.: The Sound of Music. Año: 1965. Dir.: Robert Wise. Int.: Julie Andrews, Christopher Plummer, Richard Haydn, Peggy Wood, Anna Lee, Charmian Carr, Nicholas Hammond, Heather Menzies, Duane Chase, Angela Cartwright, Debbie Turner, Kym Karath, Eleanor Parker, Daniel Truhitte, Portia Nelson. Arg.: La obra musical de Richard Rodgers y Oscar Hammerstein. Guión: Ernest Lehman. Mus.: Richard Rodgers. Fot.: Ted D. McCord. Dist. en DVD: Fox. Dur.: 172 min. P.a.: Todos. Cont.: Acción 2, Amor 4, Lágrimas 4, Risas 4, Sexo 0, Violencia 0 [de 0 a 4]

DE MARY A MARÍA

Aunque nadie se imagina este musical sin Julie Andrews, en un principio los productores pensaron en Doris Day y Debbie Reynolds. Cuando los estudios Disney les invitaron a un visionado de Mary Poppins, encontraron la actriz ideal.

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románticas

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Cine,te quiero

Un hombre y una mujer

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T.O.: Un homme et une femme. Año: 1966. Dir.: Claude Lelouch. Int.: Anouk Aimée, Jean-Louis Trintignant, Pierre Barouh, Valérie Lagrange, Antoine Sire, Souad Amidou, Henri Chemin. Guión: Pierre Uytterhoeven. Mús.: Francis Lai. Fot.: Claude Lelouch. Dur.: 102 min. P.a.: Jóvenes. Cont.: Acción 0, Amor 2, Lágrimas 1, Risas 0, Sexo 0, Violencia 0 [de 0 a 4]

La guapa Anouk Aimée

J

ean-Louis –piloto de coches de carreras– y Anne –secretaria en la industria del cine– son dos viudos que se conocen por casualidad en el colegio de sus hijos en Deauville. A pesar de que el recuerdo de sus esposos sigue vigente, ambos no pueden evitar enamorarse. Un film romántico francés bien resuelto, con unas imágenes llenas de significado que no empalagan en ningún momento. La historia habla de una segunda oportunidad para el amor, y sus protagonistas realizan un aceptable trabajo, en especial Anouk Aimée, que optó al Oscar a la mejor actriz. También cuenta con una memorable partitura musical de Francis Lai. El director Claude Lelouch volvió a juntar a los dos actores protagonistas en Un hombre y una mujer. 20 años más tarde, la secuela, rodada en 1986.

Dos en la carretera

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urante el transcurso de un viaje, Mark y Joanna Wallace reflexionan sobre las diferentes etapas que ha atravesado su matrimonio. Su situación económica ha empeorado, conforme la pasión entre ambos ha disminuido y el amor se ha erosionado. Una de las disecciones más agudas que se han realizado, sobre la evolución matrimonial. El film salió adelante gracias al empeño del guionista Frederic Raphael y el director Stanley Donen, especialista en musicales que en los 60 se

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Las 100 mejores películas

románticas

El film supuso el tercer trabajo conjunto del director Stanley Donen y la actriz Audrey Hepburn. Ambos habían coincidido anteriormente en Una cara con ángel (1957), musical en el mundo de la moda, y la citada Charada (1963). Decía Hepburn que sólo pensar en Donen le hacía sonreír. Y mencionaba dos escenas de Dos en la carretera entre sus favoritas: aquella en que se cambia de ropa en el coche, y cuando llevan comida de fuera al hotel, sin saber que está incluida en el precio.

Descalzos por el parque

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obert Redford y Jane Fonda interpretan a una pareja de recién casados. Han alquilado un pequeño apartamento que pretenden convertir en su nido de amor. Él es un abogado muy ocupado, y ella una muchacha cariñosa y vitalista. Pronto conocerán a su curioso vecino de arriba, interpretado por Charles Boyer, que puede acceder a su apartamento a través de una claraboya. La llegada de la entrometida madre de Fonda, interpretada por Mildred Natwick, no conseguirá sino complicar aún más su tensa situación. Pero con su amor, conseguirán sacar las cosas adelante. 73

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Audrey Hepburn y Albert Finney, un matrimonio en crisis

T.O.: Two for the Road. Año: 1967. País: Reino Unido. Dir.: Stanley Donen. Int.: Audrey Hepburn, Albert Finney, Eleanor Bron, William Daniels, Gabrielle Middleton, Claude Dauphin, Jacqueline Bisset. Guión: Frederic Raphael. Mus.: Henry Mancini. Fot.: Christopher Challis. Dist. en DVD: Vellavisión. Dur.: 111 min. P.a.: Adultos. Cont.: Acción 0, Amor 4, Lágrimas 3, Risas 2, Sexo 0, Violencia 0 [de 0 a 4]

años 60

había abierto a otros géneros, y había dirigido dos films de suspense: Charada (1963) y Arabesco (1966). Albert Finney y Audrey Hepburn componen sus personajes a la perfección.

Cine,te quiero

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T.O.: Barefoot In The Park. Año: 1967. Dir.: Gene Saks. Int.: Robert Redford, Jane Fonda, Charles Boyer, Mildred Natwick, Herb Edelman, Mabel Albertson. Arg.: La obra de teatro de Neil Simon. Guión:Neil Simon. Mús.: Neal Hefti. Fot.: Joseph LaShelle. Dist. en DVD: Paramount. Dur.: 109 min. P.a.: Adultos. Cont.: Acción 0, Amor 2, Lágrimas 0, Risas 1, Sexo 0, Violencia 0 [de 0 a 4]

Los recién casados Robert Redford y Jane Fonda

años 60

Una comedia muy aguda en la que se tratan con acidez los sentimientos de dos enamorados. Notables interpretaciones de Redford y Fonda, en una época en la que ambos estaban en la plenitud de su carrera. Está dirigida con audacia y fluidez por Gene Saks, proveniente del teatro y especialista en comedias ligeras, que como en el caso de La extraña pareja, otra de sus cintas más conocidas (rodada al año siguiente), adapta una obra de teatro de Neil Simon. La fotografía es del memorable operador Joseph Lashelle (Laura). Hilarantes secuencias de Herb Edelman, que interpreta a un empleado de la compañía telefónica.

Romeo y Julieta

E

n la Italia del Renacimiento, Romeo se enamora a primera vista de Julieta, una hermosa joven. El problema es que la familia de Romeo, los Montesco, está enfrentada con los Capuleto, la familia de su amada. Ambos se casan en secreto, gracias a la ayuda de Fray Lorenzo... Se trata de una de las mejores adaptaciones cinematográficas de la inmortal obra de teatro de William Shakespeare. Fue una película popularísima en su época, que levantó la polémica debido a la elección de dos adolescentes para los papeles protagonistas. En su firme voluntad de respetar al pie de la letra la obra original, el intuitivo cineasta Franco Zeffirelli escogió a una Julieta y a un Romeo totalmente desconocidos 74

Olivia Hursey y Leonard Whiting, jovencísimos Romeo y Julieta

T.O.: Romeo & Juliet. Año: 1968. País: Italia, Reino Unido. Dir.: Franco Zeffirelli. Int.: Leonard Whiting, Olivia Hussey, John McEnery, Milo O’Shea, Pat Heywood, Robert Stephens, Michael York, Bruce Robinson. Arg.: La obra de teatro de William Shakespeare. Guión: Franco Brusati, Masolino d’Amico, Franco Zeffirelli. Mus.: Nino Rota. Fot.: Pasqualino De Santis. Dist. en DVD: Paramount. Dur.: 133 min. P.a.: Adultos. Cont.: Acción 1, Amor 4, Lágrimas 4, Risas 0, Sexo 1, Violencia 0 [de 0 a 4]

de quince y dieciséis años, la edad que más o menos se supone que tienen los personajes. Narrada con sobriedad y con frescura, la ambientación está muy cuidada, así como su fotografía en color. Romántica a más no poder, hoy en día quizá queda un poco lánguida, pero se ve con aprecio. Danilo Donati obtuvo el Oscar al mejor vestuario. La excelente composición musical es de Nino Rota, ganador del Oscar en 1972 por El padrino.

Love Story

A

li MacGraw y Ryan O’Neal interpretan a dos jóvenes enamorados. Se conocen en la biblioteca porque ambos están estudiando. Ella es una chica equilibrada y responsable. Él es un chico sano y deportista, menos maduro que ella. Pero su amor está por encima de todo. Sienten una pasión irresistible el uno por el otro, y darían la vida por su amor si hiciera falta. Pero irremediablemente, este amor se torna en tragedia por una serie de circunstancias. 75

años 60

románticas

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Las 100 mejores películas

Cine,te quiero

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T.O.: Love Story. Año: 1970. País: EE.UU. Dir.: Arthur Hiller. Int.: Ali MacGraw, Ryan O’Neal, John Marley, Ray Milland, Russell Nype, Katharine Balfour, Tommy Lee Jones. Guión: Erich Segal. Mús.: Francis Lai. Fot.: Richard C. Kratina. Dist. en DVD: Paramount. Dur.: 96 min. P.a.: Jóvenes-adultos. Cont.: Acción 0, Amor 4, Lágrimas 2, Risas 0, Sexo 0, Violencia 0 [de 0 a 4]

Ardiente amor entre Ryan O’Neal y Ali MacGraw

años 70

Una de los dramas románticos más famosos de todos los tiempos. Narrada con habilidad por Arthur Hiller, cuenta de forma muy amena el proceso del enamoramiento entre dos jóvenes, su pasión, y el desenlace. El romanticismo exacerbado que propone cae en la languidez por momentos. Estamos ante una cinta terriblemente sentimental. La conocida banda sonora de Francis Lai ganó el Oscar en 1970. Tiene una continuación, bastante inferior, Historia de Oliver (1978), protagonizada por Ryan O’Neal y Candice Bergen.

Los girasoles

G

iovanna se casa con Antonio justo doce días antes del estallido de la II Guerra Mundial. Cuando es llamado a filas, Antonio intenta fingir que no es apto para el servicio, simulando que sufre de problemas mentales. Pero los oficiales pronto descubren que miente, y le envían al frente. Allí, cae herido. Una joven campesina llamada Mascia cura sus heridas. Los años pasan y Giovanna se resigna a dar a su marido por muerto. Pero, consumida por la duda, decide partir a Rusia para tratar de encontrarle... ¿Cómo le encontrará? El genial Vittorio de Sica abandona aquí el neorrealismo que tanta y justa fama le dio, y se adentra por los terrenos del más puro melodrama. Los amores contrariados de los protagonistas hacen derramar un auténtico torrente de lágrimas. Sin duda es uno de los mejores trabajos conjuntos de Sophia Loren y Marcello Mastroianni, dos de los más grandes astros del cine italiano.

76

Tal como éramos

E

n los albores de la II Guerra Mundial, Katie Morosky, activista de izquierdas, coincide en la universidad con Hubbel Gardiner, un aspirante a escritor. Ambos se reencuentran años después en un local neoyorquino. Él se ha convertido en oficial del ejército, y ella trabajo en la radio, aunque continúa con su lucha política. Entre ambos surgirá el amor... Elaborado drama romántico de tono nostálgico, que cuenta con una magnífica pareja protagonista en plenitud de facultades. Una incursión en los recovecos del enamoramiento, que Sydney Pollack (Memorias de África, Los tres días del cóndor) desarrolla con agudeza. El director realiza un análisis crítico de la época del senador McCarthy, y retrata el desencanto político que vivió toda una generación americana. La canción “The Way We Were” de Marvin Hamlisch, interpretada por Barbra Streisand, obtuvo el Oscar, y fue un gran éxito de ventas.

Reencuentro amoroso de Robert Redford y Barbra Streisand

T.O.: I girasoli. Año: 1970. País: Francia, Italia, Rusia. Dir.: Vittorio De Sica. Int.: Sophia Loren, Marcello Mastroianni, Lyudmila Savelyeva, Galina Andreyeva, Anna Carena. Guión: Tonino Guerra, Giorgi Mdivani, Cesare Zavattini. Mus.: Henry Mancini. Fot.: Giuseppe Rotunno. Dist. en DVD: Diver House. Dur.: 107 min. Pa.: Jóvenes-adultos. Cont.: Acción 1, Amor 4, Lágrimas 3, Risas 0, Sexo 0, Violencia 1 [de 0 a 4]

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Marcello Mastroianni sufre en Rusia el dolor de la separación de la amada

románticas

años 70

Las 100 mejores películas

T.O.: The Way We Were. Año: 1973. País: EE.UU. Dir.: Sydney Pollack. Int.: Barbra Streisand, Robert Redford, Bradford Dillman, Lois Chiles, Patrick O’Neal, James Woods, Viveca Lindfors, Allyn Ann McLerie, Murray Hamilton. Guión: Arthur Laurents. Fot.: Harry Stradling Jr. Dist. en DVD: Sony. Dur.: 117 min. Pa.: Adultos. Cont.: Acción 0, Amor 3, Lágrimas 1, Risas 0, Sexo 0, Violencia 0 [de 0 a 4]

77

Cine,te quiero

Annie Hall

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T.O.: Annie Hall. Año: 1977. País: EE.UU. Dir.: Woody Allen. Int.: Woody Allen, Diane Keaton, Tony Roberts, Carol Kane, Paul Simon, Shelley Duvall, Janet Margolin, Christopher Walken. Guión: Woody Allen, Marshall Brickman. Fot.: Gordon Willis. Dist. en DVD: Fox. Dur.: 91 min. P.a.: Adultos. Cont.: Acción 0, Amor 3, Lágrimas 2, Risas 2, Sexo 1, Violencia 0 [de 0 a 4]

Diane Keaton y Woody Allen necesitan aplacar su sed de amor

E

años 70

scrita y dirigida por Woody Allen, Annie Hall narra la relación que surge entre un neurótico escritor de comedias (Woody Allen) y una joven cantante (Diane Keaton). Excelente film, considerado por muchos como una de las mejores películas del genio neoyorquino, ofrece unos elaborados diálogos en los que no faltan las referencias a los temas preferidos por Allen: sexo, religión, la influencia paterna y, por supuesto, el psicoanálisis. Esta comedia dramática cuenta con un memorable plantel de secundarios entre los que desatacan el músico Paul Simon, y un jovencísimo Christopher Walken. También aparece muy brevemente –concretamente unos diez segundos– la actriz Sigourney Weaver. Annie Hall fue galardonada con cuatro Oscar en las categorías de mejor película, mejor director, mejor actriz y mejor guión original. El célebre director no acudió a la ceremonia para recibir la dorada estatuilla, alegando que tenía que tocar el clarinete en su club de jazz.

Grease

J

ohn Travolta interpreta a Danny, el arrogante jefe de una pandilla de adolescentes de los años 50. Todos le conocen como un tipo duro e implacable con las chicas. Cuando regresa de sus vacaciones de verano y se reúne con sus amigos en el instituto, continúa siendo el mismo. Todo cambia cuando Sandy (Olivia Newton-John) le reconoce como su amor del verano. Pero él se hace el ‘loco’, aunque sigue enamorado de ella. Sandy se integrará en una pandilla de chicas de armas tomar, y de esta manera se enfrentará a la altanería de Danny.

78

románticas

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T.O.: Grease. Año: 1978. Dir.: Randal Kleiser. Int.: John Travolta, Olivia Newton-John, Stockard Channing, Jeff Conaway, Barry Pearl, Michael Tucci, Kelly Ward, Didi Conn, Lorenzo Lamas, Eddie Deezen. Guión: Bronte Woodard, Allan Carr. Fot.: Bill Butler. Dist. en DVD: Paramount. Dur.: 115 min. Pa.: Jóvenes. Cont.: Acción 2, Amor 2, Lágrimas 1, Risas 1, Sexo 1, Violencia 0 [de 0 a 4]

años 70

Las 100 mejores películas

Olivia Newton-John y John Travolta, o al amor por el baile

Uno de los musicales de mayor éxito de todos los tiempos. En uno de sus papeles más recordados, John Travolta es un derroche de energía y magnetismo. La debutante Olivia Newton-John, una estrella de la música por entonces, realiza un buen trabajo como la ingenua muchacha enamorada. Canciones y coreografías excelentes, que no han perdido su frescura con el paso de los años. Todo un homenaje a la época dorada del rock and roll.

Un cuarto de siglo después

Pasado el tiempo, sólo Travolta supo mantener su popularidad, gracias a Quentin Tarantino y su film Pulp Fiction. Olivia Newton-John revalidó su éxito con Gene Kelly en Xanadú, pero luego quedó relegada a telefilmes. Stockard Channing (Rizzo) ha logrado labrarse una carrera como prestigiosa secundaria en numerosos títulos como Prácticamente magia o Al caer el sol. En la cinta, Lorenzo Lamas (Falcon Crest) y el futuro director Andy Tennant interpretan pequeños papeles.

79

Cine,te quiero

La rosa púrpura del Cairo

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T.O.: The Purple Rose of Cairo. Año: 1985. País: EE.UU. Dir.: Woody Allen. Int.: Mia Farrow, Jeff Daniels, Danny Aiello, Irving Metzman, Stephanie Farrow. Guión: Woody Allen. Música: Dick Hyman. Fot.: Gordon Willis. Dist. en DVD: Fox. Dur.: 78 min. P.a.: Jóvenes. Cont.: Acción 0, Amor 3, Lágrimas 2, Risas 1, Risas 1, Sexo 0, Violencia 0 [de 0 a 4]

Mia Farrow busca satisfacer sus fantasías amorosas con Jeff Daniels, un personaje de cine

años 80

Años de la Gran Depresión. En un pequeño pueblecito de Nueva Jersey, Cecilia, una humilde camarera, intenta sobrevivir a duras penas, a pesar de sus problemas económicos. Su marido, Monk, es un hombre de rudos modales con pocas ganas de trabajar. Para evadirse de su triste realidad, Cecilia acude con mucha frecuencia al cine. Cautivada por el protagonista de un film titulado “La Rosa Púrpura de El Cairo”, la ve una y otra vez. Hasta que un día, el personaje sale de la pantalla para verla. Woody Allen rodó este drama romántico con elementos fantásticos –y alguna que otra nota de humor típica del cineasta–, que homenajea a la pasión cinéfila. El film es una lograda reflexión sobre la evasión a través del Séptimo Arte. En este sentido resulta especialmente memorable la secuencia en la que Mia Farrow contempla en el cine el famoso número musical “Cheek to Cheek”, con Ginger Rogers y Fred Astaire.

Memorias de África

L

a acción se desarrolla en 1914 y nos presenta a la escritora Karen Blixen (interpretada por Meryl Streep), una mujer fuerte y decidida que junto a su marido (Klaus Maria Brandauer) posee una plantación de café en Kenia. Ella se enamora rápidamente del continente y sus gentes. Un día conoce a un misterioso cazador blanco (Robert Redford) por el que no puede evitar sentirse atraída. Juntos vivirán una fuerte pasión. Uno de los más memorables romances épicos del cine de los años 80, ganadora de 7 Oscar en 1985: mejor película, director, guión, fotografía, música, dirección artística y sonido. Se trata de una de las mejores películas del tándem

80

formado por el realizador Sydney Pollack y el actor Robert Redford, entre las que figuran Los tres días del cóndor o Las aventuras de Jeremiah Johnson. En esta ocasión, Pollack adapta dos novelas de la escritora Isak Dinesen, pseudónimo de Karen Blixen. La inolvidable música es obra del magistral compositor John Barry (Bailando con lobos).

T.O.: Out of Africa. Año: 1985. País: EE.UU. Dir.: Sydney Pollack. Int.: Meryl Streep, Robert Redford, Klaus Maria Brandauer, Michael Kitchen, Malick Bowens. Arg.: La obra de Isak Dinesen. Guión: Kurt Luedtke. Mús.: John Barry. Fot.: David Watkin. Dist. en DVD: Universal. Dur.: 155 min. Pa.: Jóvenesadultos. Cont.: Acción 2, Amor 4, Lágrimas 3, Risas 0, Sexo 1, Violencia 0 [de 0 a 4]

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Meryl Streep, de pícnic con Robert Redford en África

románticas

El rayo verde

D

elphine es una secretaria que se ha quedado inesperadamente sin sus planes de vacaciones. Sin embargo, está decidida a realizar algún viaje, aunque sea sola, y así lo hace. En el trayecto conocerá a una sueca con la que traba amistad y pronto su triste vida solitaria se tornará en algo más parecido a la felicidad. Eric Rohmer habla con frescura de la soledad de las personas jóvenes, incluso cuando están rodeadas de gente, y del descubrimiento del amor. En el film llama la atención la interpretación de los jóvenes actores,  que, como en el siempre natural cine del director, próximo a la ‘nouvelle vague’ francesa, parece que improvisan. Esto da mayor soltura a la historia al hacerla más cotidiana y cercana al espectador. La protagonista Maria Riviere (espléndida actuación) colaboró también en el guión. Resulta especialmente emocionante el último pasaje del film, que justifica el título, un fenómeno óptico que la protagonista asocia al amor.

años 80

Las 100 mejores películas

T.O.: Le rayon vert. Año: 1986. País: Francia. Dir.: Eric Rohmer. Int.: Marie Rivière, Amira Chemakhi, Sylvie Richez, María Luisa García, Basile Gervaise, Virginie Gervaise, René Hernandez. Guión: Eric Rohmer, Marie Rivière. Música: Jean-Louis Valéro. Fot.: Sophie Maintigneux. Dist. en DVD: Manga Films. Dur.: 98 min. P.a.: Jóvenes-adultos. Cont.: Acción 0, Amor 3, Lágrimas 1, Risas 1, Sexo 1, Violencia 0 [de 0 a 4]

81

Cine,te quiero

La princesa prometida

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años 80

T.O.: The Princess Bride. Año: 1987. Dir.: Rob Reiner. Int.: Cary Elwes, Robin Wright Penn, Mandy Patinkin, Chris Sarandon, Wallace Shawn, André the Giant, Fred Savage, Peter Falk, Billy Crystal. Arg.: La novela de William Goldman. Guión: William Goldman. Música: Willy De Ville, Mark Knopfler. Fot.: Adrian Biddle. Dist. en DVD: Tri Pictures. Dur.: 93 min. P.a.: Todos. Cont.: Acción 3, Amor 2, Lágrimas 1, Risas 2, Sexo 0, Violencia 0 [de 0 a 4]

La princesa Robin Wright Penn, defendida por el valiente Cary Elwes

U

n niño se encuentra enfermo en su casa y su abuelo le cuenta un cuento. Se trata de un relato hermoso de una princesa, un caballero, un rey malo, un gigante... Una de esas historias de aventuras con la que todo niño sueña, llena de acción, peligros, honor, maldad, romanticismo y mucha, mucha diversión. Una joven Robin Wright Penn es la bella princesita Buttercup, que suspira por el amor del apuesto Westley (Cary Elwes). El prodigioso guión de William Goldman es una absoluta delicia, con algunos momentos verdaderamente geniales, como el duelo a muerte del personaje español interpretado por Mandy Patinkin, mientras repite “Mi nombre es Iñigo Montoya. Tú mataste a mi padre. Prepárate a morir”. Dirige con enorme ritmo Rob Reiner, que el año anterior había dirigido la estupenda Cuenta conmigo. Aquí logró una fábula inmortal, indispensable para niños y grandes. La banda sonora incluye célebres canciones y puenteos con guitarra de Mark Knopfler.

Matrimonio de conveniencia

E

xcelente comedia romántica al estilo Frank Capra y de la mano de un director de acusada personalidad, el australiano Peter Weir (El club de los poetas muertos, Único testigo). Los fantásticos actores Gérard Depardieu (Cyrano de Bergerac) y Andie MacDowell (Cuatro bodas y un funeral) hacen gala de una química en la pantalla al más viejo y puro estilo de Hollywood. Bronte, una tímida neoyorkina, y George, un inmigrante francés, deciden casarse por conveniencia en Estados Unidos. Pero en la oficina de inmigración tienen sus reticencias y se ponen a investigar lo que sospechan es un fraude. 82

Para salir del atolladero, Bronte y George vivirán un fin de semana como un matrimonio “normal”, lo que dará lugar a situaciones divertidísimas. Una película como las de antes, su título original “Green Card”, alude a la tarjeta de residencia en Estados Unidos, de color verde. Destacan unas interpretaciones magníficas, una sobria y cuidada dirección y una entrañable y sugerente música del autodidacta y fabuloso compositor Hans Zimmer.

T.O.: Green Card. Año: 1990. Dir.: Peter Weir. Int.: Gérard Depardieu, Andie MacDowell, Bebe Neuwirth, Gregg Edelman, Robert Prosky, Jessie Keosian. Guión: Peter Weir. Mús.: Hans Zimmer. Fot.: Geoffrey Simpson. Dist. en DVD: Walt Disney. Dur.: 103 min. P.a.: Jóvenes. Cont.: Acción 0, Amor 3, Lágrimas 1, Risas 3, Sexo 0, Violencia 0 [de 0 a 4]

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Andie MacDowell y Gérard Depardieu, un matrimonio sospechoso

románticas

años 90

Las 100 mejores películas

Ghost

S

am (Patrick Swayze) le dijo a Molly (Demi Moore), antes de ser asesinado en un atraco, que la amaría para siempre, más allá de la vida y de la muerte. El caso es que Sam queda en un estado intermedio entre esta vida y la otra, y no puede comunicarse con Molly, que mientras tanto apunta a una nueva relación con el tipo equivocado. Sam debe evitar ese amor a toda costa, pero como es un fantasma enamorado, no tiene un cuerpo físico. Sólo cuenta con una presencia espiritual, y para El humor de Whoopi comunicarse con Molly tiene que Whoopi Goldberg nunca ha estado más divertida acudir a la ayuda de una médium, que en esta película, que le valió un merecido Oscar interpretada por la excéntrica Oda como mejor actriz de reparto. La actriz pudo dar rienda suelta a su amplio registro de gestos y a su Mae Brown (Whoopi Goldberg). larga lengua como la alocada médium Oda Mae Exacerbada historia de amor entre Brown, que busca el dinero a toda costa, aunque la fantasía y la realidad, que tuvo acabará demostrando que tiene un corazón de oro. un enorme éxito a principios de la 83

Cine,te quiero

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T.O.: Ghost. Año: 1990. País: EE.UU. Dir.: Jerry Zucker. Int.: Patrick Swayze, Demi Moore, Whoopi Goldberg, Tony Goldwyn, Susan Breslau, Martina Deignan, Vincent Schiavelli. Guión: Bruce Joel Rubin. Mús.: Maurice Jarre. Fot.: Adam Greenberg. Dist. en DVD: Paramount. Dur.: 121 min. P.a.: Jóvenes. Cont.: Acción 1, Amor 3, Lágrimas 2, Risas 2, Sexo 1, Violencia 0 [de 0 a 4]

Demi Moore y Patrick Swayze, modelando el amor

década de los 90. Cuenta con unos eficaces efectos especiales, y con una audaz elección de los temas que componen la banda sonora. Las interpretaciones de Swayze y Moore rebosan sensualidad en la célebre escena en que modelan una vasija de barro. Por lo demás, es un ejemplo de languidez mezclada con un artificioso pero eficaz romanticismo. Ganó el Oscar al mejor guión.

años 90

Cyrano de Bergerac

E

l gascón más hábil, valiente y letrado ha nacido con una lacra contra la que no puede luchar: ¿es pobre?, ¿es innoble?, ¿es antipático? No, ¡es feo! No hay nadie que maneje mejor la espada que Cyrano, tampoco tiene igual en el arte de la versificación, la oratoria o el galanteo. Y sin embargo, Cyrano es también un hombre quisquilloso y atormentado debido a VERSOS CINEMATOGRÁFICOS un defecto físico del que Un feliz acierto de la película es que, fiel al clásico del se siente avergonzado: siglo XIX, el guión esté en verso. Hay pocos ejemplos parecidos, y aunque pueden citarse adaptaciones de su descomunal nariz. Su Shakespeare, como Mucho ruido y pocas nueces o desdicha llegará al máximo Enrique V, quizá las mejores rimas cinematográficas cuando renuncie al amor estén en las españolas La venganza de don Mendo y de Roxane y decida ayudar en la notable El perro del hortelano. a su rival Christian a conseguir el favor de ella. Jean-Paul Rappeneau firma una nueva versión del clásico de Edmond Rostand, tras la protagonizada por José Ferrer en 1950. Desde el primer duelo en el teatro hasta su bello y agridulce final, la película está mimada en su puesta en escena, en su finísimo humor y en cada una de las rimas del guión, 84

Gérard Depardieu, tiene narices la cosa

T.O.: Cyrano de Bergerac. Año: 1990. Dir.: Jean-Paul Rappeneau. Int.: Gérard Depardieu, Anne Brochet, Vincent Pérez, Jacques Weber, Roland Bertin, Philippe Morier-Genoud, Pierre Maguelon, Josiane Stoléru, Philippe Volter, Jean-Marie Winling. Arg.: La obra de teatro de Edmond Rostand. Guión: JeanClaude Carrière, JeanPaul Rappeneau. Mús.: Jean-Claude Petit. Fot.: Pierre Lhomme. Dist. en DVD: Suevia. Dur.: 137 min. P.a.: Jóvenes. Cont.: Acción 2, Amor 4, Lágrimas 1, Risas 1, Sexo 0, Violencia 1 [de 0 a 4]

sin olvidar la monumental interpretación de Gérard Depardieu. El Globo de Oro logrado en 1991 no puede ser más certero... ¡Y al finalizar... os hiero!

Petty Woman

¿Q

ué se puede decir de esta película que no se haya dicho ya? Se trata seguramente de una de las comedias románticas más célebres de los tiempos modernos, un singular cuento de “La cenicienta” en versión actual y con el oropel Hollywood como escenario de fondo. Y hay que admitir que pocas veces ha existido tanta química en la pantalla como la que desprenden Richard Gere y Julia Roberts. Por casualidad, Edward (Richard Gere), un millonario egoísta y solitario, conoce a Vivian ( Julia Roberts), una prostituta que intenta sacar cada día lo necesario para vivir. Irresistiblemente enamorados casi a primera vista, aunque con sus lógicos problemas, ambos tendrán que renunciar a su pasado para afrontar un final de cuento de hadas. Todo en el film está muy cuidado y los actores demuestran una soltura poco usual. La película tiene una banda 85

años 90

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Cine,te quiero

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T.O.: Pretty Woman. Año: 1990. País: EE.UU. Dir.: Garry Marshall. Int.: Julia Roberts, Richard Gere, Ralph Bellamy, Jason Alexander, Laura San Giacomo, Hector Elizondo. Guión: J.F. Lawton. Mús.: James Newton Howard. Fot.: Charles Minsky. Dist. en DVD: Walt Disney. Dur.: 115 min. P.a.: Jóvenes-adultos. Cont.: Acción 1, Amor 3, Lágrimas 1, Risas 2, Sexo 2, Violencia 0 [de 0 a 4]

Julia Roberts y Richard Gere, un amor que todos nos queremos creer

sonora sobresaliente (inolvidable el tema del título, obra de Roy Orbison) y un glamour tan atractivo como sólo pueden tenerlo las situaciones más románticas, casi siempre irrealizables. Tras el estreno, la actriz Julia Roberts se convirtió en la estrella más famosa del cine.

años 90

La Bella y la Bestia

T.O.: Beauty and the Beast. Año: 1991. Dir.: Gary Trouslade, Kirk Wise. Arg.: La novela de Jeanne-Marie Leprince de Beaumont. Guión: Roger Allers, Kelly Asbury, Brenda Chapman, Tom Ellery. Mús.: Alan Menken. Dist. en DVD: Walt Disney. Dur.: 84 min. P.a.:Todos. Cont.: Acción 2, Amor 3, Lágrimas 2, Risas 2, Sexo 0, Violencia 0 [de 0 a 4]

86

Bello amor bestial

E

spectacular film que consolidó el renacer de Walt Disney en el campo de la animación y que en general supuso nuevo auge del género de los dibujos animados en el cine, tras varios años en dique seco. El guión, emotivo y profundo, que recrea aquello de que “la belleza está en el interior”, logró el milagro, y la brillante técnica de animación situó el listón muy alto. En

Las 100 mejores películas

románticas

su aldea, Bella vive felíz, entregada a la lectura. Tiene como pretendiente al arrogante Gastón, pero ella busca a alguien especial. Cuando acude en busca de su padre, que ha desaparecido, descubre que está prisionero en un castillo que pertenece a un príncipe, convertido en un monstruo. Fue en su día el único film animado nominado al Oscar a la mejor película, y llegó a ganar el Globo de Oro a la mejor comedia o musical, un hito hasta ahora sin parangón. Las canciones de Howard Ashman y Alan Menken son prodigiosas, y la soberbia escena del baile ha quedado para la posteridad.

Los amores shakespeareanos con un reparto de lujo

B

asada en la inmortal obra de William Shakespeare, Mucho ruido y pocas nueces es una comedia romántica que ronda la perfección. Cuenta con un excelente reparto que lleva a cabo exquisitas interpretaciones, entre las que destacan las de la pareja formada por Kenneth Branagh y Emma Thompson, donde surge un picante y divertido romance, pero por si acaso están acompañados, entre otros, por Robert Sean Leonard, Keanu Reeves, Michael Keaton, Kate Beckinsale y Denzel Washington, lo que no está nada mal. Kenneth Branagh, que ha llevado a Shakespeare al cine en diversas ocasiones –Enrique V (1989) y Hamlet (1996) quizá sean las más memorables– dirige este film al que sabe imprimir un buen pulso narrativo, con un guión lleno de enamoramientos, romances, infidelidades, amistad y lealtad traicionada. Rápidos saltos de la comedia a la tragedia, y de la lágrima a la risa, se nos presentan con una naturalidad muy conseguida. La película cuenta además con una elaborada dirección artística, espléndidos vestuarios y una gran banda sonora a cargo de Patrick Doyle.

87

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T.O.: Much Ado About Nothing. Año: 1993. País: EE.UU. Dir.: Kenneth Branagh. Int.: Kenneth Branagh, Emma Thompson, Richard Briers, Keanu Reeves, Kate Beckinsale, Robert Sean Leonard, Denzel Washington, Michael Keaton, Imelda Staunton, Phyllida Law. Arg.: La obra de teatro de William Shakespeare. Guión: Kenneth Branagh. Mús.: Patrick Doyle. Fot.: Roger Lanser. Dist. en DVD: Fox. Dur.: 114 min. P.a.: Jóvenes. Cont.: Acción 2, Amor 3, Lágrimas 2, Risas 3, Sexo 1, Violencia 0 [de 0 a 4]

años 90

Mucho ruido y pocas nueces

Cine,te quiero

Algo para recordar

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años 90

T.O.: Sleepless in Seattle. Año: 1993. País: EE.UU. Dir.: Nora Ephron. Int.: Tom Hanks, Meg Ryan, Bill Pullman, Rosie O’Donnell, Gaby Hoffmann, Rita Wilson, Ross Malinger. Guión: Nora Ephron, David S. Ward, Jeff Arch. Mús.: Marc Shaiman. Fot.: Sven Nykvist. Dist. en DVD: Sony. Dur.: 102 min. P.a.: Jóvenes. Cont.: Acción 0, Amor 4, Lágrimas 1, Risas 1, Sexo 0, Violencia 0 [de 0 a 4]

El amor entre Meg Ryan y Tom Hanks viaja en las ondas de la radio

P

ocas veces ha habido en una pantalla de cine tanta química como la que muestran tener en esta película Tom Hanks y Meg Ryan. Tanto es así que los intérpretes repitieron fórmula cinco años después con Tienes un e-mail. Sam Baldwin (Tom Hanks) lleva una vida solitaria y triste con su hijo, después de que la muerte de su mujer los dejara solos. Pero en Navidad los deseos pueden convertirse en realidad. Jonah, el hijo de Sam, no quiere juguetes este año, sino una madre que les acompañe a él y a su padre. Para ello llama a un programa de radio y cuenta su historia. Al otro lado de los Estados Unidos, sus palabras son escuchadas por Annie Reed (Meg Ryan), quien queda profundamente sobrecogida con las palabras del niño. Con una clara referencia al clásico Tú y yo, la directora Nora Ephron dirige una deliciosa y dulce película, romántica hasta el límite y capaz de jugar con el corazón de cualquier espectador sensible. Ideal para soñadores.

Lo que queda del día La Segunda Guerra Mundial es inminente. Stevens (Anthony Hopkins) es mayordomo de la mansión Darlington Hall, entre cuyas paredes los dueños y el servicio mantienen sus vidas apartadas en una rígida interdependencia. Stevens es eficiente y está entregado a su trabajo. Ni se le ocurre pensar en otra cosa. Su mundo no va más allá de la obediencia y el protocolo. La fidelidad a su señor es absoluta, porque así ha sido educado por su anciano padre, también mayordomo. Pero su meticulosa vida se ve turbada con la llegada de una temperamental ama de llaves, Miss Kenton (Emma Thompson). Miss 88

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románticas

Excelente película, basada en la novela de Kazuo Ishiguro “Los restos del día”. El prestigioso director de películas de época James Ivory desarrolla con su habitual elegancia y sutileza un drama que encierra una tremenda carga de profundidad. Artífice de Las Bostonianas o Una habitación con vistas, dirige con mano experta a dos grandes intérpretes. Hopkins realiza una actuación magistral, rellenando su complejo personaje con gestos concisos pero ligeros, sin recargas artificiales. Una película muy inteligente que en pocos años se ha convertido en un clásico.

Cuatro bodas y un funeral

C

omedia romántica –y un poco gamberra– sobre un grupo de personas que se reúnen en cuatro bodas y en un funeral, como reza el título de la película. En estos eventos se entablan relaciones de amistad, hay reencuentros y, por supuesto, surge el amor. El protagonista es Charles (Hugh Grant), un tipo frívolo que no ha sentado la cabeza, pero todo cambia cuando conoce a Carrie, papel que interpreta una deliciosa Andie MacDowell. La película tuvo dos merecidas nominaciones a los Oscar, en los apartados de película y guión. Y es en en este último en donde el film destaca especialmente. 89

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El gélido Anthony Hopkins no capta las señales amorosas de Emma Thompson

T.O.: The Remains of the Day. Año: 1993. País: EE.UU., Reino Unido. Dir.: James Ivory. Int.: Anthony Hopkins, Emma Thompson, John Haycraft, Christopher Reeve, Caroline Hunt, Ben Chaplin, Hugh Grant. Arg.: La novela “The Remains of the Day” de Kazuo Ishiguro. Guión: Ruth Prawer Jhabvala. Mús.: Richard Robbins. Fot.: Tony Pierce-Roberts. Dist. en DVD: Sony. Dur.: 138 min. P.a.: Jóvenes-adultos. Cont.: Acción 0, Amor 3, Lágrimas 2, Risas 1, Sexo 0, Violencia 0 [de 0 a 4]

años 90

Kenton esconde bajo su aspecto frío una mujer llena de ternura, que enseguida se enamora en silencio del incomunicativo Stevens. Las palabras de amor que ella espera de él, son en realidad intrascendentes comentarios de trabajo, ausentes de cualquier pasión. A la vez, en la mansión se reúnen importantes cargos del régimen alemán nazi, para negociar apoyos británicos con el rico propietario, Lord Darlington, interpretado por James Fox.

Cine,te quiero

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años 90

T.O.: Four Weddings And A Funeral. Año: 1994. País: Reino Unido. Dir.: Mike Newell. Int.: Hugh Grant, Andie MacDowell, Kristin Scott Thomas, James Fleet, Simon Callow, Rowan Atkinson, David Bower, Charlotte Coleman, Anna Chancellor. Guión: Richard Curtis. Mús.: Richard Rodney Bennett. Fot.: Michael Coulter. Dist. en DVD: Fox. Dur.: 117 min. P.a.: Jóvenesadultos. Cont.: Acción 1, Amor 2, Lágrimas 1, Risas 2, Sexo 1, Violencia 0 [de 0 a 4]

John Hannah y Hugh Grant, con la flor en el ojal

El guionista Richard Curtis logró dar con un estilo muy suyo, de modo que sus películas (entre las que se cuentan también Notting Hill y Love Actually) han creado con el tiempo la categoría “Comedias de Richard Curtis”. El productor Duncan Kenworthy, explica así ese estilo: “En una comedia lo más difícil de hacer es algo que Richard consigue sin esfuerzo aparente: hacer que te rías y te emociones al mismo tiempo. Su humor no se basa en el ridículo. Esa cualidad hace que la gente no se dé cuenta de lo crudos que son algunos de sus chistes. Las primeras siete palabras de Cuatro bodas... eran un mismo taco repetido siete veces. Ese tipo de crudeza era bastante radical para una comedia romántica, pero seguía siendo una película que uno podía ir a ver con su abuela”. El actor Hugh Grant se convirtió en estrella con este film.

Antes del amanecer

J

esse (Ethan Hawke) es un joven periodista norteamericano que viaja en el tren Budapest-París. En el trayecto conoce a la francesa Celine y ambos entablan una conversación; conversación que se alarga toda la noche, porque hay entre los dos una sintonía especial, íntima. Los jóvenes recorren Viena y parlotean y parlotean de la vida, de sus ilusiones, de sus deseos, y el amor aletea cerca... ¿Igual el destino quiere unirles? Una trama sencilla y cautivadora, de inusitada naturalidad, sólo dos protagonistas, una bella ciudad, un guión realista con diálogos frescos, vivos. Resultado: un Oso de Plata al mejor director en el Festival de Berlín, para Richard Linklater. Destaca enormente la pareja formada por Ethan Hawke (El club de los poetas muertos) y la francesa Julie Delpy (Europa, Europa), quien tras esta película empezó a recibir más papeles en Hollywood. El film

90

Julie Delpy y Ethan Hawke hablan, y hablan

es considerado con justicia uno de los mejores productos independientes de los 90 y tuvo una estupenda secuela en 2004 con los mismos protagonistas, titulada Antes del atardecer.

románticas

T.O.: Before Sunrise. Año: 1995. Dir.: Richard Linklater. Int.: Ethan Hawke, Julie Delpy, Hanno Pöschl, Dominik Castell, Erni Mangold. Guión: Richard Linklater, Kim Krizan. Mús.: Fred Frith. Fot.: Lee Daniel. Dist. en DVD: Warner. Dur.: 97 min. P.a.: Jóvenes. Cont.: Acción 1, Amor 2, Lágrimas 1, Risas 1, Sexo 1, Violencia 0 [de 0 a 4]

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Los puentes de Madison

años 90

Las 100 mejores películas

Clint Eastwood fotografía a Meryl Streep

U

n maduro fotógrafo aventurero, intrepretado por Clint Eastwood, y una aburrida y soñadora ama de casa, interpretada por Meryl Streep, se conocen casualmente. El coche de Eastwood se ha averiado, y debe pedir ayuda desde la casa de Streep, en medio del campo. Ambos han tenido sus experiencias, y no esperan mucho más de la vida. Pero su relación, al principio tímidamente, se acaba convirtiendo en una apasionado romance adúltero que ninguno de los dos puede evitar.

T.O.: The Bridges of Madison County. Año: 1995. País: EE.UU. Dir.: Clint Eastwood. Int.: Clint Eastwood, Meryl Streep, Annie Corley, Victor Slezak, Jim Haynie. Arg.: La novela de Robert James Waller. Guión: Richard LaGravenese. Mús.: Lennie Niehaus, Clint Eastwood. Fot.: Jack N. Green. Dist. en DVD: Warner. Dur.: 135 min. P.a.: Adultos. Cont.: Acción 0, Amor 2, Lágrimas 2, Risas 0, Sexo 1, Violencia 0 [de 0 a 4]

91

Cine,te quiero

Uno de los actores más duros del cine sorprende totalmente dirigiendo y protagonizando este melodrama romántico, basado en una mediocre novela de Robert James Waller. El gran Clint Eastwood dice a propósito de su película: “Es una historia de relaciones humanas. No hay efectos especiales, sólo actores, amor y emoción. No creo que puede pedirse más al cine”. Las interpretaciones que completan Eastwood y Streep son magistrales. Son prácticamente los únicos personajes de la película, y consiguen darle el tono adecuado, intenso pero equilibrado. Los puentes de Madison es poderosa, sutil y muy sugerente, y con este cambio de registro, Eastwood demuestra su maestría en el arte de dirigir.

Sentido y sensibilidad

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años 90

T.O.: Sense and Sensibility. Año: 1995. País: EE.UU., Reino Unido. Dir.: Ang Lee. Int.: James Fleet, Emma Thompson, Hugh Grant, Kate Winslet, Harriet Walter, Tom Wilkinson, Greg Wise, Gemma Jones, Emilie François, Alan Rickman, Imelda Staunton, Hugh Laurie, Elizabeth Spriggs. Arg.: La novela de Jane Austen. Guión: Emma Thompson. Mús.: Patrick Doyle. Fot.: Michael Coulter. Dist. en DVD: Sony. Dur.: 131 min. P.a.: Jóvenes. Cont.: Acción 0, Amor 3, Lágrimas 2, Risas 2, Sexo 0, Violencia 0 [de 0 a 4]

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Unos sonrientes Kate Winslet y Alan Rickman

H

enry Dashwood es un rico propietario que tiene un hijo de su primer matrimonio, llamado John. Cuando el señor Dashwood muere, su herencia pasa por motivos legales a John, que está casado con Fanny. De la noche a la mañana, la viuda de Dashwood y sus tres hijas se quedan sin hogar y sin recursos económicos. El futuro pinta muy negro para ellas, pero tratan de afrontarlo sin desánimos. Con el fin de disminuir gastos, se trasladan a vivir al campo. Allí conocen a un galán que resulta ser el hermano de Fanny, llamado Edward (Hugh Grant). Una de las hermanas, Elinor (Emma Thompson), enseguida se enamora de Edward. Pero esta relación está mal vista por Fanny, que piensa que el enamoramiento de su hermano es una argucia de Elinor. A su vez, la inocente y jovial Marianne (Kate Winslet), se vuelve loca por el apuesto Willoughby. Excelente adaptación de la novela de Jane Austen, realizada por la misma Emma Thompson, que juega al contraste entre los excesos sentimentales y

Las 100 mejores películas

románticas

racionalistas. Por este guión, la actriz obtuvo el Oscar. La película tiene una magnífica ambientación. La vida de estas tres hermanas y sus relaciones está narrada con habilidad y cautiva desde el primer instante. Destaca la luminosidad de Kate Winslet, que saltaría definitivamente al estrellato dos años después con Titanic.

La supuesta novia Sandra Bullock

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elícula romántica de aires clásicos, al estilo de Frank Capra o al de Leo McCarey en la célebre Tú y yo. Lucy (Sandra Bullock) es una joven taquillera de metro que está secretamente enamorada de uno de los pasajeros al que ve todos los días. Un día éste sufre un grave accidente y Lucy le salva la vida. En el hospital donde se encuentra en coma, los padres del accidentado la toman por la novia de su hijo. Ella les deja creerlo, pero, poco a poco, Lucy se irá enamorando del hermano del herido y la vida se le va enredar sobremanera. Magnífica comedia romántica, con un fantástico y bien urdido guión de Daniel G. Sullivan. El máximo exponente del film es la guapísima y delicada protagonista de Speed, película que lanzó al estrellato a Sandra Bullock. Pocas veces la actriz ha estado más natural y femenina. Bill Pullman está a su altura y el director Jon Turteltaub demuestra que tiene el don de captar al espectador con una magnífica dirección de actores.

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T.O.: While You Were Sleeping. Año: 1995. País: EE.UU. Dir.: Jon Turteltaub. Int.: Sandra Bullock, Bill Pullman, Peter Gallagher, Peter Boyle, Glynis Johns, Jack Warden, Micole Mercurio, Monica Keena, Jason Bernard, Michael Rispoli, Marcia Wright. Guión: Daniel G. Sullivan, Fredric LeBow. Mús.: Randy Edelman. Fot.: Phedon Papamichael. Dist. en DVD: Walt Disney. Dur.: 99 min. P.a.: Jóvenes. Cont.: Acción 1, Amor 3, Lágrimas 1, Risas 3, Sexo 0, Violencia 0 [de 0 a 4]

años 90

Mientras dormías

Cine,te quiero

Mejor imposible

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T.O.: As Good As It Gets. Año: 1997. País: EE.UU. Dir.: James L. Brooks. Int.: Jack Nicholson, Helen Hunt, Greg Kinnear, Cuba Gooding Jr., Skeet Ulrich, Shirley Knight, Lawrence Kasdan. Guión: Mark Andrus, James L. Brooks. Mús.: Hans Zimmer. Fot.: John Bailey. Dist. en DVD: Sony. Dur.: 141 min. P.a.: Jóvenes. Cont.: Acción 1, Amor 4, Lágrimas 1, Risas 3, Sexo 1, Violencia 0 [de 0 a 4]

Helen Hunt, Jack Nicholson y Greg Kinnear, mejores actores, imposible

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años 90

ack Nicholson da vida a Melvyn, un solitario y excéntrico escritor de novelas rosas, que tiene un carácter maniático y obsesivo, además de ser una persona sumamente egoísta. Siempre que abre la boca ofende a alguien. Víctimas de sus comentarios caústicos son, entre otros, su vecino Simon, un artista homosexual, y los clientes del restaurante donde acude a comer todos los días. No obstante, una camarera llamada Carol irrumpe en su lamentable vida. Ella es la única que puede hacerle cambiar. James L. Brooks dirige esta deliciosa y nada noña comedia, basada en una historia de Mark Andrus. El film engancha de principio a fin, y ello es debido a una cuidada puesta en escena, a unos diálogos inteligentes e ingeniosos, y sobre todo, a un acabado retrato de los personajes; todos ellos terminan por hacérsenos encantadores. El resultado final es una comedia perfecta. No es casualidad, pues, que el film fuera premiado con dos Oscar de la Academia en las categorias de mejor actor ( Jack Nicholson) y mejor actriz (Helen Hunt), el mismo año en que Titanic se llevó todos los premios técnicos.

Titanic

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urante meses, el rodaje de Titanic fue el más comentado por la prensa especializada. Y lo que se decía no era bueno: retrasos en el rodaje, superación del presupuesto, discusiones de la productora con el director, una intoxicación alimentaria, algún accidente, condiciones draconianas de trabajo... Y pese a todo, el Titanic no se hundió. Arrasó en taquilla y en vídeo, y arrasó en los Oscar. ¿Cuál es el secreto? A posteriori es fácil decirlo: el equilibrio de una poderosa historia de amor con la espectacular recreación del naufragio del barco.

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Las 100 mejores películas

románticas

Kate Winslet contempla el retrato que le ha hecho su pretendiente Leonardo DiCaprio

El film se inicia con un buscador de tesoros en barcos idos a pique, que inicia la exploración submarina más apasionante de su vida en los restos del mítico Titanic. El hallazgo del dibujo de una joven, milagrosamente conservado, le conduce a una anciana centenaria que afirma ser la retratada. Comienza el relato de un recuerdo maravilloso, un amor de juventud no compartido con nadie, que tuvo como marco el malhadado barco que en 1912 se llevó al fondo del mar 1.500 personas. El centro de la trama lo constituye el intenso amor entre dos jóvenes: Jack, inmigrante artista y aventurero, y Rose, rica y con personalidad. Por amor ambos sacrifican todo: expectativas sociales e incluso la propia vida. Jack y Rose están encarnados por Leonardo DiCaprio y Kate Winslet. 95

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T.O.: Titanic. Año: 1997. País: EE.UU. Dir.: James Cameron. Int.: Leonardo DiCaprio, Kate Winslet, Billy Zane, Bill Paxton, Gloria Stuart, Kathy Bates, Frances Fisher, Bernard Hill, Victor Garber, Suzy Amis. Guión: James Cameron. Mús.: James Horner. Fot.: Russell Carpenter. Dist. en DVD: Fox. Dur.: 189 min. P.a.: Jóvenes. Cont.: Acción 4, Amor 3, Lágrimas 2, Risas 1, Sexo 1, Violencia 0 [de 0 a 4]

años 90

Titanic nació de la afición de James Cameron por el submarinismo. El director afirma que al sumergirse donde se hundió el Titanic “aquello me tocó emocionalmente”. Escribió entonces una historia con una idea clara: no sería la típica de catástrofes. Quería una historia de amor inolvidable, del estilo de Doctor Zhivago de David Lean. No era la primera vez que la tragedia del Titanic se recreaba en la pantalla. Existían El hundimiento del Titanic de Jean Negulesco, Oscar al mejor guión, y La última noche del Titanic de Roy Ward Baker, de estilo documental.

Cine,te quiero

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El trato desigual de los pasajeros en su salvamento habla de las diferencias de clase, tan marcadas entonces, y no superadas hoy. Junto a la solidaridad, el amor a los seres queridos y la fe para prepararse a morir, está presente el pánico y sus peores efectos. Y persiste el simbolismo del barco con respecto a la tonta vanidad humana: “El relato del hundimiento del Titanic -dice Camerones una advertencia sobre los peligros del mal uso de la tecnología. Considerada en sí Duelo de titanes en la larga noche de los Oscar En 1998 la gala de los Oscar tenía un aliciente especial. ¿Batiría misma, no es ni buena ni mala. Titanic la legendaria marca de 11 galardones que ostenta Ben-Hur El problema viene del uso (1959)? Las espadas se mantuvieron en alto toda la noche. Allí que los seres humanos hacen competían la maravillosa historia de amor de Jack y Rose, en el marco de ella. Ahora, a las puertas de un lujoso transatlántico, con el relato de rivalidad entre Ben-Hur del tercer milenio, hay que y Messala durante los inicios de nuestra era. La cosa quedó en empate. tener cuidado con los nuevos Titanic consiguió 11 de las 14 estatuillas a las que aspiraba. Le quedó icebergs con los que pueden al film de William Wyler el consuelo de tener dos premios en el apartado estrellarse los futuros avances de interpretación (para tecnológicos.” Charlton Heston y Hugh Griffith); El film es un hito del cine mientras la película de monumental, de prodigiosos Cameron se quedaba logros en el apartado técnico. en las nominaciones de Con desbordante fuerza Kate Winslet y Rose visual, Cameron ofrece Stuart. Para desconsuelo imágenes poderosas, como de sus muchas admiralas transiciones de presente doras, que lo considea pasado a través del casco raron una injusticia, herrumboso del barco hundido, Leonardo DiCaprio no fue candidato al premio. que se convierte en la flamante nave recién botada. Las escenas del choque del Titanic con el iceberg, con las consiguientes rotura y hundimiento, son de inusitado realismo. Y el mar, siniestra tumba flotante, deja en el espectador una huella indeleble. Cameron buscó autenticidad. Lo que se ve en la pantalla transmite al espectador la sensación de estar allí, ya sea junto a los restos del naufragio -el director filmó los auténticos restos bajo el mar- o en el viaje inaugural. El detallismo llevó a construir una maqueta de la nave de dimensiones casi idénticas a las originales. Se reprodujeron con fidelidad cubiertas, salas de primera clase, escotillas, escaleras y pasillos... Los efectos visuales contribuyeron al realismo. Para las escenas de mar abierto se usó una maqueta más pequeña que la mencionada; el equipo de efectos introdujo personajes filmados previamente que, multiplicados digitalmente y con el tamaño adecuado, simulaban 2.000 personas en cubierta. Aguas del mar, cielo estrellado y el aliento de los personajes por la gélida temperatura, se crearon muchas veces por ordenador y se logró un ensamblaje perfecto, imposible de advertir. Las imágenes del barco partiéndose con los viajeros cayendo al mar son asombrosas.

años 90 96

Las 100 mejores películas

románticas

El presupuesto del film aumentó en un 45%, hasta plantarse en 200 millones de dólares. Cameron hizo el gesto de renunciar a su sueldo como director y a su porcentaje de taquilla: quería ver su film terminado a toda costa. Y llegó el estreno. Las 3 horas y cuarto de duración no hicieron mella en un público, que se rindió ante una historia de dimensiones colosales, con romance incluido. El miedo al fracaso ya es historia. La película, sólo en cine, recaudó más de 1.800 millones de dólares en todo el mundo, 600 de ellos en EE.UU.

Julia Roberts, dispuesta a sabotear la boda

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ulianne y Michael, amigos desde niños, hicieron un curioso pacto: que se casarían, si antes de los 28 años no habían encontrado a su otra media naranja. Al llegar ese momento, Julianne recibe una llamada de Michael, en la que le anuncia su compromiso con Kimmy. Julianne queda destrozada por la noticia, pues ahora comprende que el amor de su vida es Michael, y que tal amor se le va a escapar ante sus propias narices. No obstante Julianne no se da por vencida, y hará todo lo posible para evitar esa boda. Divertida y alocada comedia dirigida por el australiano P.J. Hogan (La boda de Muriel), llena de enredos y situaciones equívocas, que homenajea a los grandes clásicos al estilo Historias de Filadelfia. Una elaborada puesta en escena y unas soberbias interpretaciones hacen que el film no decaiga en ningún momento. Julia Roberts da vida a Julianne, mientras que Cameron Díaz interpreta a Kimmy, la angelical y cursi novia de Michael. Pese a que se trata de un papel en principio ingrato, Cameron sale airosa del reto, e incluso llega a eclipsar a la entonces ya consagrada Julia Roberts. Genial la secuencia del karaoke.

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T.O.: My Best Friend’s Wedding. Año: 1997. País: EE.UU. Dir.: P.J. Hogan. Int.: Julia Roberts, Dermot Mulroney, Cameron Díaz, Rupert Everett, Philip Bosco, M. Emmet Walsh, Rachel Griffiths. Guión: Ronald Bass. Mús.: James Newton Howard. Fot.: László Kovács. Dist. en DVD: Sony. Dur.: 101 min. P.a.: Jóvenes. Cont.: Acción 1, Amor 3, Lágrimas 1, Risas 3, Sexo 0, Violencia 0 [de 0 a 4]

años 90

La boda de mi mejor amigo

Cine,te quiero

El camino a casa

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T.O.: Wo de fu qin mu qin. Año: 1999. País: China. Dir.: Zhang Yimou. Int.: Zhang Ziyi, Sun Honglei, Zheng Hao, Zhao Yuelin. Guión: Bao Shi. Mús.: Bao San. Fot.: Yong Hou. Dist. en DVD: Sony. Dur.: 89 min. P.a.: Jóvenes. Cont.: Acción 0, Amor 4, Lágrimas 3, Risas 1, Sexo 0, Violencia 0 [de 0 a 4]

Zhang Ziyi enamora a Sun Honglei

L

años 90

uo Yusheng, un hombre de negocios instalado en la gran ciudad, retorna a su aldea natal para enterrar a su padre. Cuando se reúne con su madre para tal fin, le parece que ella se toma demasiadas molestias al insistir en la solemnidad de las honras fúnebres. Pero pronto se dará cuenta de que tal insistencia es sólo un botón de muestra de la maravillosa historia de amor que han vivido sus padres. Conmovedora y hermosísima película del director chino Zhang Yimou (Ju Dou, Vivir, La linterna roja). Con una asombrosa sensibilidad, capaz de hacernos estremecer con pequeños detalles cotidianos, nos cuenta el amor mutuo entre un hombre y una mujer, que podía ser el de nuestros padres o el de cada uno con su esposo o esposa. Está rodada en blanco y negro en los tramos de presente, y en maravilloso color en los flash-back. Apoyada por una bella partitura y grandes interpretaciones, el film ganó el Oso de Plata en Berlín. Supuso el debut cinematográfico de la bella Zhang Ziyi, convertida de la noche a la mañana en una estrella.

Notting Hill

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illiam es el dueño de una tienda de libros de viajes en Londres, en el barrio de Notting Hill. Un día entra a la tienda Anna Scott, actriz hiperfamosa de Hollywood, y surge el flechazo instantáneo. Pero cortejar

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Las 100 mejores películas

románticas

U

na verdadera delicia, en la tradición de las mejores comedias de Hollywood tipo Historias de Filadelfia. Hay lugar para el humor, servido con ingenio. Tenemos una historia de amor atractiva, en la que tienen fiel reflejo las distintas dificultades a superar. Y contamos con dos actorazos como la copa de un pino: Julia Roberts, a la que bien podríamos calificar como la Katharine Hepburn de nuestro tiempo, y Hugh Grant, que trata de seguir los pasos de un James Stewart o un Cary Grant. El guión es de Richard Curtis (que dio el golpe en su día con Cuatro bodas y un funeral) y la dirección la acomete Roger Michell (Persuasión). A las muchas y divertidas situaciones del film se suma el descubrimiento del actor Rhys Ifans, que da vida a Spike, el cutre y maloliente compañero de piso de Hugh Grant, quien pese a su aspecto externo tiene buen corazón. Entre risas y bromas, la escena da una visión bastante ajustada de lo que son las entrevistas a actores famosos. Quizá el lector tenga la visión romántica del periodista que se pasa 4 ó 5 horas charlando con el actor, buceando en los secretos más recónditos de su vida profesional y personal. Nada más lejos

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La estrella Julia Roberts y el librero Hugh Grant

T.O.: Notting Hill. Año: 1999. País: EE.UU. Dir.: Roger Michell. Int.: Julia Roberts, Hugh Grant, Rhys Ifans, Hugh Bonneville, Richard McCabe, Gina McKee, Emma Chambers, Tim McInnerny, Emily Mortimer. Guión: Richard Curtis. Mús.: Trevor Jones. Fot.: Michael Coulter. Dist. en DVD: Universal. Dur.: 110 min. P.a.: Jóvenes. Cont.: Acción 0, Amor 3, Lágrimas 1, Risas 3, Sexo 1, Violencia 0 [de 0 a 4]

años 90

a una persona tan famosa, que no puede dar dos pasos sin que le asalten los admiradores, resulta ser bastante complicado. Pese a todo, Anna se siente atraída por el torpe y tímido William: disfruta visitando el piso que comparte con el inefable Spike, o tratando con gente normal, como son los familiares de William. ¿Será posible este amor entre un desconocido y una estrella de cine, carne de cañón para columnas de cotilleo y paparazzi desaprensivos?

Cine,te quiero

de la realidad. Lo corriente son entrevistas promocionales en un Una de las secuencias más celebradas de Notting Hill acontece en hotel impersonal, al que acuden un hotel, cuando William visita a la estrella de Hollywood Anna multitud de periodistas, que suelen Scott. De pronto, William se encuentra entre un batallón de periorecibir respuestas muy parecidas a distas, que vienen a entrevistar a la actriz. Y no tiene más remedio preguntas también muy parecidas. que hacerse pasar por uno de ellos, para no llamar la atención. Pero El tiempo es corto, a veces las como no tiene ni idea de cine, da lugar a uno de los pasajes más entrevistas son por grupo, la estrella desternillantes del film. puede estar agotada después de decir lo mismo por enésima vez. Así que ojo con los oropeles y las fotos vistosas de actrices y actores: las cosas en el mundo real suelen ser bien distintas. Pero, como se suele decir, así es Hollywood. ASÍ ES HOLLYWOOD

Deseando amar (In The Mood For Love) decine21.com

años 90

T.O.: In The Mood For Love. Año: 2000. País: Hong Kong. Dir.: Wong Kar Wai. Int.: Maggie Cheung, Tony Leung, Ping Lam Siu, Roy Cheung, Rebecca Pan. Guión: Wong Kar Wai. Mús.: Shigeru Umebayashi, Michael Galasso. Fot.: Christopher Doyle, Pin Bing Lee. Dist. en DVD: Araba. Dur.: 98 min. P.a.: Jóvenesadultos. Cont.: Acción 0, Amor 4, Lágrimas 3, Risas 0, Sexo 0, Violencia 0 [de 0 a 4]

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El amor imposible de Tony Leung y Maggie Cheung

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odos podemos enamorarnos, vivir como flotando esa etapa en que aprendemos a conocer al amado, en que cada encuentro tiene el sabor de la aventura, de la novedad, de la ilusión. Pero mantener encendida la llama sagrada... Un día y otro, meses, años, toda la vida... De esto, del sabor agridulce del amor auténtico, habla In the Mood for Love, arrebatadora película de Wong Kar Wai, un poema hecho de celuloide. El film describe el desengaño amoroso de dos personas: Su Li-Zhen sufre la infidelidad de su marido, un ejecutivo que viaja constantemente; Chow Mo-

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románticas

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tercer milenio

wan, periodista, también padece las aventuras de una esposa que frecuentemente se ausenta. Estamos en 1962. Hong Kong es colonia británica, y tanto Su LiZhen como Chow se han trasladado a vivir al mismo edificio. Los dos se fijan en el otro y en su soledad. Y advierten que comparten idéntico mal de amores (ese entenderse sin palabras, en la mesa de un restaurante, es de una maestría asombrosa). Y les gusta hablar, pasar el rato juntos. Conocerse, apreciar las cualidades del otro... De algún modo es el estadio en que debería hallarse el matrimonio de ambos (la pasión novedosa del principio ha desaparecido, hay que aprender a amarse en el día a día, de modo igual y diferente...), que no llega por el conducto que sería de desear, y que se presenta en cambio en forma de... ¿segunda oportunidad? La trama es levísima y de interpretación muy abierta. Como en Breve encuentro, el pequeño gran clásico de David Lean. Pero tal levedad basta y sobra para componer una historia conmovedora, de personajes auténticos. El espectador un poco, como diríamos, ¿impaciente?, ¿frívolo?, ¿insensible?... Bueno, digamos que cierto público podría preguntarse a qué espera la pareja protagonista para revolcarse en la cama. Pero la película no va por ahí, y aquí no existe la excusa que algunos estudiosos invocaron en el film de Lean (el peso de una moral burguesa que bla, bla, bla...). Aquí tenemos la infinita pena de dos personas, que creyeron encontrar el amor verdadero (y tal vez, sí, lo encontraron), pero que sufren lo que parece su definitivo marchitar. Y encuentran consuelo en su mutua compañía. Hay atracción, y pudor, malestar, cara al vecindario: no quieren que crean que pasa lo que está pasando, pero que no está pasando y... Hay como una certeza, telón de fondo, de que acometer ellos el adulterio no restañará la herida, ni devolverá el afecto perdido; de que lo mejor de su amor es su no-consumación. Kar Wai (Fallen Angels, Chungking Express) cuenta lo dicho con exquisita sensibilidad. Crea atmósferas, maneja de modo excepcional las coordenadas espaciotemporales en las que transcurre la acción, nos sitúa en ese “mood”, el estado anímico de los personajes. Las imágenes, el color, los ralentizados, la audacia del montaje, la música con sus boleros... Dirección sabia, bien apoyada en fotografía y dirección artística justamente premiadas en Cannes. Dos actores protagonistas excepcionales (Maggie Cheung y Tony Leung, éste premiado también en Cannes)... El resultado es una película verdadero regalo para los sentidos, y capaz de alimentar el espíritu. Humana, vamos.

Moulin Rouge

H

istoria romántica en los bohemios ambientes de París, servida con dirección artística deslumbrante y música de quitarse el sombrero. Eso y mucho más da Moulin Rouge, revisitación del célebre garito nocturno parisino, mostrado ya en celuloide en filmes tan clásicos como Moulin Rouge (1952) de John Huston o French Cancan (1954) de Jean Renoir. 101

Cine,te quiero

La trama es sencilla, pero funciona a las mil maravillas. Christian es un joven artista con talento, amigo de gente tan interesante como el pintor ToulouseLautrec. Él desearía escribir un maravilloso espectáculo musical a representar en el Moulin Rouge. Con lo que no cuenta es con enamorarse. Y lo hace de Satine, la bailarina más hermosa del local. Aunque la actividad de ella no puede definirse como exclusivamente artística. Pues Satine es utilizada como

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tercer milenio

T.O.: Moulin Rouge. Año: 2001. País: Australia, EE.UU. Dir.: Baz Luhrmann. Int.: Nicole Kidman, Ewan McGregor, John Leguizamo, Jim Broadbent, Richard Roxburgh, Garry McDonald, David Wenham, Kylie Minogue, Caroline O’Connor. Guión: Baz Luhrmann, Craig Pearce. Música: Craig Armstrong. Fot.: Donald McAlpine. Dist. en DVD: Fox. Dur.: 127 min. P.a.: Jóvenes. Cont.: Acción 2, Amor 3, Lágrimas 3, Risas 1, Sexo 1, Violencia 0 [de 0 a 4]

El poeta Ewan McGregor, enamorado de Nicole Kidman, bailarina de postín

MÚSICA MODERNA

Tras Bailar en la oscuridad, Moulin Rouge supuso un nuevo look para el musical moderno. Luhrmann mezcla aspectos de los grandes clásicos de Hollywood con coreografías delirantes y montajes vertiginosos. Pero además imprime a las canciones una importancia capital: “Moulin Rouge es fundamentalmente un musical, quizás una ópera, pero en definitiva es una historia contada a través de las canciones”. Ésa es la clave, que los actores cuando cantan, actúan. No hay discontinuidad. Y, junto a ello, la película es una colección inmejorable de versiones de grandes éxitos de música pop. Aquí cabe todo, desde temas de Lennon y McCartney hasta conocidas canciones de Sting, David Bowie o Elton John. El director musical Marius de Vries afirma: “No teníamos límites o barreras a la hora de escoger la música. Nuestro propósito era ser tan impredecibles como pudiéramos”.

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Las 100 mejores películas

románticas

objeto de placer, y concretamente es ofrecida al duque de Monroth, personaje que debe ser complacido para que invierta el dinero necesario para salvar al Moulin Rouge de la ruina económica. ¿Será imposible el amor de Christian y Satine? Baz Luhrmann sabe dar peso específico a la sensual historia de amor que centra el film. No en vano el director firmó antes Romeo y Julieta, de William Shakespeare, traslación a nuestros días de la inmortal obra de Shakespeare. También trata la cuestión de la integridad de la obra del artista, cuando se le requiere que modifique su trabajo para complacer al productor de turno. A esto se suma una coreografía maravillosa (recordemos que el australiano también dirigió El amor está en el aire en 1992), servida con un eficaz y endiablado montaje. O la audacia de usar música moderna Joie de vivre

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tercer milenio

El Moulin Rouge es de uno de los garitos nocturnos más célebres de París. Charles Zidler (interpretado en la película por Jim Broadbent) es un personaje real, fundador del lugar junto a Joseph Oller. Este casino, existente todavía en la actualidad, abrió sus puertas al público en 1889, con ocasión de la celebración de la Exposición Universal en la capital francesa. En un provocativo ambiente de juerga y francachela se daban la mano burguesía y diversiones populares, con un colorido espectáculo que buscaba satisfacer las fantasías sexuales de su público masculino, y que pronto incluiría el cancán de las bailarinas y las atenciones de las cortesanas. También acudían allí los artistas bohemios, representantes de la literatura y la pintura, que se encontraban a gusto en un lugar cuya decoración revelaba exóticas influencias orientales.

y variada, y darle un sentido unitario. El espectador sufre inevitablemente con los protagonistas y su mal de amores. La pareja protagonista, Nicole Kidman y Ewan McGregor, sobre todo ella, están maravillosos, y hasta cantan y se mueven como los actores de los musicales de antaño.

Serendipity

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l término “serendipity” designa la capacidad que tienen algunas personas de protagonizar encuentros fortuitos y agradables. Y, aunque ellos lo ignoran, Jonathan y Sarah están a punto de convertirse en auténticos maestros de “serendipia”. Todo comienza un día de Navidad en Nueva York. Ambos han acudido a unos grandes almacenes para comprar regalos a sus respectivas parejas. Unos guantes de lana pueden ser una buena elección. Ambos se encuentran frente al mostrador. El problema es que sólo quedan un par de 103

Cine,te quiero

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tercer milenio

T.O.: Serendipity. Año: 2001. Dir.: Peter Chelsom. Int.: John Cusack, Kate Beckinsale, Jeremy Piven, Molly Shannon, Lilli Lavine, David Sparrow, Kate Blumberg, Ron Payne, Bridget Moynahan, John Corbett, Eugene Levy. Guión: Marc Klein. Mús.: Alan Silvestri. Fot.: John de Borman. Dist. en DVD: Lauren. Dur.: 90 min. P.a.: Jóvenes. Cont.: Acción 1, Amor 3, Lágrimas 1, Risas 2, Sexo 1, Violencia 0 [de 0 a 4]

Kate Beckinsale y John Cusack, o la fortuna del amor

guantes. Conversan, ríen y conectan de modo asombroso, hasta el punto de que deciden tomar algo en una cafetería y patinar sobre hielo en el Central Park. Cuando, al despedirse, se disponen a intercambiar los teléfonos, la duda entra en sus conciencias. Sarah toma una decisión: permanecer en el anonimato. Si han de volver a encontrarse, el destino se encargará de ello y entonces ya no tendrán que preocuparse. Pasarán los años... ¡Qué maravillosa puede ser la vida en las películas! ¡Qué disparatada y entrañable! Estamos ante una comedia romántica de corte clásico, donde la casualidad y el enredo componen un divertido y delicioso tapiz que sólo resplandecerá cuando esté enteramente completado. Hay dos cosas que logran que esta película sobresalga muy por encima de los productos del género. Por un lado tienen lugar en ella algunas escenas realmente logradas, de encanto superlativo, como la apuesta en los ascensores del Waldorf Astoria o la lección de astronomía en el brazo de Sarah. Sin embargo esa magia cinematográfica es posible únicamente gracias a la química que hay entre John Cusack y Kate Beckinsale. El encantamiento entre ambos no tiene nada que envidiar a los que se producen en el colegio Hogwarts, por poner un ejemplo conocido. Y tal es el magnetismo de su serendipia que uno sale transformado después de ver la peli, mientras se pregunta ligeramente obsesionado: ¿me puede pasar a mí? La película cuenta además con un buen puñado de fantásticas canciones, unos secundarios bastante apañaditos (los amigos de los protagonistas son un perfecto contrapunto) y un ritmo milimétrico que va ‘in crescendo’ hasta la escena final. Una delicia.

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New York, New York

En Serendipity Nueva York es algo más que una ciudad. La idolatrada urbe de Woody Allen también adquiere aquí importancia de protagonista, un lugar de cuento de hadas donde todo es posible, sobre todo si se trata de amor. La película fue rodada casi íntegramente en sus calles; allí tienen lugar las incansables correrías de sus protagonistas y las mejores escenas se desarrollan en algunos lugares ciertamente significativos: el Hotel Waldorf Astoria, la cafetería y pastelería Serendipity, los grandes almacenes Bloomingdales, la pista de patinaje Wollman Rink del Central Park... En fin, que al espectador le entran unas enormes ganas de visitar la Gran Manzana.

Un paseo para recordar

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Mandy Moore y Shane West, un amor basado en el respeto

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andon (Shane West), el típico guaperas guay en un instituto. Tiene su pandilla de amiguetes, y gran éxito entre las chicas. Pero es un tipo vacío y superficial, sin grandes planteamientos vitales. Una gamberrada pasada de rosca con un recién llegado, conduce a éste al hospital, donde se recupera muy lentamente. A modo de correctivo, Landon debe ser tutor de un chaval los fines de semana; además deberá colaborar con el grupo de teatro, donde según él y sus colegas, está la gente más aburrida del instituto. Entre ellos, Jamie (Mandy Moore), hija de un clérigo (Peter Coyote), que tiene un aspecto y ropa muy serios, y a la que no tiene más remedio que pedir ayuda para aprender su papel en una obra. Con lo que no contaba Landon es con enamorarse: lo que le produce un conflicto, ya que por un lado no le apetece que sus amigos la vean con una chica supuestamente friqui, y por otro admira su inteligencia y visión trascendente de la existencia.

T.O.: A Walk To Remember. Año: 2002. País: EE.UU. Dir.: Adam Shankman. Int.: Shane West, Mandy Moore, Peter Coyote, Daryl Hannah, Lauren German, Clayne Crawford. Arg.: La novela de Nicholas Sparks. Guión: Karen Janszen. Mús.: Mervyn Warren. Fot.: Julio Macat. Dist. en DVD: Filmax. Dur.: 101 min. P.a.: Jóvenes. Cont.: Acción 1, Amor 3, Lágrimas 3, Risas 0, Sexo 0, Violencia 0 [de 0 a 4]

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Atentos a esta chica

A los aficionados a la música quizá ya les sonara el nombre de Mandy Moore (Nashua, New Hampshire, EEUU, 1984). La joven actriz se había labrado antes un hueco en el mundo musical, con el álbum “Coverage”, donde interpreta conocidos temas y baladas de los 70 y 80 de Elton John y Todd Rundgren, entre otros. De hecho, en Un paseo para recordar canta cinco hermosas canciones del film: “Lighthouse”, “Only Hope”, “Someday Well Know”, “Its Gonna Be Love” y “Cry”. Antes de esta película, intervino en Princesa por sorpresa (2001) y Todo lo que quiero (2003).

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Acostumbrados a tanto film de adolescente descerebrado, sorprende esta historia, de más altos vuelos. Basada en una novela de Nicholas Sparks, presenta una historia de amor, en la que deben ser superados los prejuicios y el miedo a lo que piensen los demás. Cuestiones como esperar al matrimonio para mantener relaciones sexuales no son muy habituales en el cine reciente. Adam Shankman sabe presentar la cuestión sin mojigaterías; a la vez, aborda el misterio insondable del dolor y el sufrimiento, a través de la grave enfermedad de uno de los personajes. Además de los jóvenes actores, muy en su sitio, podemos ver a Peter Coyote, sacando adelante el papel poco agradecido del pastor.

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Love Actually

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ara los amantes de las películas románticas, Richard Curtis es un viejo conocido. De su talento nacieron los guiones de Cuatro bodas y un funeral, Notting Hill o El diario de Bridget Jones, sin lugar a dudas tres cumbres de la comedia romántica reciente. Respecto a la Love Actually, el mismo Curtis explica que tenía demasiadas historias de amor en la cabeza y no tenía tiempo para esperar a que se filmaran todas. Así que decidió fundir todos esos guiones en uno solo y ponerse por primera vez él mismo detrás de la cámara. El resultado es un ‘collage’ de diez pequeñas historias de amor protagonizadas por una variada galería de personajes cuyas vidas se entrelazan de algún modo. A RITMO DE POP

Richard Curtis ofrece además de una impecable dirección de actores, un guión coral donde el ritmo y las canciones adquieren peso específico, gracias a la voz de estrellas como Justin Timberlake, Dido, Norah Jones, o Beach Boys. El inicio de la película es modélico en este aspecto, cuando Bill Nighy graba una versión navideña de la célebre “Love Is All Around”, pieza que se convertirá en el continuo “leitmotiv” de la película. Curiosamente, esta canción fue también tema musical de su primer éxito como guionista, la magnífica Cuatro bodas y un funeral, aunque en ese caso era interpretada por la banda Wet Wet Wet.

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T.O.: Love Actually. Año: 2003. País: Reino Unido, EE.UU. Dir.: Richard Curtis. Int.: Hugh Grant, Emma Thompson, Colin Firth, Keira Knightley, Liam Neeson, Laura Linney, Bill Nighy, Lúcia Moniz, Alan Rickman, Andrew Lincoln, Martine McCutcheon, Rodrigo Santoro, Kris Marshall, Thomas Sangster, Heike Makatsch, Chiwetel Ejiofor, Billy Bob Thornton, Rowan Atkinson, Elisha Cuthbert, Denise Richards. Guión: Richard Curtis. Mús.: Craig Armstrong. Fot.: Michael Coulter. Dist. en DVD: Universal. Duración: 135 min. P.a.: Jóvenes-adultos. Cont.:Acción 1, Amor 3, Lágrimas 1, Risas 2, Sexo 2, Violencia 0 [de 0 a 4]

El experimentado guionista no comete el error de repetirse. Así somos testigos de amores entre jefes de estado y empleadas; de maridos y esposas; de hermanos y hermanas; de hijos y padres; de amistades duraderas, y, cómo no, de romances entre hombres y mujeres con situaciones vitales tan normales como distintas y originales. Las diferentes tramas son simultáneas en el tiempo y están ambientadas en los días próximos a la Navidad. A Curtis le sirve este “truco” para arrancar de sus personajes sentimientos hondos, de tal forma que, cada uno a su modo, experimente la necesidad de sincerar su corazón. Y ahora que el cine suele derivar con demasiada frecuencia hacia historias frustrantes, hay que agradecerle a Richard Curtis su talante esencialmente optimista, una declaración de principios con la que no duda en iniciar la película. Este enfoque es compatible, sin embargo, con las licencias que se toma a la hora de explicitar escenas de burda grosería, que aunque sirvan a la postre para reivindicar el amor verdadero, resultan sorprendentes en una comedia de este perfil. Para dar buen acabado a su cóctel romántico, el director cuenta con un reparto de aúpa, con muchos de los mejores actores británicos actuales. Y lo demuestran en escenas delirantes (Hugh Grant), emocionantes (Colin Firth), En busca del amor surrealistas (Bill Nighy), mágicas Curtis es de esos a los que no preocupa que un cenizo les señale con el (Keira Knightley) o desgarradoras dedo y diga: “Su película es una fantasía, no tiene nada que ver con el mundo real”. El cineasta confía en la fuerza del amor: “Me preocupa (Emma Thompson), por enumerar mucho lo que se entiende por realismo; para mí, una película como sólo las más emotivas. Sin duda, Sonrisas y lágrimas es una obra bastante realista. Suele acusársele de el mundo iría mucho mejor si ser pura sacarina, pero dice dos cosas: que la buena gente odiaba a los se hiciesen más películas como nazis, cosa que es cierta, y que mucha gente se enamora y quiere a sus ésta, porque después de verla dan hijos, cosa que también es cierta. Y todo eso me parece más verdadero ganas de ser bueno de verdad y que lo que pueda contar un duro drama realista, porque a lo largo y a lo brindar con champán con el amor ancho del mundo, a cada minuto que pasa, hay gente que se enamora”. de tu vida.

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Keira Knightley recibe una visita muy especial

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La novia cadáver

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T.O.: Corpse Bride. Año: 2005. País: EE.UU. Dir.: Tim Burton. Guión: John August, Caroline Thompson, Pamela Pettler. Mús.: Danny Elfman. Fot.: Pete Kozachik. Dist. en DVD: Warner. Dur.: 76 min. P.a.: Jóvenes. Cont.: Acción 2, Amor 3, Lágrimas 1, Risas 3, Sexo 0, Violencia 0 [de 0 a 4]

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Novios después de muertos

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asi a renglón seguido de Charlie y la fábrica de chocolate, Tim Burton regaló este film, animado prodigiosamente con la técnica de ‘stop-motion’ –muñecos movidos fotograma a fotograma, fotografiados digitalmente en decorados preparados al efecto, material luego tratado con el ordenador–, con la que ya trabajó en su corto Vincent (1982), homenaje al actor Vincent Price, y en Pesadilla antes de Navidad (1993), traviesa transgresión de los tópicos navideños. La novia cadáver es un film plenamente coherente con el ‘corpus’ burtoniano. En el aspecto argumental, vuelve a describir a criaturas tristes y desvalidas, solas contra el mundo, inmersas en una romántica e infatigable búsqueda de la felicidad. Tomando pie de viejas leyendas populares rusas, la trama pergeñada por Caroline Thompson, John August y Pamela Pettler arranca con los preparativos del matrimonio concertado entre Victor y Victoria. Él es el VIDA Y COLOR

La película de Tim Burton juega con un estudiado esquema de colores, donde prima el contraste y lo inesperado. Porque a diferencia de lo que podría creerse en primera instancia, el mundo de los vivos se caracteriza por los colores apagados, blancos, azules, grises y negros mayormente. Los rostros son pálidos, y los personajes apenas conocen el significado de la palabra diversión. Mientras que allá en ultratumba, esquéletos y cadáveres se lo pasan en grande, interpretando canciones con mucha marcha, y, oh, paradoja, dominan los colores ‘vivos’ y chillones.

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vástago de unos ‘nuevos ricos’, mientras que ella es hija de unos ricos venidos a menos, que apenas disimulan su disgusto por la boda, consentida sólo por razones pecuniarias. Contra todo pronóstico, los dos jóvenes se enamoran, pero el tímido Victor recita torpemente sus votos en el ensayo de la ceremonia. De modo que practica en solitario en un bosque, con la mala fortuna UNA MUERTE CON GLAMOUR de que pronuncia su promesa de Una de las escenas más impactantes amor ante el cadáver de una novia del film, es cuando asoma del suelo el difunta, que a partir de entonces se brazo de la novia cadáver, ante un considera la esposa de Victor. No asustado Victor. Asegura el director de fotografía Pete Kozachik que deseaba será fácil deshacer el entuerto. que evocara”la cubierta de algún cómic El diseño de los personajes, en el escabroso”. Pero, añade, “una vez que se que ha intervenido el español Carlos levantaba el velo, hicimos todo lo posiGrangel, presenta un aspecto parecido ble para hacer que pareciese hermosa, a al de los filmes animados citados, pesar de estar muerta y en descomposiatractivo e inquietante a partes iguales. ción. Así que cuando se quita cuidadoY nuevamente tenemos un ritmo samente su velo y la vemos por primera vez, se convierte en la agilísimo, un humor de magnífica toma de una chica con glamour. Utilizamos viejos trucos que se ley, música y canciones inspiradas. solían utilizar con todas aquellas actrices de los años 40 y 50, pequeñas luces sobre ella y difusión extra. Teníamos tres luces Estupendo resulta al respecto el dueto cuya principal misión era crear un perfil blanco a su alrededor al piano de Victor con la novia cadáver, que brillase, y el filtro difusor de la lente consiguió eso y lo o la danza de los esqueletos, homenaje convirtió en una especie de resplandor en torno a ella”. evidente a la clásica sinfonía tonta de Disney.

Bodas y prejuicios

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sta es una película para arrellanarse en el sillón y disfrutar durante dos horas con una perpetua sonrisa colgada de los labios. Eso sí, aderezada con unos cuantos mohínes, un mucho de romance, algún toque cómico explosivo y unos números musicales de una candidez, ritmo y alegría maravillosas. Y todo este cóctel al servicio de una historia clásica a más no poder, adaptación libre de la novela decimonónica “Orgullo y prejuicio”, de Jane Austen, una de las más grandes escritoras inglesas. Aquí los Bennett de la historia original son los Bakshi, una familia de Nueva Delhi, pudiente y numerosa, formada por un matrimonio con cuatro bellas hijas. La señora Bakshi está obsesionada con encontrar al marido ideal para ellas, sobre todo para la excesivamente díscola y librepensadora Lalitha, que además de ser la más hermosa hace gala de una actitud vital demasiada moderna para sus padres. En esas estamos cuando a raíz de una boda celebrada por todo lo alto, Lalitha conoce a dos jóvenes caballeros ingleses que parecen no caerse muy bien, Darcy y Wickham. Tras algunos encuentros y desencuentros, ella comienza a tontear con uno, a pesar de las serias 109

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T.O.: Bride and Prejudice. Año: 2005. País: EE.UU., Reino Unido. Dir.: Gurinder Chadha. Int.: Aishwarya Rai, Martin Henderson, Meghna Kothari, Nitin Ganatra, Nadira Babbar, Indira Varma, Naveen Andrews, Alexis Bledel. Arg.: La novela “Orgullo y prejuicio” de Jane Austen. Guión: Paul Mayeda Berges, Gurinder Chadha. Mús.: Anu Malik, Craig Pruess. Fot.: Santosh Sivan. Dist. en DVD: DeAPlaneta. Dur.: 110 min. P.a.: Jóvenes. Cont.: Acción 1, Amor 3, Lágrimas 2, Risas 2, Sexo 0, Violencia 0 [de 0 a 4]

La guapísima Aishwarya Rai, en un film a lo Bollywood

advertencias del otro. Y entretanto la madre de Lalitha ya ha concertado una cita en su casa con un joven y divertido pretendiente, Mr. Kholi. La directora Gurinder Chadha, que encandiló al público con Quiero ser como Beckham, volvió a dar el campanazo, pero ahora adentrándose hasta las cachas en el genuino modo de hacer cine de su país de origen, India, donde el colorido, las fiestas, los bailes y los vínculos familiares son fiel reflejo de tradiciones ancestrales y acaban por ser elementos esenciales del propio argumento. Aquí hay que aplaudir especialmente las expresivas coreografías y las preciosas canciones (algunas realmente inolvidables, como la divertida “No Life Without Wife” y la romántica “Take Me to Love”), y el encanto natural de los intérpretes, en especial de la gran estrella Aishwarya Rai. La fórmula infalible de Bollywood

El éxito de Bollywood, como se denomina a la industria del cine de la India, se basa principalmente en el tipo de historias que cuentan y sobre todo en el modo de contarlas. Optan siempre por argumentos claramente positivos, y es obligatorio el final feliz; los bailes y la música son imprescindibles; huyen del realismo y del estilo invisible de Hollywood, y prefieren en su lugar un aire llamativamente artificial y estéticamente muy preparado (¡hasta los actores cantan en playback!). Las películas que armonizan estos tres elementos principales tienen el éxito asegurado. Y no les va mal, ya que en la actualidad, Bollywood es el mayor productor de películas en el mundo, por encima de Hollywood.

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LA PERLA INDIA

Ésta es la primera película que Aishwarya Rai rueda íntegramente en inglés, lo cual es el paso decisivo para que su trabajo sea reconocido en Occidente. Esta bellísima mujer, nacida en Mangalore, India, en 1973, es la actriz mejor pagada y la mayor estrella mediática de su país (de hecho la llaman “La reina de Bollywood”). Comenzó su carrera como modelo y se convirtió en Miss Mundo 1994. Desde entonces, su extraordinaria hermosura (lo de sus ojos turquesa parece irreal), su simpatía y su talento le han ayudado a ganar más de 50 premios. A pesar de su juventud, Aishwarya Rai ha participado en más de 30 películas en su carrera.

La enfermera Sarah Polley

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na plataforma petrolífera en medio del océano. Ha ocurrido un accidente. Uno de los trabajadores murió abrasado por el fuego, y su compañero de fatigas Josef, aparte de otras heridas, ha quedado temporalmente ciego. Una mujer, Hannah, enfermera, se desplaza en helicóptero para prestar auxilio al accidentado. Y allí pasarán los días, de agradable monotonía. Se diría que el tiempo se ha detenido en ese lugar en medio de ninguna parte, y esa paz sirve a Josef y Hannah para crear en sus almas un muy necesario clima de sosiego. Pues ambos arrastran un pasado que les pesa, y mucho. Magnífico film contemplativo de Isabel Coixet, rodado en inglés como otros de sus trabajos, los notables Cosas que nunca te dije y Mi vida sin mí. La directora afronta riesgos al tomarse su tiempo en pintar la vida cotidiana en la

T.O.: The Secret Life of Words. Año: 2005. País: España. Dir.: Isabel Coixet. Int.: Sarah Polley, Tim Robbins, Javier Cámara, Eddie Marsan, Steven Mackintosh, Julie Christie, Leonor Watling, Reg Wilson. Guión: Isabel Coixet. Fot.: Jean-Claude Larrieu. Dist. en DVD: Cameo. Dur.: 120 min. P.a.: Jóvenes-adultos. Cont.: Acción 1, Amor 3, Lágrimas 3, Risas 0, Sexo 1, Violencia 0 [de 0 a 4]

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La vida secreta de las palabras

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plataforma (un lugar que dio mucho juego a Lars Von Trier en Rompiendo las olas), los cuidados Cuando uno tiene tiempo para contar las olas que que requiere el enfermo, el esfuerzo que exige chocan a diario contra una plataforma petrolífera, llegar a entender a otra persona cuando se ve y hacer un sesudo estudio con esos datos, eso signiincapaz de comunicar el estado de su alma. Y fica que está tranquilo, que cuenta con la necesaria nos habla de cómo, en ese proceso que puede ser paz para acometer sus proyectos y enfrentarse a los largo, se puede conectar con otra persona aunque propios demonios interiores. Esta simbólica idea uno de los cinco sentidos, la vista o el oído, estén de Coixet es muy gráfica, y sirve ausentes. Una idea que no está nada mal en un para hablar del mundo hiperacelerado y sensual, donde lo que sosiego necesario no entra por los ojos parece que no exista. para afrontar el Como explica Coixet “la empatía, esa misteriosa problema del dolor, capacidad de sentir como propios los dilemas sólo superable a del otro, sean éstos los que sean, que son capaces través de amor de desarrollar, consigue romper todos las muros desinteresado y -de silencio, de cinismo­- que hay entre ellos”. El por entero, sin dúo protagonista está sensacional. Tiene razón reservas. la directora al destacar “la ternura y sentido del humor insospechados” que Tim Robbins imprime a su personaje y la “capacidad de metamorfosis” de Sarah Polley que hace que su Hannah “pueda ser áspera y tierna a la vez, dulce y fuerte, arisca y encantadora”. Aunque su cocinero español es un personaje pequeñito, Javier Cámara lo dota de una humanidad sin par, le basta acompañar a la Polley, y con una inesperada dulzura se convierte en el amigo que todos querríamos tener. Y también Julie Christie sabe hacer auténtico su breve papel. Contando las olas

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Palabras perdidas

Así explica Isabel Coixet algunos de los planteamientos que subyacen en su film: “Alguien dijo que desde el momento en que uno tiene vida interior, ya está llevando una doble vida. Las palabras, como manadas de peces, pululan en nuestra cabeza y se agolpan en las cuerdas vocales, pugnando por salir y por ser escuchadas por los demás. Y, a veces se pierden en ese camino entre la cabeza y la garganta. Esta película trata de todas esas palabras perdidas, que durante mucho tiempo vagan en un limbo de silencio (y malentendidos y errores y pasado y dolor) y un día salen a borbotones y cuando empiezan a salir ya nada puede pararlas.”

Once

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ratísima sorpresa venida de Irlanda, de la mano de John Carney (1972), un director semidesconocido, que sin embargo ha cosechado admirables éxitos en su país, como en su debut November Afternoon o en las producciones televisivas Just in Time y Bachelors Walk. Aquí ofrece una bellísima historia de amor, sencilla, sincera y realista, que fue galardonada con total merecimiento con el Premio del Público en el Festival de Sundance 2007. 112

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T.O.: Once. Año: 2006. Dir.: John Carney. Int.: Glen Hansard, Markéta Irglová, Bill Hodnett, Danuse Ktrestova, Marcella Plunkett. Guión: John Carney. Mús.: Glen Hansard. Fot.: Tim Fleming. Dist. en DVD: Avalon. Dur.: 85 min. P.a.: Jóvenes. Cont.: Acción 0, Amor 3, Lágrimas 1, Risas 1, Sexo 0, Violencia 0 [de 0 a 4] A Glen Hansard y Markéta Irglová les unirá la música

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El protagonista es un joven que cada día se aposta con su guitarra en Grafton Street, la calle peatonal más emblemática de Dublín. Un día, una chica que vende flores en la misma calle le escucha con gusto y le pregunta acerca de su vida. Él le explica que además de trabajar en un modesto negocio familiar, compone y canta sus propias canciones para sacar un dinero extra. Al día siguiente vuelven a verse, charlan y se divierten, y resulta que ella, de nacionalidad checa, tiene estudios de piano. Poco a poco comienzan a hacerse amigos, quedan para tocar juntos y pronto cada uno le cuenta al otro sus anhelos y tristezas en la vida y en el amor. La gran originalidad del film es que está plagado de canciones, que son interpretadas por los dos protagonistas mientras se encuentran en plena calle, sentados a la vera de un piano, en un estudio de grabación, o incluso en un trayecto en autobús. Las canciones -que fueron compuestas especialmente para la película- son en verdad extraordinarias y contienen unas letras llenas de sentido, que más que ayudar a la historia la desarrollan, pues no son un mero adorno sino esencia de la trama. Destacan algunas de ellas, como “Falling Slowly”, que cantan y tocan a dúo en la tienda de instrumentos, o el maravilloso y emocionante tema “If You Want Me”, cantado por ella en un nocturno y excepcional plano secuencia de una belleza abrumadora. Y a este singularísimo musical se une una historia de amor portentosa, honda, discreta. El título de la película da pistas acerca de lo que vemos: el amor puede nacer de nuevo. Otra cosa es lo que se deba o no hacer con él, y en este sentido es ilustrativa una leve y velada referencia -nada casual- al Bogart de Casablanca.

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Hay en el film de Carney una valiente y enriquecedora visión El director John Carney fue músico antes que cineasta. De hecho, tocó de la familia, con personajes el bajo entre 1991 y 1993 en la banda The Frames, fundada por Glen magníficamente resueltos, como el Hansard. Esta película era una apuesta muy personal. Él mismo lo padre del protagonista. Y por otra explica: “Como director con un pasado musical, siempre he querido hacer parte, asombra, por lo inusual, que una película que, sin ser un musical tradicional (como los de los años 40), utilizara numerosas canciones para contar una historia moderlos actores, la mayoría de ellos no na, una historia de amor. Al principio barajé varios proyectos pero los profesionales, alcancen tan altas abandoné rápidamente por considerarlos demasiado ambiciosos. Quería cotas de perfección. Destacan, encontrar una historia, de trama sencilla, que me permitiera usar claro, el y ella, encarnados por el canciones de una forma que el público moderno aceptara. Finalmente irlandés Glen Hansard (músico opté por la idea de un músico callejero en las calles de Dublín: una profesional y líder de la banda persona que al no tener nada, no tiene nada para perder. Desarrollé una The Frames) y la checa Markéta sencilla historia de amor y le pedí a Glen Hansard que escribiera varias Irglová, una joven instrumentista canciones. Durante los meses siguientes, Glen y yo intercambiamos ideas de diecinueve años. Sus papeles -una línea de diálogo aquí, una canción allá-. Ambos nos alimentamos del trabajo del otro. Cuando llevábamos 60 páginas ya habíamos son inolvidables. compuesto 10 temas originales”. En conjunto, la película de John Carney es pequeña, y quizá ahí radica su enorme fuerza, una historia de personajes entrañables que despliegan en pantalla sus vivencias con enorme naturalidad. Nada en este film parece impostado, muy al revés transmite una gran autenticidad, y los propios acontecimientos que se narran, en sí mismos nada especiales, se revelan muy vitales y frescos, en parte gracias a las maravillosas canciones. Esta concepción de la película viene apuntalada por la puesta en escena muy realista y por un rodaje al estilo del cine independiente británico, con cámara en mano, película con grano, movimientos nerviosos y frecuente uso del primer plano. Y si bien es cierto que la fotografía puede resultar algo deficiente, también es ideal para captar la húmeda, romántica y a menudo sombría atmósfera del clima irlandés. EL ORIGEN DE LA HISTORIA

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The Holiday (Vacaciones)

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xcelente comedia romántica, la mejor película hasta el momento de la directora y guionista Nancy Meyers, quien, sin prescindir del cierto toque “modernillo” que ya ofreció en Cuando menos te lo esperas, hace alarde de un definitivo gusto por los clásicos del género, imprimiendo al conjunto un incomparable aire inocente, lleno de la frescura y el encanto de las grandes comedias del cine de Hollywood de los años treinta y cuarenta, un homenaje presente a lo largo de todo el metraje. El planteamiento es tan sencillo como el de ese tipo de historias que no pasarán nunca de moda. Dos mujeres desconocidas, a ambos lados del Atlántico, se ponen en contacto casualmente y deciden intercambiar sus casas durante las vacaciones de Navidad. ¿La razón? Las dos han sufrido serios reveses amorosos y desean un cambio de aires. Una, Amanda (Cameron Díaz), llegará a una casita de cuento de hadas, ubicada en un 114

T.O.: The Holiday. Año: 2006. País: EE.UU. Dir.: Nancy Meyers. Int.: Cameron Díaz, Kate Winslet, Jude Law, Jack Black, Eli Wallach, Rufus Sewell, Edward Burns, Shannyn Sossamon. Guión: Nancy Meyers. Mús.: Hans Zimmer. Fot.: Dean Cundey. Dist. en DVD: Universal. Dur.: 138 min. P.a.: Jóvenes. Cont.: Acción 0, Amor 3, Lágrimas 1, Risas 2, Sexo 1, Violencia 0 [de 0 a 4]

idílico pueblecito de Surrey lleno de encanto; la otra, Iris (Kate Winslet), tomará posesión de una esplendorosa mansión en un barrio residencial de Los Ángeles. La película narra las peripecias de cada una a modo de historias paralelas, con simpáticas y estudiadas transiciones, un charco, una puerta que se abre, etc. El espectador poco a poco conoce más íntimamente a los personajes y éstos acaban calando a fondo gracias a una lograda definición de caracteres, apoyada en detalles muy pequeños, pero también muy efectivos y cinematográficos. Mientras que en Inglaterra el asunto de las lágrimas entre Amanda y Graham resulta ocurrente y divertido, en Los Ángeles será la influencia del viento –“cuando sopla el Santa Ana puede pasar cualquier cosa”- o la cuestión de dominar la propia vida las claves del avance de la trama. En este sentido, hay El mejor Hollywood que elogiar la magnífica composición del Todo el film es un sentido homenaje al mundo del cine, entrañable personaje de Arthur Abbott empezando por el título original, pues emula el maravi(verdaderamente memorable Eli Wallach), lloso clásico de George Cukor, Vivir para gozar. De hecho, el cual ofrece a Iris la ocasión de salir de sí el personaje de Jude Law (realmente fantástico) no anda misma y de ese modo poder encontrarse. lejos de Cary Grant, aunque con un aire más sentimental. Por el contrario, quizá no acaba de cuajar La historia de Los Ángeles es más directa, con la inclusión completamente la inclusión de Miles en la del guionista clásico que recomienda a Iris aprender de “las vida de Iris, que, aunque ofrece momentos agallas” de Irene Dunne y tomar ejemplo de la personalidad de Rosalind Russell, la inolvidable Hildy Johnson de Luna divertidos muy al estilo Jack Black, no nueva, y de la Barbara Stanwyck de Las tres noches de resulta demasiado creíble. También llama Eva. Además, el trabajo de Amanda es elaborar los tráilers un poco la atención que no haya ni una de las películas, y Miles se dedica a componer bandas sonoras. sola referencia religiosa tratándose de Y en el fondo del film planea una reivindicación del Houna película ambientada por entero en las llywood clásico, del cine de antes, quizá menos dominado por fiestas de Navidad. la tiranía del dinero, de esa época en que lo más importante De cualquier forma, el conjunto es muy de una película no era “ser la más taquillera en la primera estimable, con un guión muy sólido, que semana del estreno”, como dice el personaje de Arthur Abbott. aporta momentos para el llanto y la risa,

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Jude Law y Cameron Díaz, el amor no se toma vacaciones

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para la pasión, la emoción y la ternura. Y hay una decidida intención de hablar del amor de manera, digamos, más seria y familiar, con algunas frases y réplicas memorables -”en las películas está la protagonista y la mejor amiga. Veo que eres la protagonista, pero por alguna razón te portas como la mejor amiga”-, y todo está equilibradamente acompañado por la inspirada partitura de Hans Zimmer. Además, el trabajo de Cameron Díaz es realmente espléndido, uno de sus mejores papeles.

Crepúsculo

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T.O.: Twilight. Año: 2008. País: EE.UU. Dir.: Catherine Hardwicke. Int.: Kristen Stewart, Robert Pattinson, Taylor Lautner, Billy Burke, Peter Facinelli, Elizabeth Reaser, Cam Gigandet, Nikki Reed, Anna Kendrick, Ashley Greene, Jackson Rathbone, Edi Gathegi, Rachelle Lefevre, Gil Birmingham. Arg.: La novela de Stephenie Meyer. Guión: Melissa Rosenberg. Mús.: Carter Burwell. Fot.: Elliot Davis. Dist. en DVD: Aurum. Dur.: 122 min. P.a.: Jóvenes. Cont.: Acción 1, Amor 3, Lágrimas 0, Risas 0, Sexo 0, Violencia 1 [de 0 a 4]

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Kristen Stewart y Robert Pattinson se sienten atraídos casi desde que se conocen

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a directora Catherine Hardwicke continúa indagando en la vida y los sentimientos de la juventud, tras sus dos logradas películas Thirteen (1999) y Los amos de Dogtown (2001). Aquí lleva a la gran pantalla la novela “Crepúsculo”, la primera de una saga literaria escrita por la americana Stephenie Meyer, que en poco tiempo se ha convertido en un fenómeno editorial tanto en Estados Unidos como en otros países. Estamos ante el nacimiento de un mundo cinematográfico no pequeño, del estilo de los iniciados con Harry Potter y la piedra filosofal o Las crónicas de Narnia: el león, la bruja y el armario. Pero si entonces eran magos y diferentes criaturas fantásticas las que poblaban la pantalla, ahora la cosa va de vampiros. Bella Swan es una joven de diecisiete años que se ve obligada a mudarse de la casa de su madre en la cálida y seca Arizona, hasta la de su padre, en el húmedo y lluvioso estado de Washington. Los comienzos en el pueblo de Forks no son fáciles, apenas conoce a nadie y su padre, a la sazón jefe de

policía de la pequeña localidad, no es que sea muy comunicativo. Pero pronto el mundo de Bella cambia. Entre los alumnos hay uno que se ha fijado en ella, y también la joven ha quedado atrapada por la misteriosa y reconcentrada personalidad del compañero. Se trata del pálido Edward Cullen, cuyo atractivo también es la parte visible de un secreto bien guardado. Edward es un vampiro y tanto él como su familia poseen diversas características y habilidades en mayor o menor medida: inmortalidad, fuerza, rapidez, visión futura, telepatía, etc. Entre Bella y Edward se abre un inmenso abismo. Sin embargo, el intenso amor nacido entre ellos ya es imparable. No pueden vivir el uno sin el otro y eso les deparará numerosos peligros. Como se ve, no estamos ante una película de vampiros al uso. La razón es que se trata principalmente de una historia de amor, y no sólo eso, sino de la narración de un enamoramiento ferviente, juvenil. No hay aquí escenas sangrientas, colmillos goteantes y doncellas asesinadas. Nada de eso. Es cierto que los elementos de terror o de acción están presentes en una subtrama que introduce a unos vampiros malvados, pero también lo es que a la postre son sólo escenas que completan el verdadero núcleo de la trama: el amor imposible surgido entre Bella y Edward. Y en este aspecto cabe hacer una lectura más antropológica, pues en cómo viven su propia relación estriba la idea esencial de la película: el autodominio por amor. La directora logra magistralmente dar forma a esa Kristen Stewart, pensativa por la dificultad de amar a un vampiro difícil cuestión al establecer un bello paralelismo entre vampirismo y sexualidad. Si ya desde siempre estos dos temas han sido amplia y morbosamente relacionados, ahora se trata de darle otra vuelta de tuerca: mantener intacto (sano-puro) al ser amado. Hay que tener en cuenta, por otra parte, que el film va dirigido a un público joven, y eso se nota. En algunos momentos, se excede demasiado en los planos románticos, las imágenes idílicas y en el juego de miradas, a veces con ralentizaciones chirriantes e incluso cursis. De ese modo el amor de los protagonistas corre el riesgo de devaluarse en simple flechazo. También se nota demasiada simpleza en la definición de los personajes secundarios (los amigos del instituto, la familia Cullen, etc.) y otros están algo desaprovechados, como el padre de Bella. Está lograda en cambio la atmósfera del film, con una hermosa y sombría fotografía de los boscosos parajes de Oregón, donde se rodó la película. También es muy elogiable la interpretación de Kristen Stewart, tan joven como grandísima actriz, que encarna con mucha intensidad a la protagonista. Le secunda con corrección el menos conocido Robert Pattinson, quien sin embargo asombra con su talento musical al interpretar al piano la pieza “Bella’s Lullaby”, evocador tema de amor de la película compuesto por el maestro Carter Burwell. 117

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